After Hours: "Paint it black". De su disco "Take Off".

Hoy vamos a recordar a otro de esos grupos de los que no se acuerda casi nadie, pese a que su música fuese bastante interesante: hablamos de After Hours. Esta agrupación se formó en el ya lejano 1987 con John Francis a la voz, Tim Payne en las guitarras, Martin Walls al bajo, Rick Young a cargo de los teclados y Mark Addison tras la batería. A raíz de una actuación de esas cerradas para los medios en el mítico Marquee, la filial de BMG Ariola afincada en Munich les fichó; debió gustarle su actuación a los ojeadores de dicha compañía y no debieron equivocarse mucho, ya que el disco que sacaron justo un año después bajo su auspicio no suena nada, pero que nada mal.

Este "Take Off" se publicó en ese año 1988. Por aquel entonces Rick Young ya no estaba en el grupo, aunque sí participó en la grabación. Como sustituto entró Andy Nye, el teclista que también militó entre otras formaciones dentro de la MSG. Grabó con Michael Schenker el mítico "Built To Destroy" y el no menos imprescindible directo "Rock Will Never Die". La calidad de Nye queda fuera de toda duda, en esta breve estancia en el combo del menor de los Schenker compuso clásicos imperecederos como "Rock my nights away" o "I'm gonna make you mine". Casi ná.

"Take Off" nos presenta un Hard Rock clásico de finales de la dorada y añorada época de los ochenta, con toques melódicos, buenas guitarras por todos los lados y la voz de John Francis comandando todo el conjunto con un sorprendente y exquisito gusto para ser un grupo tan novel. Producido por Mike Frye y también con Robin Black tras los controles -sí, el de los Jethro Tull, otro sinónimo de calidad-, nos ofrecen un resultado final con un sonido muy cuidado. Eso sí, dentro de los estándares musicales rockeros de los ochenta.

Como muestra hemos rescatado la versión que se marcaron del clásico de los Stones titulado "Paint it black". Llevaron esta sugerente composición de Sus Satánicas Majestades a un interesante y potente terreno Hard Rock contextualizando sus aires épicos y oscuros de manera magistral. Recuerdo perfectamente cuando lo escuché por primera vez hace ya treinta y seis años. No era más que un mocoso de quince añitos que apenas acababa de comenzar a entender que era eso de la pasión por el Rock' n' Roll. Todo me impresionó: el inicio con el inquietante solo de guitarra que te metía de lleno en la melodía y la voz rasgada a la vez que impoluta de Francis. Llegaron a publicar dicho tema como single ese mismo año. No obtuvieron apenas repercusión y poco después el grupo de rompió en añicos. Para la grabación de su segundo redondo solo quedaban en el barco el cantante y el guitarra. "After Hours" se publicó en 1992, estando el grupo ya separado.

Francis, Payne y Walls se volvieron a juntar en el año 2008, publicando "Against The Grain" en 2011. Buen grupo que no pudo llegar a más. Para darles una escucha.

 

 

 

Pete Goalby/Uriah Heep: "Blod Red Roses".

No damos mucho la brasa por aquí con los Uriah, pero el grupo de Mick Box es una de nuestras debilidades de siempre. Uriah Heep es una de esas formaciones más grandes que la vida, composiciones tan especiales como inspiradas, pletóricas de un aura mística a la vez que melódica, con un personalísimo y cuidado sonido y poseedora de una discografía al alcance de unos pocos escogidos.

Por sus filas han pasado muchos músicos, todos con unos estándares de calidad elevados -en Uriah Heep no toca cualquiera-, algo propio de los grupos buenos y longevos; siempre se le han buscado paralelismos con los Purple por motivos como este, además de por la calidad musical de ambos, claro. La familia Heep representa una abundante saga de músicos cuyas ramificaciones también dan para que muchos colgados del grupo sin remedio extendidos por este ancho mundo, entre los que se encuentra este humilde escriba, gasten su tiempo, energías y dineros en recopilar sus distintas grabaciones. Todavía recuerdo el surrealista fin de semana que pasé en la Andalucía profunda degustando una convención mundial de fans de Uriah Heep. Juntar en un pequeño pueblo de Granada a varios de los miembros de las distintas formaciones del grupo, seguidores venidos de los rincones más recónditos de nuestro planeta y el rollo este nuestro tan del sur español con las cañas, tapas y olé. Vamos, un artefacto tan imposible como atómico que sin duda repetiría hasta en la última coma. Abordamos superficialmente este finde tan descolocante en estas  páginas.

