Encuentros HUSH.
Este es un sitio musical, no nos engañemos, pero en el que nos vamos a acercar a la música que nos gusta desde distintos ángulos, cual prisma. Como ya dijo el añorado Jon Lord: la música es la forma de arte más elevada que existe; afirmación que, pese a disfrutar de otras manifestaciones artísticas, sostengo plenamente.
Clube de Adictos a Deep Purple
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Púrpura Chess
This blog is basically a musical site. Here we talk about the music we like, using different angles. As dear and missed Jon Lord once said: “Music is the highest kind of Art that exists”. I think the same way too.
Parece increíble que apenas haya aparecido por estas páginas este pedazo de grupo, pero así son las cosas; hay cientos de bandas y artistas que vuelven loco a este humilde escriba y que, por un motivo u otro a cuál más peregrino, tardan en recibir su merecido protagonismo en este pequeño reducto musical. Saltaron a la luz a finales de los añorados años ochenta y lo tenían todo para triunfar: actitud, talento, imagen y sobre todo... grandes canciones, por supuesto. Su trilogía de discos: "Skid Row", "Slave To The Grind" y "Subhuman Race" es simplemente perfecta; aderezada con un mini lp de versiones salvajes titulado "B-Side Ourselves" y el mini directo "Subhuman Beings On Tour". Tres discazos pletóricos de calidad e himnos, portadores de un sonido característico y diferentes a la vez; a ver quién cojones es capaz de hacer eso. La formación comandada por el bajista Raquel Bolan, los guitarras Dave "Snake" Sabo y Scotti Hill, junto con el batería Rob Affuso decidieron probar un buen día de 1987 al vocalista Sebastian Bach y de pronto dieron con la maquinaria perfecta. Fueron descubiertos por Jon Bon Jovi, aunque pronto se enemistaron con él; eran demasiado macarras, jóvenes y deliciosamente irresponsables para mantener las formas. Vamos, lo que uno espera de un combo de Hard Rock a la vieja usanza. Su principal diferencia es que fueron capaces de crear un ramillete de canciones de esas imperecederas y que se han grabado en el subconsciente colectivo tanto de las generaciones que crecieron con ellos como de las posteriores. Decidme por favor cuantos grupos tienen en su discografía cosas como "18 & life", "Youth gone wild", "I remember you", "Monkey business", "Slave to the grind", "In a darkened room", "Wasted time", "Beat yourself blind", "Frozen"... y nos podemos pasar así un buen rato.
Todo se vino al carajo por las tensiones internas, los choques de egos y la incompatibilidad de caracteres. La formación que grabó esos tres discos que hoy en día son clásicos se fragmentó. Echaron al cantante Sebastian Bach en 1996 y no se han vuelto a juntar aunque hayan pasado la friolera de veintiséis años. Parece ser que por parte de Bolan no hay ningún deseo de volver a abrir esa puerta y cuando se ha rumoreado que ha habido algún leve acercamiento los choques se han vuelto a producir. Decía Raquel que incluso en unos primeros acercamientos via email ya vio claro que aquello seguía sin tener recorrido. Nuestro querido Sebas representa el arquetipo de cock rocker de esos años y seguro que no debe la persona más llevadera dentro de cualquier grupo, un tipo de espíritu festivo, acostumbrado a ser el centro de todos los focos y sin ganas de complicarse demasiado la vida con pensamientos profundos. Por otro lado, ¿quién quiere a un triste y anodino empleado de banca o a un yerno relamido liderando una banda de Rock n' Roll?
Aquí dejamos una pequeña muestra de lo que estos tipos eran capaces cuandos e subían a un escenario a principios de los noventa. Se encontraban presentando en directo ese pedazo de misil titulado "Slave To The Grind" y se salían del escenario. Lo que habría dado por estar entre el afortunado público del Sports Club de Orlando aquel ya lejano veinte de Enero de mil novecientos noventa y dos. Y para todo el que en su día criticó la voz de Sebastian, no tiene más que pegarle una escucha al tema que protagoniza este artículo. Recuerdo que actuó ronco en el Festival de la Paz de Moscú de 1989 y su retransmisión por televisión de la época hizo que mucha gente que solo le había escuchado en vivo esa vez dijese que no era capaz de trasladar su majestuosa voz al directo. Menuda gilipollez. Para toda esa gente recomiendo esta impresionante versión en vivo de "Quicksand Jesus". Piratón, pero con buen sonido; los que estén familiarizados con el universo de los bootlegs sabrán a lo que me refiero. Este tema me tuvo obsesionado durante mucho tiempo allá por el 92, una auténtica obra maestra que encima resulta que ha quedado como fondo de catálogo de este grupo. Y además la letra es una obra de arte.
A maze of tangled grace
The symptoms of for real are crumbling from embrace
But still we chase the shadows of belief
And new religion clouds our vision of the roots
Are we ashamed of our own fate?
Or play the fool for our own sake?
Tell me who's behind the rain
What de we need?
Where do we go?
When we get where we don't know
Why should we doubt the virgin white of fallen snow?
Una
sección de nuestro colaborador Paul Martín Simón.
“Rock’
n Ríos 1967. Miguel Ríos y el Rock rural”.
No hace mucho Miguel Ríos
celebró en concierto los cuarenta años de la grabación del mítico “Rock’n’Ríos”. El álbum no solo marcó
un hito como disco en directo, sino que dio pie a una de las mejores giras
organizadas hasta ese momento en nuestro país por un artista nacional. Poco
después repitió la experiencia con la exitosa gira “Rock de Una Noche de Verano” junto a Luz Casal y Leño.
Miguel fue un pionero
en la organización de conciertos en nuestro país con “Los Conciertos de Rock Y Amor” en el lejano 1972, pero en aquellos
años las cosas no eran fáciles para un músico de gira. Los artistas recorrían
la Piel de Toro de norte a sur sin un
recorrido lógico entre actuaciones, haciendo miles de kilómetros de carretera,
con resultado de fatales accidentes como los que se llevaron las vidas de Nino Bravo o Cecilia entre otros.
Hacia 1967 Miguel no pasaba
por un buen momento en su carrera. Como recuerda en su autobiografía, en cierta
ocasión fue contratado para tocar en un perdido pueblo manchego de los de boina calada hasta las cejas. El
presupuesto era tan escaso que Miguel
no podía pagar a sus músicos y accedía a tocar con la banda local formada por
batería, bajo, trompeta, saxofón y acordeón.
Merecen ser reconocidos aquellos músicos no profesionales que
dedicaban su tiempo libre a animar festejos, bodorrios y espectáculos taurinos por los pueblos de España. No
sabemos cómo sonaría el repertorio de Miguel
con semejante formación –sin guitarras ni teclados-. Miguel la recuerda como la peor actuación de su carrera. Tal vez no
podría aplicar aquella frase que aparece en los créditos del “Rock’n’Ríos”: Lo hicieron porque no sabían que era imposible.
Jeff Beck y Johnny Depp acaban de anunciar el lanzamiento de un nuevo álbum conjunto. Bajo el título de "18" recopilan un puñado de versiones junto con un par de composiciones de Johnny Depp. Parece ser que a Jeff Beck le llamaron poderosamente la atención algunas de las cosas que tenía compuestas Depp y juntos se han lanzando a la aventura de darle forma musical junto a versiones de temas tan interesantes, variopintos y nada predecibles como "What's going on" de Marvin Gaye, "Stars" de Janis Joplin, "Midnignt walker" de Davy Spillane, "Time" de Dennis Wilson o "Don't talk" y "Caroline, no" de los Beach Boys; Dios, qué ganas tengo de que llegue a mis oídos este último corte creación de la mente privilegiada de Brian Wilson bajo la peculiar visión y elegancia de Jeff Beck.