Todo esto viene al hilo de la formación que los Heep presentaban en los dorados años ochenta. Comenzaban esa década rompiéndose en mil pedazos. El teclista, guitarra, cantante, compositor y genio Ken Hensley -D.E.P.- abandonaba definitivamente el grupo harto de que se le negase el éxito mundial al grupo, una de las grandes injusticias del negocio musical sin duda. Sin Hensley al timón el resto del grupo se acabó desmembrando. El guitarrista y fundador de la banda, Mick Box, recuerda que estuvo tres días borracho intentando asimilar la ruptura de su sueño musical de siempre. Pero el bueno de Mick consiguió resurgir de sus cenizas. Reclutó a una nueva formación, recuperó al batería Lee Kerslake -D.E.P-, sumó al reputado bajista Bob Daisley, al teclista John Sinclair, ofreció el puesto de vocalista a Pete Goalby, que curiosamente fue uno de los que en el pasado pretendía Hensley para el puesto sin llegar a ponerse de acuerdo, y grabaron un pedazo de disco que responde al nombre de "Abominog" y que pasa por ser uno de los mejores discos del grupo y del Hard Rock en general. La impronta de la voz de Goalby, otra de nuestras debilidades, le dio al grupo un empaque y una profundidad que casaban a la perfección con la melodías tanto vocales como corales marca de la casa. El disco y la gira fueron un éxito y volvieron a poner a Uriah Heep en el mapa; me pregunto la cara que seguro se le debió poner a Ken Hensley por entonces. Esta formación aguantó tres discos en total, pero con el incomprendido "Equator" Goalby decidió abandonar la nave. Los problemas de voz que arrastró tras la gira de 1985 imagino que tampoco ayudarían. Otra vez a la deriva.

Uriah Heep. Etapa "Abominog".

Sin embargo, la tenacidad de Mick Box volvió a poner a flote al grupo madre. Hubo un casi desconocido, breve y fallido paso por el grupo del vocalista Steff Fontaine. La cosa no funcionó y la banda le mostró la puerta de salida tildándole de poco profesional, por lo visto llegó a olvidarse de una actuación que el grupo tenía ya contratada; Dios, qué entrevista tiene este tipo.

Reclutó al vocalista Bernie Shaw y con una sorpresiva gira por la entonces Unión Soviética hizo resurgir a la criatura de sus cenizas, de nuevo; de hecho Uriah fue la primera formación de Hard Rock que pisó tierras comunistas para actuar en directo.

De ahí salió un estupendo disco en directo, otro éxito que salió en 1988 y recibía el nombre de “Live In Moscow ”, pero la primera obra en estudio con Bernie a la voz no se publicó hasta 1989. Bajo el título de "Raging Silence" presentaron sus esperadas nuevas canciones. Una de las más destacadas, si no la mejor directamente, era "Blood red roses". Si obviamos la chapucera producción de todo el disco que  nos regala un sonido agudo chirriante general, este tema lo tenía todo para ser un hit single: potente riff, bonitas melodías y teclados, unos estribillos y coros de otra galaxia y la guitarra con el pedal mítico de Mick Box comandándolo todo. Un subidón del quince en cuanto empezabas a escuchar su agresivo pero accesible inicio. El estribillo mezclado con la guitarra solista de Box es toda una delicia, de esas cositas que te ponen firme y con ganas de más. Y el final con ese mismo estribillo mientras la guitarra juguetea te vuelve loco hasta que acaba en el asqueroso fade out, irritante práctica en las grabaciones de estudio que consiste en acabar la canción bajándola el sonido en lugar de dejar su final natural. Esto del fade out daría para un largo artículo en sí mismo. Cuando te gusta una canción, te gustaría escuchar cómo acaba la susodicha, cómo ha ideado el compositor la finalización de su obra y no una ridícula bajada de sonido que lo único que hace es encabronarte mientras la escuchas. Hay muchos ejemplos de estos asesinatos musicales: "Hunger in the night" de UFO, "I'll fight hell to hold you" de Kiss, "Fire wind" de Electric Sun y podemos seguir así todo el día. En fin, para otro momento. 

Pete Goalby.

Volvamos a la canción. El tema llegó a salir como single y se publicó a su vez una versión alargada para el formato maxi single que casi te irrita tanto como el final en fade-out al que nos acabamos de referir. Una canción con tanto potencial en su parte final se presta a que, si sacas una versión extendida, nos ofrezcas eso que se quedó cortado en la última parte de su minutaje. Pero no, el productor, el propio grupo o el chimpancé que tomase la decisión final no decidió revisar las cintas de grabación y añadir ese supuesto final extra, ni siquiera consideró volver a reunir a la formación para recrear el final extendido. No. Cogió unas cuantas tomas, las montó, las volvió a mezclar y sacó un engendro que cuando lo escuchas es que se te suben unos humos negros por tu cabeza que ni te cuento. Con la canción cabalgando hacia su éxtasis final tras el solo decide volver a meter, con calzador y mal mezclado, otra vez las primeras estrofas, rompiendo así el momento de crescendo al que te aboca la propia composición. Vamos, una chapuza.

Pues resulta que “Blood red roses” es una composición firmada en solitario por Pete Goalby. Suponemos que pertenecería a alguna primeriza sesión que llevó a cabo el grupo y se acabarían poniendo de acuerdo para publicarla con los consiguientes créditos compositivos.  Como curiosidad podemos decir que Goalby no guarda un recuerdo especialmente bueno de esos años pasados en el seno de Uriah Heep y por lo visto ni siquiera le gusta abordarlos en las entrevistas. Habrá que esperar a que algún día se decida a publicar alguna autobiografía para enterarnos de su versión del asunto. El caso es que para disfrutar de su acertado olfato melódico y rockero no tienes más que pinchar el segundo tema de “Raging Silence”, no la versión maxi, y dejarte llevar.

Además, hasta la letra es elegante. Ya se sabe que hablar de amor y florecitas suele acabar en moñada estúpida total. No es este el caso.

 

I’m sending roses

I’m sending blood red roses

This burning in my heart

Is tearing me apart

 

You’ve got to understand

That’s my heart in your hand.

 

 

Estoy mandando rosas

Mandando rosas rojas de sangre

Mi corazón está ardiendo

Me está destrozando

 

Debes entender

Que mi corazón está en tu mano.

 

 

 

 

 

 

Oni Logan: "The Cosmic Trust Sessions". Nuevo disco.

Este es el tipo de noticia que seguro nunca vas a leer en ninguna de esas página webs que sueles usar para enterarte de la actualidad del Hard Rock. Oni Logan, cantante de grupos como Lynch Mob o Dio Disciples, ha sacado este verano un nuevo disco en solitario. Bajo el título de "The Cosmic Trust Sessions" nuestro intrépido vocalista ha publicado cuatro nuevas canciones -lo que vendría a ser un Ep de toda la vida- que conforman su segunda obra en solitario, dieciocho años después de su primer disco como solista bajo el apelativo de "Stranger In A Foreign Land" del ya lejano 2005. El bueno de Oni nos regala cuatro temas que llevan el aire del buen Rock duro ochentas con ese toque del Lejano Oeste, el verano, el calor y el desierto que tan bien ha sabido reflejar siempre en su discografía el guitarrista George Lynch y su combo Lynch Mob, del que Oni fue cantante en varios discos.

Oni Logan desde luego que debe ser un tipo peculiar, de cock rocker festivo en la más pura tradición de David Lee Roth o Vince Neil pasó a una conversión religiosa, supongo que de esas americanas que no buscan más que la autocomplaciencia y la autoayuda para gente que suele haber pasado por problemas de abuso de sustancias varias de las que todos nos podemos hacer una rápida idea; aunque nunca se sabe y por tanto conviene dejar vivo el beneficio de la duda. Pero no estamos aquí para juzgar el modelo de vida de Oni, sino su música.

Logan se ha lanzado a sacar al mercado un Ep autoeditado; sí, de esos que no podrás adquirir en ninguna plataforma musical al uso ni nada por el estilo. Tan solo puedes comprarlo en su página web oficial. Ni siquiera puedes escucharlo en Youtube, sabiamente el tipo que puso su voz al temazo de Lynch Mob "Wicked sensation" solo ha colgado algún trozo de un par de sus temas. Si te gusta tienes que pagar por el mismo. También imagino que por este motivo no ha aparecido ninguna referencia suya en ninguna de las "páginas especializadas" que todos tenemos en mente, tanto extranjeras como españolas. Es fácil: no hay pasta, no hay reportaje. Esto lleva funcionando así toda la vida y no iba a cambiar ahora.

No obstante, para algunos descerebrados de nosotros, la música y la figura de Oni Logan tiene su relevancia y es por eso que disfrutamos haciéndonos eco de sus nuevos pasos en la putrefacta industria musical actual. Además, es que el disco está cojonudo. Otra cosa altamente interesante para todos los que "van por libre" en esto de hablar de música por la red global: no tienes que bajarte los pantalones y hablar bien de algo que te parezca una mierda solo por el hecho de que la compañía o management de turno te "haya untado" bien. Sentirte libre para opinar es algo muy bonito y gratificante.

El cantante que ha entrado y salido varias veces de Lynch Mob, el tipo que se ha peleado y ha hecho las paces mil veces con George Lynch, el cantante que acompañó a Ripper Owens en aquel bizarro concierto de Dio Disciples y el holograma de Dio que pudimos ver en Santander hace unos años y que documentamos en estas páginas vuelve a la actualidad musical de la mano de un puñado de canciones que ya quisieran otros que copan portadas y reportajes en cualquier rincón del mundo. Otra de esas voces que en cuanto la escuchas, dices: creo que este es el del primero de Lynch Mob. Además, también ha anunciado nuevo grupo con el bajista Sean McNabb, el batería Hawk Lopez y el guitarra Jimmy Bunkard. La banda se llama Oni Logan & The Wicked Mob y seguro que ya os imagináis lo que van a tocar en su repertorio. Jamás vendrán a tocar a España, que si no ya estoy adquiriendo mi tícket.

 

 

 

 

Mr. Big anuncia gira final europea. Conciertos en España.