El título del disco es "18" porque según cuentan Beck y Depp, ambos se sintieron como chavales de dieciocho años cuando se pusieron a trabajar en este proyecto. Por lo visto ambos se conocen desde 2016 y enseguida conectaron por su pasión compartida por la música, los coches y seguro que otras cuestiones igual de profundas. Fue el propio Jeff Beck el que se interesó por las composiciones de Johnny Depp y le propuso hacer algo conjunto. finalmente hace unos tres años se puesieron manos a la obra. Imagino que la maldita pandemia hizo que se demoraran los planes iniciales. Por otro lado supongo que todo el ruido mediático y la mierda de morbo provocado por airear las miserias públicas en el juicio entre Depp y la fuera su pareja Amber Heard también influyó en el restraso final. Ahora que el juicio que todo el mundo ha seguido sobre esta pareja y del que por supuesto todo el mundo tiene clarísimo lo que pasó y quién es el culpable ya hizo pública su sentencia por fin Depp y Beck se ven libres de anunciar su nuevo proyecto.
Hedy Lamarr.
Que a Johnny Depp le gusta el Hard Rock es algo que no esconde ni él mismo. Cualquiera que haya tocado con gente como Joe Perry o Alice Cooper seguro que sabe algo de todo este asunto. Os dejamos con el single de adelanto. Una canción dedicada a la maravillosa actriz e inventora Hedy Lamarr, homenaje de tal vez uno de los pocos tipos que en la actualidad es capaz de interpretar frente a una cámara sin hacer el ridículo y con verdadero talento. Un tema lento, triste y épico. Una guitarra solista de Jeff Beck que sigue siendo de otro planeta, a años luz de casi todo el resto. El próximo quince de Julio el resto.
Gary Moore falleció un triste 6 de Febrero de 2011. Tan solo trece días más tarde Europe, de la mano de John Norum, decidió hacerle un merecido homenaje interpretando el universal clásico instrumental titulado "The loner" y popularizado por el propio Gary Moore en su disco "Wild Frontier". Conviene recordar que el original apareció en el disco "Over The Top" de Cozy Powell allá por 1979 y estaba dedicado a Jeff Beck. El 19 de Febrero de 2011 los Europe se subieron al escenario de la sala Shepherd's Bush Empire en pleno corazón londinense para registrar en vivo esta versión tan especial del clásico atemporal que John Norum se sacó de la manga.
Que Gary Moore es uno de los ídolos y las principales influencias de John Norum es algo que no se preocupa por esconder ni el mismo Norum; normal, siendo tan bueno has debido aprender de los más grandes y eso se nota en cuanto le escuchas tanto tocar como crear música. Incluso el disco en solitario del propio John titulado "Another Destination" y publicado en 1995 está dedicado al genio irlandés de las seis cuerdas. Con semejante cumplido ya queda bastante claro el asunto de por sí.
Pese a no ser composición suya, "The loner" ha quedado como una de las muestras más desbordantes del talento, el gusto y la clase de Gary Moore a la guitarra solista. En el año de su fatídica muerte muchos guitarristas de todo el mundo interpretaron en algunos de sus directos una versión de dicha canción; con mejor y peor fortuna, por supuesto. En algunos shows pude escuchar a algún que otro guitarrista de esos reconocidísimos rendir merecido homenaje al maestro Gary ejecutando dicho solo... en algunos casos de una manera bastante desafortunada, por cierto. Pero esto es marginal.
Lo que es cierto es que de todas las versiones que he escuchado homenajeando a Moore -y han sido unas cuantas, os lo puedo asegurar- la mejor y con sobrada diferencia es la que aquí ejecuta nuestro admirado John Norum. Empuñando el modelo de Gibson Les Paul que el propio Gary tuvo la suerte de comprar a Peter Green -parece ser que el propio Green insistió en que un honrado Gary se quedase en propiedad su querido instrumento; otro día contamos la interesantísima historia completa- Norum se marca una interpretación que te pone la carne de gallina y hace que broten lágrimas de tus ojos mientras la escuchas. Todo ahí es correcto: la interpretación, cadencia, tempo, técnica, manejo de la intensidad... Si jamás has escuchado a John Norum y te ponen esta pieza, ves claro que sentía algo especial por la canción de Gary Moore. Para todos esos guitarristas come escalas que se creen algo y no salen del asunto de saber pulsar mucho y rápido pero solo eso; y para todos los amantes de la guitarra tocada con talento, técnica y pasión. Con todos ustedes: Mr John Norum.
La evocación de este mes la protagoniza el combo valenciano Sable. Los de Mislata son un claro
ejemplo de grupo Heavyochentero que tenía ese sonido tan
característico de la época y con unos himnos que plasmaban ese espíritu rebelde
de los heavys de entonces consiguiendo emocionar y conectar con ellos;
pero que por unas cosas o por otras o no dieron un salto nítido a los primeros
niveles del Heavy patrio o no
pudieron mantenerse ahí. Una pena, sí, que no pudieran conseguirlo.
Pero vayamos a los orígenes de la formación. Sable se creó allá por 1982 en la localidad levantina de Mislata, cuna
también de los formidables Zarpa. El
grupo estaba formado por Rafael Játiva
a la guitarra y voces, Víctor Sáez
en la batería, Joaquín Mingorance al
bajo y José Luis Carrasco ‘El Chino’
a cago de la guitarra rítmica y voz. Los primeros tiempos de la banda se
caracterizaron por un duro trabajo en el local de ensayo y por múltiples
conciertos en su zona. A los cuatro años, en 1986, Sable decidió pisar los estudios musicales Sonoestudi y autoproducirse un sencillo con dos temas: ‘Amigos Rockeros’ y ‘Largo Camino’, que salió bajo el sello
Citra. También ese 1986 el grupo
quedó finalista en el Concurso Pop-Rock
de ese año de la Comunidad valenciana, lo que les permitió incluir su canción ‘Largo camino’ en el vinilo
conmemorativo de dicho evento.
Pero es a partir del año siguiente, 1987, cuando el combo vivió sus
mayores momentos de gloria. La compañía valenciana Sono-disc les editó un mini lp de cinco temas titulado ‘Símbolos De Rebelión’. Un buen trabajo
en el que se reflejaban claramente sus influencias del Heavy setentero y de los primeros ochenta. Destaca la magnífica ‘Símbolos’, todo un canto generacional
repleto de fuerza, de verdad y que con los años ha mantenido su carácter
emotivo y evocador de aquella realidad. El vinilo estuvo producido por Felipe de la Cruz, Manuel Grau y el
propio grupo; además, contó con la colaboración de Vicente Feijoo de Zarpa
y del teclista Gustavo Cobo.
Este trabajo tuvo una importante aceptación y les llevó a aparecer en
diversas ocasiones en la prensa musical de la época, incluso alcanzando el
noveno puesto en la lista de los 20
Duros de 1988 que publicaba la revista Heavy
Rock. Además, la banda también tuvo su momento televisivo, ya que actuó en
el programa de TVE A Tope
interpretando su emblemática ‘Símbolos’.
Pero no quedó ahí la cosa, Sable
estaba viviendo su momento más álgido y fueron elegidos, junto a los teutones Bonfire, para telonear a Judas Priest en el Rockódromo de la Casa de Campo de Madrid durante las fiestas de San Isidro de aquel 1988.
Podía haber sido el momento indicado para que Sable sacase su primer larga duración que les afianzase. No fue así
y la banda empezó poco a poco la cuesta abajo. Ya en la década de los noventa
el grupo vivió cambios en su line-up:
el bajista Pedro López sustituyó a J. Mingorance y el batería Pedro Hernández hizo lo propio con V. Sáez, pero en seguida fue relevado
por Bienvenido Godoy. En estos años,
Sable intentó dar un salto hacia
adelante y publicó una maqueta en 1992, que se vio completada por otra demo que
apareció en 1993. Lamentablemente, el grupo no volvió a registrar nada más, sin
embargo aquello les permitió continuar hasta 1996.