 

 

Mr. Big acaban de anunciar el periplo europeo de lo que han denominado como su gira final. Este tour de despedida se inició con unas fechas durante este mismo verano en tierras niponas y del sudeste asiático. Una grata noticia para los millones de seguidores de este grupo tan especial que nos encontramos repartidos por este mundo loco. Recordemos que Mr. Big puso fin a sus actividades a raíz del triste fallecimiento de su batería Pat Torpey, que en 2018 perdió la batalla contra la enfermedad de Parkinson. El combo de Billy Sheehan, Paul Gilbert y Eric Martin tuvo claro que hasta ahí llegaron. Una formación que, salvo el lapsus en el que militó en sus filas el guitarrista Richie Kotzen nunca realizó cambios en su formación original; ya ves, de esos pocos que se cuentan con los dedos de las manos. Una hermandad musical. 

 

Nunca cerraron la puerta de manera definitiva, solo explicitaron que tras la pérdida de su amigo no se sentían con ganas ni deseos de continuar como grupo. Y así ha sido hasta este verano, que se han decidido lanzar a la carretera una vez más, una última vez. Bueno, eso habrá que verlo, como en todos los demás casos de grupos o artistas que anuncian su retirada y al final aquí no se retira ni Dios; pero eso es otro tema.

 

Mr. Big 23: Billy Sheehan, Eric Martin, Paul Gilbert y Nick D'Virgilio.

El caso es que han reclutado al batería Nick D'Virgilio, un tipo que viene del Progresivo y ha tocado con gente como Spock's Beard, Mike Keneally o Neal Morse entre otros; vamos, que de tonto tiene muy poco. Ya se conocían Paul Gilbert y él de antes, por lo que no resultó extraño que le ofreciesen el puesto. Con la formación completa de nuevo este exclusivo elenco de súper clases han decidido volver a subirse a un escenario para interpretar la música de Mr. Big. Y el repertorio no ha podido ser más interesante: en los conciertos asiáticos se han calzado un set list de unas veinticinco canciones, interpretando de todo y además tocando su afamado disco "Lean Into It" de manera íntegra. La leche.

Ahora parece que nos toca el turno a los europeos. Hoy mismo se ha anunciado una gira por el viejo continente para los meses de Marzo y Abril del próximo año. España está incluida, tocando a finales de Marzo en Madrid y Barcelona. Grandes noticias dentro de este Septiembre incierto.

No sé lo que harán ustedes, pero el que esto escribe estará atento para trincar las entradas de La Riviera en cuanto salgan a la venta, Siempre es un placer asistir a un show de estos maestros y, quién sabe, igual resulta que sí es la última oportunidad. Si hay algo o alguien de quien uno pueda fiarse en esta vida, sin duda es de Mr. Big.

 

 

 

 

 

 

 

 

CHASCARRILLOS.

Una sección de “Cortadillo, el encargado de la Renol”.

Chascarrillos sobre los tiempos que corren a pie de obra… en la cadena de montaje… en los pensamientos de una vaca, que al no saber qué hacer… con el rabo mata moscas.

Esta sección de collages responde a visiones, percepciones y miradas muy personales acerca de lo que la vida expone a través de sus diferentes canales de expresión.

Sin pretensiones… desde la humildad de quien no sabe y desde la grandeza de lo que la vida nos ofrece… cada collage representa un golpe de inspiración de quien se considera tan ciego en estas cosas del arte.

No hay títulos… no hay descripciones ni explicaciones por ese respeto que siento por la libertad de expresión y por la mirada libre… sin colorantes ni aditivos… de quienes su curiosidad les ha traído hasta estas imágenes.

 

 

 

 

Bernie Marsden ha muerto. Descanse en Paz.

Esta misma mañana se ha hecho público el triste fallecimiento de Bernie Marsden. Nos dejó durante la noche de ayer jueves acompañado de su mujer y sus dos hijas, en paz. Se ha marchado un inspiradísimo guitarrista y una de las voces más bonitas que este humilde servidor haya escuchado jamás frente a un micrófono. El músico de cuyas entrañas salió el archiconocido "Here I go again" durante sus años en Whitesnake ya no volverá a empuñar una guitarra, ya no volverá a cantar con su aterciopelada voz, ya no volverá a hacer sonar un viejo Blues con ese toque suyo tan entrañable y especial, ya no. 

Mis mejores deseos y condolencias a su familia, seres queridos y a todo el que sienta algo por el R'n'R.

 

Descanse en Paz.

 

 

 

Grace Gillan: "Candy floss". Directo para grupo de Rock y Orquesta.

No se publicó, pero es de justicia que todo el que guste de pasarse por estas páginas pueda disfrutar de la preciosa versión que ejecutó a la voz solista Grace Gillan y de la que hablamos justo el otro día. No solo es la voz que tiene y cómo canta, sino la delicada entonación con la que colorea esta bonita canción. Por supuesto; piratón, pero con buena imagen y sonido.

La hija de Ian Gillan agarró el micro y levitó mientras nos embelesaba con su interpretación. De esas cosas que solo a unos pocos les salen natural y fácil. Gillan padre tiene motivos musicales de sobra para estar orgulloso. 

Por cierto, parece que Grace también tiene la misma curiosa costumbre de su padre a la hora de subirse a escena sin ningún tipo de calzado que se interponga entre su piel y el suelo. Grande.

 

                                              "You're gonna ruin me baby" & "Candy floss".
 

Ian Gillan & Grace Gillan: "You're gonna ruin me baby". Padre e hija mano a mano.

No podía estar mejor acompañado Ian Gillan. Nuestro querido Garganta de Plata realiza este delicado dueto con su hija Grace Gillan. La canción escogida es un viejo Blues del poco conocido para el gran público Lazy Lester. Su canción "You're gonna ruin me baby" se publicó en el lejano 1963 y sirvió para que padre e hija demostraran su gusto y dotes al micro. Ya se sabe que con Gillan nada toma el camino sencillo. En lugar de recurrir a cualquier clásico archiconocido, Ian se descuelga con este entrañable tema que tan bien entona con su personalísimo tono de voz; nada de gritos y cosas que ahora ya no le lucen, le das un buen Blues y su voz fluye hermosa y natural. 

Ya publicó una bonita versión en el segundo disco de reunión de uno de sus grupos de adolescencia. Hablamos de The Javelins, combo en el que Ian Gillan militó a principios de los sesenta y a cuyos miembros volvió a recuperar solo por diversión para grabar un par de discos. Gillan contactó con sus amigos Gordon Fairminer y Tony Tacon a las guitarras, Tony Whitfield al bajo y Keith Roach tras la batería para registrar en estudio un par de discos: "Sole Agenct And Representation" en el año 1994 e "Ian Gillan & The Javelins" en 2018. Un bonito detalle por su parte juntarse con los tipos que empezaban a conocer de manera muy amateur a naive esto del negocio musical en 1962 y que más de cincuenta y cinco años después se reúnen para grabar un disco. La canción en particular que nos ocupa en este escrito aparece en el segundo de los discos y es una delicia de rollo añejo e inocente sesentas.

Y de Grace Gillan poco podemos decir; bueno, que ha debido heredar los genes al micrófono de su progenitor. En el escaso minuto y algo del tema deja patente sus capacidades. Dicha canción aparece en el directo para Orquesta y grupo de Rock del padre grabado en Moscú en el año 2016 y publicado bajo el cachondo título de "Contractual Obligation", made in Gillan total. Como curiosidad decir que el guitarra que toca en dicha grabación no es otro que Simon McBride, actual guitarrista de Deep Purple. Por cierto, que lo borda en todo el disco. Ya intuimos de dónde salió la idea de su incorporación a los Purple tras la renuncia de Steve Morse.

También comentar que Grace Gillan interpretaba justo después de este tema otro de modo solista, pero que vete tú a saber porqué no aparece publicado en ninguna de las versiones oficiales del directo. Y si te gusta cómo canta en la que hace a dúo con el padre, ni te digo en esta sin publicar. Para su deleite, la familia Gillan.

Came home last night drunk

Smelling like a gypsy rose..

 

 

ROCK' N' ROLL FICTION.

 Una sección de nuestro colaborador Paul Martín Simón.

Freddie Mercury, en otros reinos.

Sin duda Freddie Mercury es uno de los mitos del Rock más recordados por aficionados de todas las edades y su imagen sigue vigente más de treinta años después de su muerte, por delante de otros mitos como Elvis o John Lennon.

Durante casi veinte años Freddie triunfó con su banda Queen, de éxito mundial. Freddie también intentó el éxito en solitario o colaborando con otros artistas. Pasando de su fugaz debut bajo el pseudónimo de Larry Lurex o de la extravagante colaboración con la soprano Monserrat Caballé, lo cierto es que Freddie no tuvo mucha suerte fuera de Queen.

A principios de los años ochenta Freddie intentó colaborar con el exitoso Rey del Pop, Michael Jackson. Ambos eran grandes estrellas, carismáticos en escena e incluso compartían signo zodiacal, Virgo, admirándose mutuamente. Sin embargo, al intentar colaborar juntos las cosas no funcionaron, Michael tenía la costumbre de llegar al estudio acompañado de sus mascotas, que eran un chimpancé y una llama andina; esto desquiciaba a Mercury. Por otro lado, Jackson no aprobaba ciertas "aficiones" de Freddie, por lo que le llamaba chico malo -bad boy-; dicho apodo lo usó el propio Mercury para su disco en solitario titulado "Mr. Bad Guy" publicado en 1985.

Sin duda Freddie se habría entendido mucho mejor con sus amigos Elton John y Rod Stewart. Durante años los tres compartieron fiestas y viajes, incluidos algún safari o el carnaval de Río. A menudo bromeaban con la idea de formar un trío llamado Nose, Teeth & Hair -Nariz, Dientes y Pelo-, atributos físicos de Elton, Freddie y Rod. Desgraciadamente esta colaboración no se realizó, aunque Elton sí colaboró en algún Lp de Rod como en "Smiler" de 1974. Si este encuentro musical hubiese estado a la altura de sus juergas seguro habrían hecho historia.