Tras su disolución, la banda ha regresado puntualmente en varias
ocasiones. La primera en 1999. Después, en 2008, volvieron a subirse a un
escenario para participar en el Festur
-Festival Pop-Rock del Turia-,
celebrado en la sala Matisse de
Valencia junto a otras bandas de la época, muchas de ellas extintas. Además, Sable tornó a los escenarios el 11 de
febrero de 2022 para presentar en directo ‘Símbolos
De Rebelión 1986-1993’. Hablamos de un doble cd de cuidadosa edición que
bajo los sellos Gadir Records y Héroes de Culto Records recupera y
reivindica la trayectoria de un combo que seguramente reunía los mimbres
necesarios para haber protagonizado un devenir más exitoso. Se incluyen, a
parte de los cinco temas de aquel ‘Símbolos
De Rebelión’, tres canciones de la demo de 1992 y los seis cortes incluidos
en la maqueta de 1993. Además, también aparecen los dos temas del sencillo de
1986.
Después de Sable, Rafael Játiva
y José Luis Carrasco continuaron con
su carrera musical. El primero, tras participar en diferentes proyectos, entró
a formar parte de Zarpa. Mientras que
José Luis estuvo en Al-Andalus Rock y posteriormente en Evánora.
“Cuando escuché a Bonham decidí que quería tocar la batería.
Nadie ha hecho nunca sonar un bombo de 26 pulgadas como lo hacía él.”
“Siempre que me he metido en un grupo he intentado estar al cien por
cien y darlo todo.”
“En Niagara además de compañeros de grupo acabamos siendo
grandes amigos hasta día de hoy. Por eso siempre digo que ha sido la banda que
más he querido, no digo que fuera la mejor ni desmerezco a las otras. Éramos
cinco tíos que de verdad se creyeron que había que luchar por ese objetivo a
muerte.”
“Los grandes grupos todavía sacan música en formato físico ya
que tienen asegurados beneficios con las copias que venden entre sus
seguidores. Ahora bien, si hablamos de todos nosotros, que estamos a otro nivel
en este mundillo dentro del Rock en España, me parece absurdo.”
“La sociedad actual está muerta, se ha dormido en todos los sectores.
La música de nuestra generación está muerta. Estamos sobreviviendo unos cuantos
nostálgicos de lo que hemos vivido. Aquella rebelión que provocó en la juventud
el Rock de los años sesenta y setenta se ha perdido.”
“Jose LuísJiménez y Lele Laina son dos músicos
grandísimos y encima tengo la suerte de haber trabajado con ellos y llamarlos
mis amigos.”
“Normalmente las ideas salen en el local a partir de algo que trae el
guitarra, el teclista o el cantante. En el caso de “Con La Ayuda De Nuestros
Amigos” lo que primero se compuso fueron las bases de batería. Ha sido todo
improvisado y al revés: primero las bases.”
“Soy de los de comprar en tiendas de discos de las de toda la vida, no
en tiendas virtuales, y es que ya casi no queda ninguna. Ni siquiera puedes
encontrar la mayoría de las cosas que nos puedan interesar, tienes que ir a
tiendas especializadas, todo el que compra nuestra música lo
sabe.”
“Equiparo los grupos de
versiones actuales con las orquestas de antaño. Vas a un garito y pides
escuchar las canciones que conoces de siempre y que te gustan.”
Os presentamos la conversación que tuvimos la suerte de disfrutar con José
Martos, un músico que ha puesto sus baquetas al servicio de la flor y nata
del Hard Rock español. Uno de esos músicos que ha vivido mil historias y
que puede presumir sin estridencias de haber tocado prácticamente con los más
grandes de por aquí. Justo antes de la pandemia publicó su libro autobiográfico
“Unas Baquetas Contarán Mi Historia” y recientemente ha grabado el disco
“Con La Ayuda De Nuestros Amigos” junto a Nano Hervás. De todo
esto y mucho más hemos tenido el placer de charlar con una persona directa,
entrañable, sencilla, que te llega con su honestidad y te genera un buen rollo
como pocos.
- ¿Por qué escribir un libro autobiográfico? ¿En qué momento te
decidiste lanzar a la aventura?
Este libro se empezó a gestar en mi mente precisamente en el barrio en
el que estamos haciendo la entrevista, Aluche. Mis padres vivían aquí.
Hablo de los años 1978 o 1979. Se me ocurrió empezar a escribir mi historia
sentado frente a la máquina de escribir Olivetti, incluso mi madre se
acercaba a la habitación para preguntarme qué estaba haciendo. Desde siempre me
han gustado mucho los detalles de las cosas que me han ido pasado en el terreno
musical y tengo bastante retentiva para recordar todas las diferentes
vicisitudes que he ido viviendo. Aunque el verdadero autor de este libro, el
que le dio forma y lo redactó ha sido Santi Fernández; investigó mucho y
me ayudó a recordar algunos momentos y lagunas.
Por otro lado conocí a Sergio Guillén y a raíz de la
presentación de uno de sus libros me acabó de dar el empujón para lanzarme a
esta historia. Tenía por ahí muchos apuntes y anotaciones que me puse a
recopilar y finalmente, después de todos esos años, decidí escribirlo. Incluso
según iba recopilando me iba acordando de más situaciones reseñables en las que
en un principio no había caído.
- ¿Cómo te has sentido volviendo a cosas del pasado?
La misma sensación que cuando he compuesto una canción. Debo reconocer
que no tengo esa solvencia a la hora de componer música que puedan tener
algunos de los compañeros músicos con los que he tocado, pero la sensación era
la misma que cuando se ponía en marcha el proceso compositivo, creativo. Me
sentía bien, pero cuando tenía que hablar de cosas tristes -a la hora de hablar
de mis padres, que ya no están aquí- pues la nostalgia te invade.
No es lo mismo cuando lo estás escribiendo que cuando lo lees una vez
acabado, una vez terminado lo he vuelto a leer ya como lector. Las sensaciones
no son las mismas. No puedo evitar pensar en que debía haber añadido algunas
cosas más. Pero vaya, que estoy muy satisfecho.
-¿Por qué con Santi Fernández? ¿Fue desde el primer momento la
opción?
Mi idea original era escribirlo yo mismo. No obstante pienso que en la
vida cada uno vale para lo suyo y ante todo yo soy músico, hoy en día parece
que todo el mundo vale para todo y así nos va. Una cosa es poder escribir y
otra muy distinta es saber redactar dando a todo el texto un cuerpo o una
estructura adecuada y que además sea atractiva para el lector.
Santi nunca había escrito un libro como tal, pero es un gran comunicador y
también escribe en la página web The Sentinel como en otros espacios. Me
gusta mucho como escribe, es muy directo y te engancha. Como somos amigos se lo
propuse y aceptó encantado.
-¿Costó buscar editorial que se encargase de publicarlo?
Conté con la ayuda de Julio Castejón, ya que es un buen amigo
mío. Me puso en contacto con la editorial que publicó su libro. Tenía muy claro
que para publicar el libro no quería sufragar los gastos yo mismo, como por
desgracia se lleva tiempo haciendo en las producciones musicales. No me
importaba si me quedaba una menor cantidad de beneficio en los royalties,
pero que la editorial hiciese su trabajo. Santi y yo llegamos a pensar
en autoeditarlo, hoy en día se puede hacer por la plataforma de Amazon,
pero finalmente nos pusimos de acuerdo con la persona de esta editorial y así
se hizo.
La presentación del libro resultó un éxito, asistió mucha gente y de
hecho allí mismo se despacharon muchos ejemplares. Por desgracia rompí la
relación con esta editorial por varias desavenencias y pedí la carta de
libertad. Ahora mismo el libro está descatalogado y los pocos ejemplares que
quedan los vendemos Santi y yo directamente.
-El libro se lee muy bien, ágil y ameno. Aunque a nivel personal no
profundizas todo lo que nos gustaría. ¿Porqué no has abordado esta faceta más en profundidad? ¿Tenías claro separar la vida
musical de la personal?
En realidad cuento más de lo que debería haber contado a título
personal, jaja. He querido tratar todo aquello que me ha llevado al lugar en el
que me encuentro ahora, también esa faceta algo oscura en la que he
profundizado lo justo y necesario ya que no me trae buenos recuerdos. No quise
omitirlo, pero no lo he abordado en profundidad. Tampoco quería desligarme de
ello porque todo ese ambiente chungo y de negatividad fue lo que me llevó en parte
hasta donde he llegado, para bien o para mal.