Sin embargo, hay una colaboración de Freddie que apenas es recordada. En el tema "Love is the hero" del rockero norteamericano Billy Squier, Mercury cantó y tocó el piano. Esta canción apareció en el disco "Enough Is Enough" del año 1986.

 

Paul Martín Simón.

 

                                                        "Love is the hero". Vídeo oficial.

"I ain't never". La última grabación de estudio publicada por Little Richard.

Hace algo más de tres años que nos dejó una de las más grandes voces que ha conocido nuestra historia. Little Richard, uno de los creadores de esta pequeña y loca cosa llamada Rock'n'Roll, nos dejó un triste nueve de Mayo del pasado año dos mil veinte. Sin embargo su legado, su invento musical, sus grandes canciones y su recuerdo seguirán sin duda mientras nuestra peculiar especie humana siga disponiendo de oídos y de corazón.

Hoy nos detenemos en la que fue su última grabación publicada de manera oficial. Este "I ain't never" fue grabado en el año dos mil ocho. Parece que un año después colaboró en otra grabación de Gospel para un disco tributo a la leyenda americana Dottie Rambo -por supuesto aquí en España seguro que no la conoce ni Dios-, pero lo cierto es que a día de hoy todavía no se ha publicado.

"I ain't never" formó parte del disco benéfico que coordinó Don Imus, un conocido locutor de radio, para ayudar a niños con enfermedades. Little Richard desde siempre y sobre todo en la segunda etapa de su vida mostró un interés y preocupación especial por los niños. De hecho colaboró y grabó música para diversos proyectos relacionados con nuestros queridos infantes. No se me va de la cabeza el disco que sacó bajo el auspicio de la factoría Disney llamado "Shake It All About". Este delicioso engendro contaba con adaptaciones tradicionales y de algunos de sus clásicos para los más pequeños de la casa.

Pero sigamos con la canción objeto de este artículo. Richard la grabó seis años antes de retirarse de los escenarios, con casi setenta y seis años. Pero no penséis que se arrastraba bajo el micro. No. Little Richard siempre fue un tipo que lo daba todo y en esta versión podéis escuchar a alguien que seguía luciendo esa voz tan arrebatadoramente cristalina y perfecta. Su fuerza vital seguía intacta en cuanto abría la boca y resulta toda una delicia dejarse acariciar por su exquisito gusto a la hora de entonar cualquiera que sea la melodía que salga de su cabeza. Para disfrutarla y para dar gracias porque señores como este hayan compartido sus momentos vitales con el resto de nosotros, pobres mortales.

 

 

Lisa Fischer. "Gimme shelter" del directo "Live Licks" de Rolling Stones.

Sin ningún aparente nos venimos a acordar de esta imperecedera canción de los Stones; una de sus mejores, puede que la que más. Reconocida por todos, versionada por todos y grabada a fuego en el subconsciente colectivo de todas las generaciones que la han escuchado en algún momento de sus vidas. Hace tiempo comentamos la espectacular versión que de ella realizó en su día Meat Loaf. El añorado vocalista, fallecido durante la pandemia, se marcaba un "Gimme shelter" del copón para cerrar los conciertos de la gira mundial en la que promocionaba el estupendo disco "Bat Out Of Hell III: The Monster Is Loose" y que quedó registrada para la posteridad en el directo "3 Bats Live". La interpretación de nuestro querido Cacho Carne dejaba en bragas la de los Rolling en nuestra humilde opinión, opinión que generó bastante polémica y que se puede volver a visitar aquí.

Nunca oculté lo que pienso sobre las cualidades técnicas de los Stones, sobre todo de la pareja Jagger/Richards y del bueno de Ron Wood, asunto que también generó alguna que otra ampolla. En fin, cada uno tenemos nuestro gusto, percepción y criterio... y algunos de nosotros lo elaboramos principalmente a partir de nuestra oreja, no por lo que digan los demás o lo que esté de moda.

El caso es que hace un par de semanas me encontraba escuchando la discografía de los Rolling, insana costumbre de fan descerebrado que realizo todos los inicios de verano, y volví a reparar en la versión de esta canción que aparecía en el directo que salió de la gira mundial de promoción del recopilatorio "Forty Licks". Se publicó en el año dos mil cuatro y presentaba un buen puñado de colaboradores. Los propios Rolling son más conscientes que nadie de sus limitaciones cuando agarran un instrumento/micrófono y, ya que hay pasta de sobra, no dudan en trincar a músicos cualificados de sobra para sus directos. Por supuesto sacamos de estas consideraciones al tristemente fallecido batería Charlie Watts, un músico de la cabeza a los pies con un interesante bagaje Jazz que destilaba cada vez que agarraba sus baquetas.

Mick Jagger & Lisa Fischer.

Comienza la canción y a los pocos segundos ya puede uno comprobar estas consideraciones sobre el nivel técnico de una de las parejas musicales más famosas de la Historia. Pero en cuanto acaba el solo una de las coristas que llevan para cubrirles las espaldas abre la boca para disfrutar de su momento solista. En cuanto Lisa Fischer entona la primera frase ya te tiras al suelo; qué fuerza, qué cuerpo, qué timbre, qué subidón, qué bien entonado, qué salvaje y qué manera de ir con todo. En fin, para perder los papeles y dejarse llevar. Nuestra amiga se pone a tirar con su descomunal chorro de voz y ahí te vuelves loco. Sin aparente esfuerzo y sin irse ni un jodido semitono comienza a hacer acrobacias con la voz con un gusto y una potencia tan exquisitos como inalcanzables para casi el resto de los mortales. Solo por ese escaso medio minuto ya merece la pena pagar la entrada para un concierto. En resumen: Puto Rock'n'Roll. Sí, de ese que asquea a todos aquellos que dicen que les gusta el Rock, pero que en cuanto suena una guitarra eléctrica distorsionada les sobreviene alguna arcada. Sin acritud, pero esto del R'n'R en realidad es otra cosa. Vamos, es Lisa Fischer cantando su medio minuto del "Gimme shelter". Dame vidilla.

 

 

 

 

 

 

CHASCARRILLOS.

Una sección de “Cortadillo, el encargado de la Renol”.

Chascarrillos sobre los tiempos que corren a pie de obra… en la cadena de montaje… en los pensamientos de una vaca, que al no saber qué hacer… con el rabo mata moscas.

Esta sección de collages responde a visiones, percepciones y miradas muy personales acerca de lo que la vida expone a través de sus diferentes canales de expresión.

Sin pretensiones… desde la humildad de quien no sabe y desde la grandeza de lo que la vida nos ofrece… cada collage representa un golpe de inspiración de quien se considera tan ciego en estas cosas del arte.

No hay títulos… no hay descripciones ni explicaciones por ese respeto que siento por la libertad de expresión y por la mirada libre… sin colorantes ni aditivos… de quienes su curiosidad les ha traído hasta estas imágenes.

 

 

 

¿Quién tiene la razón cuando nadie tiene la razón? Sammy Hagar: "Who has the right?".

En estos días tan desconcertantes como decadentes, días en los que parece que todo está permitido con tal de convencer, arañar, dividir, anexionar y ganar, recordamos esta canción de Sammy Hagar en la que nos regala una letra tan inspirada como certera.

Y, además, resulta que la canción es una preciosidad. Sammy cantando como los ángeles, desgarrando y rompiendo esa privilegiada voz como solo él sabe y puede hacerlo sobre una composición de muchos quilates. Pese a quién pese y contra viento y marea: no hay verano sin la familia Van Halen.

 

 

"Medidas Drásticas". El disco olvidado de Kansas.

Hace cuarenta años Kansas editaba su noveno álbum titulado "Drastic Measures" en el año 1983, sin duda el menos conocido y con menor repercusión comercial y artística de la banda de Topeka.

Muchos seguidores lo desconocíamos, nunca fue editado en nuestro país, y creíamos que hasta el álbum de reunión "Power" de 1986 el grupo había colapsado tras la edición en 1982 de "Vinyl Confessions" donde el mítico teclista y vocalista Steve Walsh había sido sustituido por el desconocido John Elefante. Este fue el primer cambio en la formación desde su debut en 1974. Sin embargo, al terminar la gira de 1982, la salida del violinista y vocalista Robby Steinhardt deja maltrecho al grupo.

Reducidos a quinteto con Kerry Livgren a la guitarra y teclados, Rich Williams a la otra guitarra, Dave Hope al bajo, Phil Ehart en la batería y John Elefante como vocalista y teclista deciden seguir su carrera.

"Drastic Measures" supone un cambio dramático en el sonido y la imagen de Kansas, ya desde la extraña portada en blanco y negro mostrando unos músicos de cámara con un bazoka. En lo musical, el "novato" Elefante toma las riendas compositivas relegando al máximo compositor Kerry Livgren a la autoría de solo tres canciones.

Abre el álbum un potente tema de ritmo machacón "Fight fire with fire", esta canción apareció en posteriores recopilaciones para mayor intriga de sus seguidores. Siguen con el pegadizo "Everybody's my friend", sátira sobre las falsas amistades que aparecen al calor de la fama. Ambos temas se editaron en single y se grabaron para vídeo clip, algo muy de los ochenta; dos buenos vídeos de la época, un tanto surrealistas. El tercer tema "Mainstream" lo firma Livgren con potentes guitarras marca de la casa. Con "Andi" llega la balada, sutil y apacible. En "Going thorugh the motions" dominan los teclados, recordando un poco a Saga, cuando antes solía ser al revés.

                                                   "Fight fire with fire". Vídeo oficial.
 

                                                  "Everybody's my friend". Vídeo oficial.

Más temas lentos tipo Kansas en "Don't take your love away". El álbum se cierra con otras dos composiciones de Livgren: la confesional "End of an age" e "Incident on a bridge", más cercanas al sonido clásico del grupo y donde más se echa de menos el sonido del violín de Steinhardt.