-Me parece que lo has abordado de manera muy elegante. ¿Qué tal está
resultando la acogida del libro entre el público?
En realidad esto funciona parecido a sacar un disco. Cuando sacas al
mercado algo tiene tirón en un primer momento y luego la cosa va bajando. Como
tampoco tengo contacto con la editorial no te puedo dar datos mucho más
concretos. Sé que la primera tirada que se hizo de trescientos ejemplares
prácticamente se vendió y cuando hicimos el reparto tras dejar la editorial nos
quedamos con algunos ejemplares tanto Santi como yo. De vez en cuando
colgamos en la red fragmentos y todavía hay gente que nos lo sigue pidiendo. No
cabe duda de que si la editorial hubiese realizado una campaña de promoción más
fuerte, que tampoco se implicó demasiado, las ventas habrían sido mayores.
José Martos y Santi Fernández.
-¿Nos puedes concretar qué tipo de desavenencias tuviste con la
editorial?
Pues un poco lo de siempre, o tú mismo apoyas el producto e inviertes
directamente en ello para que la compañía te haga una promoción fuerte o te
quedas con una promoción más bien justa. Pienso que igual a la editorial le
vino un poco grande este proyecto. Era la primera vez que publicaba la
biografía de un músico y no se esperaban la respuesta que tuvo en un primer
momento, tal vez no supieron moverlo de la manera más adecuada. Luego vino la
pandemia y eso afectó a todo y a todos los niveles. El libro se publicó en
Noviembre de 2019 y apenas unos meses después nos metimos en esta locura.
-Vamos a aparcar un momento tu libro para hablar de tu colaboración
con Carlos “Nano” Hervás: “Con La Ayuda De Nuestros Amigos”. ¿Cómo
surgió el proyecto?
La idea fue de Nano. Le conocí a raíz del homenaje de Casablanca
y se ha acabado convirtiendo en uno de mis mejores amigos de los últimos años.
Es una pena que no nos hayamos conocido antes. Es una persona entrañable,
encantadora y un buen bajista también. Me llamó a casa y me lo propuso. Es
cierto que aunque el Rock ya no es lo que era antes, lo cierto es que la
tecnología nos ayuda a hacer cosas que antes eran imposibles de realizar.
Puedas grabar desde tu casa. Eso es lo que nos ha salvado a mí y a muchos
músicos, ya que durante esta pandemia se han podido hacer cosas pese a los
impedimentos lógicos de la situación.
-¿Los temas/bases estaban ya compuestas o se prepararon
específicamente para el disco?
No había nada hecho. Y hemos trabajado totalmente al contrario de lo
que suelen hacer los grupos. Normalmente las ideas salen en el local a partir
de algo que trae el guitarra, el teclista o el cantante. En nuestro caso lo que
primero se compuso fueron las bases de batería. Sin tener nada de nada me
sentaba a la batería en mi casa y me ponía a tocar, a improvisar sin nadie que
me acompañara. Me imaginaba las partes de cada canción y hacía los cortes en
los que podrían ir solos, estribillos, puentes y demás.
Una vez grabado se lo mandaba a Nano para que tocase encima lo que
se le ocurriese. Ninguno tocamos siguiendo a nadie más. Íbamos metiendo cosas,
limando y puliendo las bases rítmicas. Y finalmente a los demás. Ha sido todo
improvisado y al revés: en lugar de acompañar tú al guitarra, primero tocábamos
las bases.
-Tiene mucho mérito que sea el batería solo el que comience a grabar
todos los temas sin más apoyos.
Pues es bastante complicado, lo que pasa es que tengo muy metidas en
la cabeza las distintas partes de los temas y cómo me gusta meterlas. No toco
ningún instrumento, toco algo el bajo, la armónica y nada más. Sin embargo
tengo muy claro dónde va cada parte de la canción, los solos, estrofas,
estribillos y demás. Intentaba tocar la batería marcando muy bien los momentos
para que luego Nano al bajo entendiese por donde quería ir. Todo esto a
base de llamadas, repasando, limando y dedicando tiempo.
-Fue una buena manera de tener la mente ocupada frente a tanta
desgracia e incertidumbre.
Desde luego. Debo decir que al principio no podía ponerme a hacer nada, tenía
en la cabeza mucha tristeza y dolor por lo que estaba pasando.
-Las colaboraciones son formidables. Supongo que se hicieron a
distancia. ¿Qué nos puedes contar de ellas? ¿Hubo gente que quisiera participar
y se quedó fuera? ¿O que declinó vuestra oferta?
Todos dijeron que sí. Todos amigos, de ahí viene el título. Hasta
podíamos haber metido a más gente de haber grabado más canciones.
-Tiene unos arreglos muy trabajados.
Pues está todo sobre una base de improvisación. Si ya tienes unas base
rítmicas hechas, le das espacio al guitarrista para lo que le salga tocar. Por
otro lado también quiero destacar que cada uno de nuestros invitados se ha
dejado la piel y ha puesto toda la carne en el asador a la hora de tocar las
diferentes canciones, aportando sus talentos y peculiaridades. Ha habido mucha
comunicación, Eduardo Pinilla fue el primero que grabó y nos preguntaba
en todo momento si era eso lo que buscábamos; y así todos. Se involucraron y
aportaron sus propios matices.
-Es muy variado. Toca muchos palos: Rock, Blues, Oriental, Jazz,
Rockabilly. ¿Eso se buscaba o surgió?
Salió así. Por ejemplo, el último tema que hicimos fue con Jorge
Flaco Barral, “Sueños de Sherezade”, con un rollo más hindú que no tiene
mucho que ver con el resto del disco. Queríamos que cada guitarrista se
sintiese libre para tocar lo que le viniese de dentro. También tenía claro que
para cada músico invitado quería grabar algo que le viniese más o menos a su
estilo y potenciase su creatividad.
-Entonces cada tema estaba pensado para un músico concreto.
Sí, para cada canción tenía en mente a un determinado guitarrista, no
es que compusiésemos y luego a ver para quién era cada una. Estaba pensado.
-La de Luis Cruz, “Tres amigos y un Blues”, la claváis.
Con todos mis respetos y sin querer faltar a nadie de los que han
colaborado en el disco, Luis me parece uno de los mejores guitarristas
de este país. Tiene un feeling y un rollo muy bonito. Pero claro, todos
me encantan.
-Te quería preguntar por “Play again”, que lleva muchos cambios
dentro de la propia canción.
En esa toca la guitarra Paco Benítez. Curiosamente este fue el
único tema que no compuse con nadie concreto en mente para tocarla, estaba
pensando en un tema de Steely Dan que tiene una base muy parecida. Una
vez acabado le comenté a Nano que
podía ser para Paco Benítez, se la
mandamos y le encantó; de hecho el mismo fue el que le puso el título al tema.
-¿Por qué no tiene edición en formato físico?
Por mi parte lo sacaría, pero Nano es un poco reticente a esta
idea. Me da rabia ya que por un lado se trata de una obra que has creado y que
se queda ahí sin más. Si lo sacas en formato físico tienes el problema de que
no te puedes meter en muchas unidades ya que lo más probable sea que no las
vendas. No deja de ser música instrumental que igual compran fundamentalmente
amigos y conocidos. La idea era haberlo llevado al directo y allí haber puesto
a la venta una tirada de cincuenta o cien copias que creo que se hubieran
vendido. Pero como ahora está todo tan raro no sabemos qué hacer.
-¿Cómo ves el panorama actual de la industria del disco y cd?
Lo tengo muy claro. Los grandes grupos todavía siguen sacando música
en formato físico ya que tienen asegurados beneficios con las copias que venden
entre sus seguidores. Ahora bien, si hablamos de todos nosotros, que estamos a
otro nivel en este mundillo dentro del Rock en España, me parece
absurdo. Lo vas a tener que colgar en Spotify; ojo, que tengo Spotify
y me permite encontrar música que sería muy difícil adquirir de otro modo. Soy
de los de comprar en tiendas de discos de las de toda la vida, no en tiendas
virtuales como Amazon o así, y es que ya casi no queda ninguna. Por otro
lado en estas tiendas virtuales ni siquiera puedes encontrar la mayoría de las
cosas que nos puedan interesar, te tienes que ir a tiendas especializadas y eso
es algo que todo el que compra nuestra música lo sabe. Otra cosa es que Spotify
le deja una mierda de beneficios al artista, que también me molesta bastante,
lo que pasa es que ahora mismo no se puede luchar contra eso.
-Deseamos que acabe
apareciendo el disco en formato físico. Volvemos a tu historia desde el inicio.
Atomiun fue tu primer grupo. ¿Qué recuerdos tienes de esos inicios?
Grupo de barrio. Éramos
cuatro chavales del colegio del barrio y por aquel entonces la música que se
escuchaba era Rock n Roll. Ahora lo que está en boga es otra cosa, por
desgracia. Nosotros queríamos, como todos los chavales que escuchaban música,
tocar la guitarra o ser cantantes. Al principio quería ser cantante, pero
pronto tuve claro que lo mío era la batería.
-¿Teníais repertorio o equipo
en aquellos primeros momentos?
No teníamos equipo, vendíamos
hasta papeletas para intentar comprar una guitarra y yo la batería, pero sin
conseguirlo. Íbamos a ensayar a unos locales que había por aquel entonces en
Atocha, por los que ha pasado seguro cualquier músico de mi generación. Allí
conocí a muchos músicos, conocí a Burning cuando iban pintados, incluso
creo recordar que hasta pasó por allí Jose Carlos Molina cuando estaba
en Fresa. Ensayábamos allí porque no teníamos equipo, alquilábamos el
local por horas como hacían también muchos. Lo llevaba Mariano Gómez,
que era un tipo que te vendía de todo, hasta a su madre si hacía falta, jaja.
-El siguiente paso fue con Eclipse.
Esto ya era más serio. Dos de
los miembros de Atomiun estábamos en el grupo, ya teníamos trabajo y una
cierta solvencia económica que nos permitió meternos a plazos en el equipo.
-¿Ya había repertorio?
Aquí teníamos repertorio
propio. Nos presentamos un par de veces a un concurso de Radio Nacional
que se llamaba La Puerta De La Fama; llegamos hasta la semifinal, pero
no pasó la cosa de ahí
-¿En qué momento sentiste que
había que componer música propia?
En mi caso desde siempre.
Respeto a la gente que hace versiones, pero siempre he querido tocar mi propia
música. Eso no quita que de manera puntual puedas colaborar en algo de
versiones, pero siempre puntual. En los grupos que he estado de manera más
seria siempre ha estado claro que debíamos hacer nuestros propios temas.
-Ahora el asunto de las
versiones está saturado. Este es un fenómeno muy reciente ya que antes apenas
existían bandas de este tipo y los grupos montaban sus propios repertorios.
Equiparo los grupos de
versiones actuales con las orquestas de antaño. Vas a un garito y pides
escuchar las canciones que conoces de siempre y que te gustan.
-Estoy de acuerdo, pero antes
además de escuchar los clásicos de siempre también te preocupabas por
investigar nuevos grupos y ampliar tus conocimientos musicales y eso creo que
ahora se ha perdido.
Cierto. Es que actualmente la
sociedad está muerta, se ha dormido en todos los sectores y en el musical mucho
más. Lo digo así de claro: la música de nuestra generación está muerta. Estamos
sobreviviendo unos cuantos nostálgicos de lo que hemos vivido.
-Y además de mala manera,
hasta casi teniendo que poner dinero de tu bolsillo para tocar.
Es una triste realidad, es
hacia dónde vamos en estos momentos. Te voy a dar un ejemplo de lo que hablo.
Mi padre que en paz descanse era un fanático de la Zarzuela y me llevaba
a verla siempre que podía... y, ojo, que no me disgusta; de hecho Salvador
Domínguez acaba de sacar un álbum dedicado a la Zarzuela entre otras
cosas y ya le he dicho que me encanta. En unas fiestas de Aluche bajé con mi
padre porque había una concurso de Zarzuela en el que interpretaban
entre otras cosas “La Boda De Luis Alonso”, que era una de las favoritas
de mi padre y a mí también me encanta. Mientras disfrutábamos del espectáculo
mi padre me dijo unas palabras que no se me olvidarán en la vida. Me dijo:
“esto es música para viejos, solo estamos aquí gente mayor”. Con el Rock
está pasando lo mismo. No estoy diciendo que se vaya a morir, siguen saliendo
grupos nuevos, lo que pasa es que de nuestra generación solo quedamos los
“viejos” que todavía podemos.
-En mi época de instituto
crecimos con los grupos de Rock del momento, pero había en general un
deseo por conocer, descubrir y profundizar en las raíces de la música que nos
apasionaba. Hoy en día pienso que ese espíritu de profundizar y documentarse se
ha perdido.
Totalmente. Los que lo
seguimos disfrutando estamos ahí, pero esa rebeldía se va perdiendo según pasan
los años. Aquella rebelión que provocó en la juventud el Rock de los
años sesenta y setenta se ha perdido. Como me dijo una vez mi gran amigo Lele
Laina de Topo, que pensaba que demasiado estábamos durando los de
nuestra generación.
-Estoy de acuerdo contigo,
por desgracia no creo que hoy en día sea el Rock duro la música que tenga el pulso de la calle.
Eso se ha perdido. Ahora lo
que está de moda es el Reggeaton y no podemos luchar contra eso.
-Nos vamos ahora con otro
grupo de esos años: Salamandra. ¿Cómo fue tocar en un grupo con Jero
y con Miguel Ángel Collado?
Muy buena gente. Fue muy
efímero. Me pilló en la época en la que estaba en Trafalgar, antes de
que entrase también Miguel Oñate. Por ese entonces Jero y Miguel
Ángel Collado estaban mal con Molina. Jero contactó conmigo
porque quería retomar Salamadra -que ya había formado antes de lo de Ñu-.
Ambos ensayábamos en Tablada, él con Ñu y yo con Trafalgar. A Miguel Ángel Collado le conozco de toda la
vida, puesto que vivíamos en el mismo barrio; de hecho sigo en contacto con él.
Creo recordar que grabamos
una cinta de local, que sonaba bastante bien por cierto. Me parece que fueron
tres temas los que registramos. Y ahí acabó todo, no hubo mucho más. Ellos
volvieron a Ñu y yo seguí con lo mío.
José Martos y Miguel Ángel Collado.
-Entonces me dices que hay
una maqueta grabada de Salamandra. Eso seguro que nos interesa a muchos
de nosotros. ¿Y más demos/maquetas de estos primeros grupos en los que tocaste?
Lo cierto es que poco más.
Tenía una cinta grabada de Eclipse cuando grabamos el programa de radio,
pero la perdí. Era una grabación de cassette que recogía lo que salía
directamente de otro cassette por el que se emitía el programa, pero se
escuchaba medianamente coherente.
Lo de Salamandra
sonaba bastante Heavy. Era sin voz porque en esos escasos cuatro meses
que estuvimos ensayando no había cantante, aunque se habló de que podía ser Miguel
Oñate. Nos fuimos a los locales de Papi, que era donde ensayaba todo Dios por entonces. Lo grabamos en el local con un
cassette de doble pletina que tenía Jero.
-Mantienes el contacto con Miguel Ángel Collado. Sigue
profesionalmente en la música, pero hace tiempo que se ha alejado del Rock
duro.
Lo último que hizo en clave de Rock fue con nuestro último
disco de Atlas. Le pedí el favor de que metiera teclados en dos temas.
Además de hacerlo nos preparó unos arreglos cojonudos en una balada. Acabó
bastante asqueado del mundillo del Hard Rock, Heavy o como quieras
llamarlo. En nuestro país, si quieres vivir de la música, lo tienes difícil con
el Hard Rock; a menos que hayas estado con Barón, Obús, Jose Carlos
Molina y muy pocos más.