En definitiva "Drastic Measures" no es el mejor disco de Kansas, pero no es un mal disco. Tal vez el error fue editarlo como un álbum de una banda tan especial como Kansas. Si lo hubiesen firmado como, por ejemplo, John Elefante Band o usado el título del disco como nombre de un nuevo grupo igual se habría valorado de otro modo.

Animamos en este cuarenta aniversario, a escuchar este disco, reconociendo su valor musical y evitando comparaciones.

 

Paul Martín Simón.

Paul Rodgers: "Living It Up". Single adelanto de su nuevo disco "Midnight Rose".

Hace apenas un par de semanas Paul Rodgers compartió con el mundo este preciosista "Living it up". la canción constituye el primer single de adelanto de lo que será su próximo nuevo disco titulado "Midnight Rose". El famoso vocalista de Free, Bad Company, The Firm, The Law, Queen y como artista en solitario es uno de los principales referentes en lo que a esto de cantar se refiere. Todo el mundo -repito: todo el mundo- ha sido influenciado por su impresionante capacidad vocal. Sus fraseos y cadencias están grabadas a fuego en la cabeza de millones de cantantes, desde los más desconocidos hasta muchos de los grandes que todos admiramos. De hecho la mayoría de ellos no tienen problema alguno en citarle como una de sus influencias. 

Es el primer disco de composiciones nuevas que nuestro querido vocalista publica en solitario desde aquel ya lejano "Electric" del año 1999. Pero no piensen que lleve casi veinticinco años sin publicar música nueva, no. En estos años nos ha regalado varios directos amén de un estupendo disco de revisiones de clásicos de Blues, Soul y Rhythm & Blues denominado "The Royal Sessions" en el que el vocalista recupera algunas de las canciones que más le marcaron en sus inicios. Por otro lado nuestro admirado Rodgers sacó al mercado en 2008 el fantástico e infravalorado "The Cosmos Rocks", fruto de la unión con Brian May y Roger Taylor bajo el apelativo Queen + Paul Rodgers. Esta nueva reunión de Queen con Paul como cantante levantó innumerables ampollas entre los fanáticos seguidores del añorado Freddie Mercury. Que Paul Rodgers canta como los ángeles, que es uno de los tipos con más gusto, clase y talento al micro que ha dado esto de la música y que le daba a las míticas canciones de Queen un toque exquisito resulta tan obvio que cualquiera que tenga sus dos orejas conectadas al cerebro y al corazón puede comprobar en cuanto abre la boca para interpretar la primera canción que escuches. No obstante esto es algo imposible de digerir y mucho menos reconocer para los miles de fans talibanes de Mercury repartidos por el globo. Es otro de los ejemplos claros de peña intransigente y mitómana con la música que pulula por estos mundos de Dios convencidos en lo más profundo de su interior de que nadie más puede cantar los temas de Queen. En fin. No me detendré mucho en justificarlo ya que este mismo tema se trató en estas páginas y con Rodgers como protagonista, se puede leer aquí.

"Living it up" es una canción que recuerda ese buen Blues Rock que lleva Paul practicando desde finales de los años sesenta. Es muy de agradecer que nos presente un adelanto con su sello clásico de calidad y estilo. Free/Bad Company por todos los poros de la canción. El disco está producido por Bob Rock y Cynthia Rodgers, mujer del propio Paul. El siguiente adelanto está anunciado para finales de Julio y el disco completo estará en las tiendas el próximo veintidós de Septiembre. Nos cuenta Rodgers una anécdota curiosa sobre la portada de dicho álbum. Por lo visto surgió como un regalo por el cincuenta aniversario de su mujer Cynthia. Paul le preguntó a Cynthia qué regalo quería y al final acabó pintándole un cuadro que por lo visto ha servido para la portada de este nuevo disco. Con ustedes el vocalista que siempre quiso Ritchie Blackmore para su grupo y que estuvo a punto de materializarse en un par de veces, pero ambas sin éxito. 

Freddie King: "Ain't Nobody's Business". Live 72.

El único e irrepetible King dentro del apartado de músicos para este humilde servidor. Sé que hay grandes guitarristas apodados King con sus discos circulando por el mundo y arrastrando a millones de seguidores, seguro que bien ganado se lo tienen y algunos de sus discos habitan en mis estanterías, pero para este plumilla el King que manda no es otro que Freddie King. Una carrera muy corta, tan solo nos acompañó durante esos escasos cuarenta y dos años que llegó a cumplir, pero su impronta, estilo, fuerza, poder y esa manera de cantar y tocar la guitarra acompañará sin duda a todo aquel que le abra su oreja y sienta algo por el Rock' n' Roll.

No se me ocurre mejor manera de pasar una tórrida noche de verano que pinchar en el reproductor, analógico o virtual que poseas, cualquier disco de este ilustre músico mientras lo acompañas con tu bebida fría preferida. Sirva de pequeño ejemplo ilustrativo este "Ain't nobody's business" que nuestro hombre se marcó en directo hace la friolera de cincuenta años. Apuro mi orujo de café helado mientras Freddie demuestra por qué es el rey.