-Si tienes en mente hacer algo como lo que has sacado con Nano
Hervás, estaría muy bien llamar a Miguel Ángel Collado.
Pues lo cierto es que estuvimos pensando en hacer una cosa que algo
tenía que ver con esto que me dices. El disco “Con La Ayuda De Mis Amigos”
lo pensamos Nano y yo a raíz de la pandemia. Siempre teniendo claro que
no voy a volver a tocar más y si hago algo va a ser puntual, como lo de Asfalto.
Todo esto lo explico en el libro claramente. No es porque no esté motivado ni
nada de eso, es por mis problemas físicos: tengo hernia discal en la espalda
que arrastro desde hace muchos años y no estoy por la labor de tocar por
garitos, montando y desmontando, cargando y llevando material por apenas veinte
euros. Con todos mis respetos para todo el mundo esa etapa ya la pasé. Es una
cuestión de salud. No es que quiera ser presuntuoso con esta historia en
absoluto, solo soy realista con mi situación. Para cuestiones puntuales en las
que se den unas condiciones mínimas lógicas perfecto, pero solo temas
puntuales. Que no me malinterprete nadie, pero no puedo hacer cosas que me
puedan perjudicar la salud; no puedo ni quiero.
-Es del todo comprensible.
No soy cantante, ni guitarra, ni flautista. Soy batería y todo lo que
conlleva desplazar el equipo, montarlo, desmontarlo y volver es lo que ahora ya
no puedo asumir. Por el rato en sí de la actuación en directo no habría
problema alguno. Me lo paso de puta madre tocando, sea para veinte o veinte mil
personas. El problema es el otro.
Volviendo a tu pregunta. La idea del disco con Nano, además de
invitar a distintos guitarristas, era hacer otro disco con teclistas. La cosa
se quedó ahí, es más complicado. Igual algún día lo hacemos. La idea era llevar
eso a un concierto como evento benéfico, pero es muy complicado. Toda la
logística de montar un evento con los once guitarristas de primer nivel con los
que hemos tenido la suerte de grabar es complicadísima y más ahora que parece
que se empieza a ver la luz de las actuaciones en directo. Todos ellos son buenísimos
y sus agendas están copadas.
-Juntar las agendas de todos debe ser una locura. Igual contando con
algunos menos pudiera salir.
También se ha barajado esa posibilidad. De momento el asunto está ahí,
veremos cómo va la cosa.
-¿Qué recuerdas de esas
actuaciones en las que teloneasteis a David Byron?
Cuando estaba con Carlos
Michelíni en el grupo Autopista.
Fue en la sala Carolina, donde grabaron Leño su mítico directo. David Byron llegó a la sala muy
bebido, se metió una leche buena
allí. Ahora bien, en cuanto salió a escena aquello fue impresionante; nos
resultó increíble que alguien que momentos antes había aparecido en semejantes
condiciones luego se marcase un concierto soberbio. Me pasó algo parecido con Pete
Way cuando vino con UFO a la Canciller II. Estuve allí con Ángel
Arias en la prueba de sonido y contemplamos cómo se bebió un tetrabrick
entero de vino apenas de un trago. Y en cuanto salió al concierto lo bordó, no
parecía la misma persona del ensayo. El show de Byron fue brillante y
además traía a una banda buenísima, con Mel Collins al saxo. David
Byron fue muy amable y campechano con nosotros, aunque notabas que se le
trababa la lengua al hablar, supongo que por el alcohol.
Tritón: A.Arias, M.González, E.Castañeda, J.Martos y J.Mira.
-También estuviste en Tritón.
¿A qué crees que se debe que este grupo no alcanzase mayor repercusión?
Gracias a entrar en Tritón
se me abrieron muchas puertas, así que estoy muy agradecido de haber tocado con
ellos. Independientemente de que Javier Mira no quisiera seguir tirando
del asunto, hay que tener en cuenta que tanto Enrique Castañeda como Ángel
y yo nos fuimos para unirnos al proyecto de Manolo Arias y Tony
Cuevas con Niagara. Maxi, su cantante, también estaba muy quemado y
tampoco quiso seguir tirando con el grupo. Imagino que con todo este panorama Javier
Mira no siguiese adelante con el grupo y, ojo, también le entiendo.
Al cabo de unos años también
estuve en Vudú, otra formación que puso en marcha Mira. Lo que
pasa es que Tritón fue algo especial. Recuerdo que cuando les vi actuar
en el Villa que se hizo en el Rockola el grupo me dejó
impresionado. Estaban Lili a la voz, Ramakhan (DEP) a la batería
y Jose Luís Aragón en el bajo además de Javier y aquello fue
alucinante; eran como unos Led Zeppelin españoles.
-¿No hubo posibilidad de
compaginar Niagara y Tritón?
La oferta que nos venía era
la de involucrarnos a tope. Desde el primer momento se puso sobre la mesa el
deseo de proyección internacional del grupo. Queríamos haber intentado avanzar
en el proceso de grabación del segundo disco de Tritón, pero al final lo tuvimos que dejar.
-¿Estaba el disco compuesto?
Había algunos temas, de hecho
hay alguna maqueta, lo que pasa es que se quedó todo ahí.
-Vamos a Niagara. El
inglés siempre ha sido una lacra aquí en España. Contar con Tony Cuevas
permitía sin embargo cantar en el idioma de Shakespeare sin problemas.
Es que Tony Cuevas
tiene la doble nacionalidad. Tuve mis dudas al principio con la voz de Tony
porque solo le había escuchado en Furia Animal y Bella Bestia en
plan algo más estridente. Sin embargo, en cuanto escuché la maqueta con su voz
natural me impresionó mucho.
-En aquellos años no estaba
bien visto en España cantar en inglés, parece que tenías que demostrar el doble
si no lo hacías en nuestro idioma.
Es cierto. Cosa curiosa, ya
que en los años sesenta practicamente todo el mundo aquí cantaba en inglés;
desde Los Bravos a Los Canarios. No obstante en el entorno Heavy
de esos años no se veía bien.
Niagara: E.Castañeda, T.Cuevas,.A.Arias, J.Martos y M.Arias.
-Alan Miller, mánager de King Kobra, se fijó en vosotros. Os llegaron a ofrecer
ir a EEUU.¿Qué pasó?
No salió porque, aunque
éramos jóvenes y teníamos muchos sueños de salir fuera y demás, también éramos
conscientes de la realidad. Alan Miller nos ofrecía grabar una maqueta e
incluso Carmine Appice nos dejaba su casa para estar un tiempo aquí...
Pero luego ¿qué?
-¿Ninguno en el grupo se
quiso lanzar a la aventura?
No. En Reino Unido sin
embargo estuvo todo más cerca. Lo que pasó con Niagara es que además de
compañeros de grupo acabamos siendo grandes amigos, y así hasta día de hoy. Es
por esto que siempre digo que Niagara ha sido la banda que más he
querido, no digo que fuera la mejor ni desmerezco a las otras. Éramos cinco
tíos que de verdad se creyeron que había que luchar por ese objetivo a muerte.
Cuando nos ofrecieron la
posibilidad de marcharnos a Inglaterra en un principio dijimos adelante. Lo que
pasa es que luego te das cuenta de que allí había un montón de grupos que
tampoco acaban de triunfar. Algunos del grupo habían sido padres y había
cuestiones familiares que hacían pensarlo dos veces. Al final decidimos
quedarnos.
-Y era el grupo entero o
nada.
Sí, eso estaba muy claro; de
otro modo se habría roto. Niagara éramos los cinco juntos a por todas.
Lo de Carmine Appice en América lo
tuvimos claro. Piensa que allí había grandísimas bandas como Van Halen,
Quiet Riot, Dokken, Ratt y muchas más. Nosotros tal vez podíamos haber
caído bien por ser españoles y tal, pero sabíamos que era complicadísimo
despuntar allí. En Reino Unido se daban otras circunstancias, había contratos
en firme y demás, pero al final también lo declinamos. No obstante realizamos
dos giras por allí. Otra cosa es que la oferta que nos ofrecieron tampoco acabó
de cuajar del todo. Lo dejamos pasar y ahí quedó todo.
-¿Qué pasó al volver a España
de la gira? Según cuentas en el libro parece que silenciaron vuestro éxito en
UK.
Eso fue debido al problema
que tuvimos con MC Ediciones, allí estaban Mariskal Romero, Bertha
y mucha gente de la revista Popular 1 entre otros. Como tuvimos una
movida con ellos nos vetaron en sus publicaciones afines, no hablaron de
nosotros ni en la primera ni en la segunda gira. Es muy duro bajar del avión y
que Javier Gálvez (DEP) nos diga en el mismo aeropuerto que lo mejor que
podíamos hacer era volvernos para Londres, ya que aquí parte de la prensa
especializada no nos quería ni ver. Los únicos que hicieron una pequeña reseña
fueron Rafa Basa y Mariano García. Incluso El Pirata, del
que soy muy amigo por otro lado y que además nos vio tocar allí, tampoco habló
de nosotros.
-¿Habéis tenido la posibilidad
de charlar sobre esta historia con los implicados a aro pasado?
Yo sí, sobre todo con Mariskal.
Me llevó muy bien con Vicente Romero. Me dijo que eran momentos
difíciles, en los que cada uno tenía que mantenerse en su postura y ya está. No
me malinterpretes, hoy en día lo veo y tengo buen rollo con él, pero ya está.
No quiero sacar ni hacer leña de algo que ya ha pasado porque no lleva a ningún
sitio.
-El odio solo genera odio.
Hay que tener la cabeza muy bien amueblada para tenerlo claro y saber hasta
dónde llegar.
Por supuesto que si, además
es que es tontería. Tanto Vicente como Bertha saben lo que pasó y
nuestra postura. Hoy en día tengo con ellos una relación cordial, incluso me
invitaron a la presentación de un libro que recientemente ha publicado gente
relacionada con Popular 1. En su día el asunto llegó incluso a un juicio
que perdimos y nos dieron por todos los lados. En ese momento controlaban las
principales publicaciones especializadas y por eso pasó lo que pasó.
Niagara en UK. Foto tomada de la página oficial de Manolo Arias.
-"Now Or Never" y "Backstage Girls" con Niagara. ¿Estás contento con el sonido y producción final de
estos dos discos? ¿Cambiarías algo?
No he quedado contento con el sonido de ninguno de los dos discos, lo
que pasa es que el primero se hizo en las condiciones que se hizo. Para nuestra
primera obra es que tenía muy claro que sonábamos muy bien en vivo y era
necesario publicar algo, casi que nos lo pedían. Con el segundo hubo más tensiones con Carlos de Castro durante
la grabación, sobre todo por parte de Manolo.
-Manolo Arias de hecho ha acabado produciendo un buen número de
discos.
De hecho produjo el último de Atlas. Lo que pasa es que por
aquel entonces no tenía todos los conocimientos a la producción que tiene
ahora. Siempre he dicho que si contase con los recursos adecuados habría
regrabado esos dos discos. Tienen muy buenas composiciones, pero muy mala
producción.
-Tras grabar dejaste al grupo. ¿A qué se debió esto?
Ya en la segunda gira de Reino Unido tenía bastante claro que a la
vuelta lo dejaba. Un poco por lo que hemos comentado antes, palos por todos los
lados y sin posibilidad de avanzar. Creo que esto no lo cuento en el libro, Radio
Futura estaban buscando batería por entonces y tuve una posibilidad; tenían
mucho tirón por entonces. Al final creo que entró Carlos Torero. Yo era
comprador asiduo de Leturiaga; Perico, el dueño, era muy amigo de Santiago
Auserón. El caso es que le habló de mí, pero al final pienso que no salió
porque en esos años los poperos y los metaleros casi que no se
podían ni ver; esas tonterías que hemos tenido aquí. El resultado es que era
muy heavy para el puesto. En fin.
-"Niagara III" ¿Cómosurgió lo de Manzano?
Niagara ha tirado siempre por Manolo. Tanto él como Tony
Cuevas constituían el alma mater del grupo. Su proyecto inicial era
haberlo hecho tipo Zeno: guitarra y cantante que llevaban a otros
músicos de acompañamiento. Manolo es el padre de la criatura. Se puso
primero en contacto con Fernando García, vocalista de Victory,
por mediación de Marcos Sánchez para grabar la sintonía de su programa
de radio. Nos gustó y nos lió. Pasó lo de siempre, Manolo nos presentó
algunas ideas más que tenía y nos liamos la manta a la cabeza. Aparcamos los
malos rollos que hubo alrededor del grupo, insisto en que entre nosotros jamás
hubo problema alguno.
Surgió la posibilidad de
grabar un disco y contactamos con Nick Schulz, que era un cantante
inglés que se vino a Móstoles porque su novia era de allí. Cantaba bien, pero
nos dejó colgados antes de grabar. Se lo propusimos a Manzano y aceptó
encantado.
-Os salió otro gran disco.
Sigo diciendo que “III”
es el mejor disco de Niagara, como producción, sonido y composiciones.
Quiero a los tres discos del grupo por igual, pero alcanzamos la madurez como
grupo en ese álbum.
Niagara con Jose Antonio Manzano.
- Por desgracia no hubo continuidad.
¿Sentías que pasó el tren de Niagara?
Sí, también por entonces
empezaba el Grunge. Lo que pasa es que te puede lo que quieres sacar
adelante y lo intentamos esa tercera vez.
-"Fall Higher" fue un recopilatorio que salió en 2001. ¿Hubo idea de volver a
retomar el grupo?
Esto fue porque Marcos
Sánchez trabajaba por entonces en la compañía Pies Records. El disco
“III” con Manzano estaba descatalogado; no teníamos ninguna
relación ni clausula con Hard Vinyl, que fue la que lo sacó en su día.
Se decidió sacarlo con el añadido de maquetas que había grabado Manolo
con Ignacio Prieto y otras cosas extra que había registradas.
Surgió incluso la posibilidad
de hacer una gira con un promotor polaco que contactó con Marcos.
Llegamos hasta a ensayar con Ignacio el repertorio. Al final el promotor
no cumplió con el adelanto del caché pactado y la cosa quedó en nada.
-¿No se le propuso a Tony
Cuevas cuando surgió esta posibilidad de volver a reflotar el grupo?
El caso es que Tony Cuevas
dejó la música. Nos hemos visto recientemente y mantenemos el contacto. Es un
encanto de tío, pero sus cuestiones de salud son prioritarias.
-¿Se planteó la posibilidad
de reunión en algún momento? ¿Está cerrada la puerta definitivamente, aunque sea algo muy puntual?
Antes de la pandemia hubo una oferta para haber actuado en el Leyendas del Rock de Villena, creo que fue en el año 2019. Marcos Rubio me llamó personalmente para ofrecérmelo. El asunto es que la oferta no me pareció adecuada. Además actualmente Enrique Castañeda hace años que dejó de tocar los teclados, está muy ligado al teatro. Podíamos llamar a Ignacio Prieto para la voz, pero es complicado llamar a Quique después de estar tanto tiempo sin tocar... y meter a otro teclista o a otro cantante ya no es Niagara. Rafa Basa me intentó convencer, pero así no lo veo; nuestra unión era muy fuerte. Hay bandas funcionando por ahí con solo un miembro original, pero no es como lo veo para nosotros.
-Pues es una pena. Contar con Ignacio Prieto según nos cuentas tiene todo el sentido ya que llegó a formar parte del grupo. Incluso se podría invitar a Tony Cuevas para subirse a escena de manera puntual. Pero esta solo es una opinión de fan descerebrado.
Seguro que si llamas a Tony acepta encantado. No es de fan descerebrado, si también entiendo esa postura y tiene todo el sentido. Lo que pasa es que yo lo haría con Quique y él ya se desvinculó. Sé que hay por ahí teclistas que tocan muy bien, pero se rompe ese nexo que teníamos. Si a mi también me apetecería por toda la gente que nos vio en su día y quiere volver a vernos así como por todos los que no nos vieron pero nos conocen. Por otro lado también es mejor dejar las cosas con un bonito recuerdo. Igual por intentar rememorar algo pasado, dejas al final un sabor amargo.
Atlas: J.Martos, M.Arias, I.Prieto y A. Arias.
-Otro de tus grupos fue Atlas. ¿Qué poso te queda de tu paso
por Atlas?
Ahí es donde grabé los mejores trabajos. Niagara estuvo muy
bien, pero con Atlas no hubo suerte. Salió en el peor momento para su
propuesta musical. Si hubiera salido en la época de Niagara estoy seguro
de que habría corrido mejor suerte; de hecho es que se podría decir que era
casi como Niagara pero sin teclados y más actual. Estoy muy orgulloso de
la música que registramos.
-Esto es un Club de Fans
de Deep Purple. Temas de Atlas
como “Unidos” tienen toques a lo Rainbow. ¿Piensas que el grupo
bebió algo en su estilo musical de la saga DP?
Bebimos mucho los cuatro.
Siempre he dicho que mis grupos son Led Zeppelin y Deep Purple.
No es que me guste uno más que otro, es que para mí John Bonham es uno
de mis baterías de siempre, tenía una contundencia brutal. Ian Paice
también me tira mucho con su toque, pero cuando escuché a Bonham decidí
que quería tocar la batería. Nadie ha hecho nunca sonar un bombo de 26 pulgadas
como lo hacía él. Ángel ha mamado más Rainbow, Sabbath y Purple tal vez
y Manolo, como yo, es más de Purple y Zeppelin. Eso se
nota en los discos de Atlas, seguro.
-Estuviste con Barón Rojo, grabando las discos “Arma
Secreta” y ”Ultimasmentes”. Siento debilidad por el primero y me
parece uno de los mejores de su discografía. ¿Qué recuerdas de esa primera vez
que entraste en el grupo en el 97?
Entré por mediación de Ángel, que ya en los últimos coletazos
de Niagara colaboraba con Barón;
lo cierto es que siempre ha tenido muy buena relación con los hermanos de Castro.
Cuando se quedaron sin Ramakhán me llamaron a mí. Conocía a Carlos
por lo de Niagara, pero no a Armando. Siempre digo que de lo más
grande que me ha pasado en la música ha sido conocer y tocar con Barón Rojo
y con Topo. Se me abrieron muchas puertas.
-En el libro comentas que al final las cosas se torcieron entre
vosotros.
Sí. De hecho no me han invitado al concierto para celebrar su
aniversario en WiZink. Tendrías que preguntarle al propio Armando.
Prefiero no meterme en según qué jardines.
-Es cierto que muchos de los músicos que han tocado con ellos no han
salido de la mejor manera del grupo.
Parece ser que es así; menos con Ángel, que tiene buena
relación, y Rafa, su actual batería.
Barón Rojo: A. de Castro, A.Arias, C de Castro y J.Martos.
-¿Qué circunstancias piensas que se tendrían que haber dado para que
hubieses seguido en Barón Rojo?
Soy una persona muy visceral. Reconozco que muchas veces me enciendo y
mando todo a la mierda, aunque luego me arrepienta. En el caso de Barón
tenía muy claro quién era el jefe y tomaba las decisiones, también debo decir
que he trabajado con Topo o Asfalto teniendo muy claro quiénes
eran los jefes y nunca hubo el menor problema. Lo que pasa es que cuando a
nivel personal te involucras con todo en un grupo y no recibes el trato que
consideras adecuado pues te va minando. Te sientes como un peón en cualquier
trabajo, algo despersonalizado. Siempre que me he metido en un grupo he
intentado estar al cien por cien y darlo todo.
-No quiero dejar de hablar de Topo, que es otra de mis
debilidades. El binomio Asfalto/Topo siempre ha ido muy ligado.
Quiero a Julio Castejón un montón, que no se me malinterprete,
pero con Jose Luís Jiménez y con Lele Laina tengo un sentimiento
especial. Mira que no he estado mucho tiempo con ellos, pero es que son dos personas
maravillosas y ha sido un placer trabajar con ellos. Con Julio igual. Jose
Luís y Lele son dos músicos grandísimos y encima tengo la suerte de
haber trabajado con ellos y llamarlos mis amigos.
Topo: J.Martos, L.Cruz, JL.Jiménez y L.Laina.
-¿Hay algún proyecto relacionado con la música que tengas ahora mismo
en mente o como idea?
Pues la verdad es que no. La palabra exacta sería que estoy retirado.
No es por falta de ganas, como he dicho antes es que no me encuentro nada
motivado. Primero por mi estado de salud, que me impide trabajar en según qué
condiciones; respeto a los grupos de hoy en día que quieren liarse la manta a
la cabeza para actuar en directo casi por diversión, pero ahora mismo me
encuentro en otra tesitura. Mi historia siempre ha sido la de volcarme con
proyectos musicales apoyados por música propia y echar toda la carne en el
asador con ellos para tirar adelante.
-Esperamos que pueda surgir la posibilidad de hacer algo aunque sea
muy puntual y específico.
En ese caso seguro que sí, tratándose de algo que surja puntual y que
se requiera de mi colaboración no dudes que allí estaré.
-Una última pregunta. Me gustaría que me dijeses lo primero que se
pase por la cabeza sobre estos músicos:
John Bonham: Dios.
Carl Palmer: Un maestro.
Marco Minneman: Un grandísimo baterista, aunque no le sigo tanto.
Ritchie Blackmore: Un genio después de Hendrix.
Cozy Powell: Un revulsivo en el Rock.
Ron Bushy: El primer baterista que escuché cuando era muy
jovencito. Su solo de batería creo que marcó a cualquier batería de mi
generación.
Ian Paice: Lo quiero mucho, sigue tocando con el mismo feeling
que cuando empezó y mantiene un nivel impresionante.
-No le conozco personálmente, pero debe ser una persona bastante natural y clara.
No le conozco, pero aparenta ser una persona de buen rollo. Ritchie
Blackmore aparenta todo lo contrario. Curiosamente hablé en su momento con Ronnie
Romero y me comentó que no percibió nada de eso con Ritchie, que le
trataba muy bien y todo cordial. Imagino que eso será ahora que ya tiene
pasados los setenta y seguro que ve las cosas de otro modo. Ahora, que entiendo
en parte la fama de arisco que tiene Ritchie Blackmore; es un genio y
todos los genios tienen mala leche, algo que les hace distintos de los
demás. Son rebeldes, pero al mismo tiempo si trabajas con ellos acaban sacando
lo mejor de tí. Mira que Blackmore se ha portado con la mayoría de sus
músicos de aquella manera, pero ninguno habla mal de él.
-Todos le agradecen la oportunidad de tocar a su lado y darse a
conocer.
Claro. Es que es Blackmore, un genio. Para mí al menos lo es. Y
mira que soy fanático de Zeppelin, pero Ritchie Blackmore fue el
puto amo, un genio.
-Ha sido todo un placer tener la oportunidad de charlar contigo. Ojalá
tu disco con Nano Hervás salga de manera física en algún momento. En
cuanto al libro nos comentaste que, pese a estar descatalogado, todavía tienes
algunos ejemplares por si alguien está interesado en adquirirlo.
El placer ha sido mío. El disco con Nano Hervás queremos
intentar publicarlo en formato físico y en cuanto al libro, aunque esté
descatalogado, a Santi y a mí nos siguen quedando algunas copias; si
alguien está interesado, puede contactar con cualquiera de nosotros.
-Si quieres decirnos alguna cosa más para despedir la entrevista.
Encantado de charlar contigo, que me hayáis llamado para
entrevistarme, que todavía haya gente que me quiera escuchar, que siga habiendo
gente que todavía siga apoyando la música Rock y que sigáis siendo
adictos de una de las más grandes bandas que ha habido y que le queden muchos
años: Deep Purple.
Si alguien está interesado en adquirir el libro de José Martos, puede dirigirse a estas direcciones:
José Martos facebook:https://www.facebook.com/jose.martosarellano
