LA CULTURA EN EL ROCK.

Una sección de nuestro colaborador Thomas Anderson.

Gary Moore y el mito irlandés: La leyenda de Cuchulainn.

En 1987 el guitarrista norirlandés Gary Moore da vida a uno de sus más celebrados álbumes y el más exitoso a nivel de ventas hasta aquel momento: Wild Frontier llevaba por nombre. Dejando un tanto de lado su anterior sonido más potente, el disco pone de manifiesto en algunos de sus surcos la influencia celta del músico nacido en Belfast. La melodía principal del primer single, Over The Hills And Far Away, por ejemplo, la dulcísima balada Johnny Boy y sobre todo el tema en que se centra hoy nuestro artículo: Thunder Rising, una maravilla sónica cuya letra nos relata el momento cumbre de la vida de Cuchulainn, el guerrero berserker protagonista primordial de la mitología céltica de origen irlandés: la Batalla de los Bueyes de Cualinge.

El tema nos habla de manera somera del momento en que el guerrero regresa de la contienda, con las cabezas de sus enemigos por trofeo. Los Berserkers eran luchadores que en determinado momento la rabia y la tensión provocadas por la guerra les convertía en algo parecido a bestias inhumanas que eran capaces de sembrar la muerte y el dolor a su paso sin apenas despeinarse. Algo del estilo de El Increible Hulk pero a la antigua.

                                                                 Cuchulainn.

Parece ser que el joven Cuchulainn se hallaba demasiado distraído con los parabienes sexuales que una hermosa doncella le regalaba como para seguir vigilando las fronteras de su reino, el Ulster, como era su deber. De esta manera, Maeb, la líder del reino adyacente, aprovecha para adentrarse con sus ejércitos con el fin de invadir las tierras del guerrero protagonista y robar un toro semental con el que, por otras razones que ahora no vienen al caso, quería competir con su propia hermana. La cuestión es que esta situación desencadena una serie de conflictos que terminan con un Cuchulainn destrozando a todo bicho viviente que sale a su paso.

                                            

Fijaos cómo se describe la transformación del Berserker:

Se apoderó de Cú Chulainn un espasmo que hizo que su cuerpo se combara, pareciendo un ser monstruoso, horrible e informe sin igual. Sus piernas y articulaciones, todos sus nudillos y órganos, de la cabeza a los pies, se agitaban como un árbol en plena inundación o un junco a merced de la corriente. Su cuerpo se revolvió violentamente dentro de su propia piel de tal forma que sus pies y espinillas se dieron la vuelta hacia atrás, y los talones y las pantorrillas, hacia adelante. En su cabeza los nervios se alargaron hasta la nuca, cada uno de ellos cuan poderoso, inmenso y desmedido pomo, del tamaño de la cabeza de un niño con un mes de vida. Uno de sus ojos se hundía hasta tal punto en su cráneo que una grulla salvaje lo perdería de vista a la altura de la mejilla de tan hundido en las profundidades del cráneo que se hallaba, y el otro ojo le colgaba a la altura de la mejilla. Su boca retorcida de forma extraña y las mejillas estiradas hacia atrás dejaban la mandíbula descarnada hasta dejar a la vista sus entrañas, sus pulmones y su hígado ondeaban en su boca y en su garganta, su mandíbula inferior le dio un golpe tal a la superior como para matar a un león, y escupía por la boca grandes cantidades de saliva que parecían copos centelleantes de lana de cabra, procedentes de la garganta. El pelo de su cabeza se retorcía como las ramas de un espino, atascado en un hoyo; si los frutos de un manzano cayeran encima suyo, apenas llegaría al suelo manzana alguna, quedando clavadas en vez en las cerdas de su cabello tieso, de la rabia, sobre el cuero cabelludo.

Extracto traducido al español por la traductora Bárbara M. Servert y de Castellví, de la obra de Thomas Kinsella (traductor del irlandés al inglés) The Táin, Oxford University Press, 1969, pp. 150-153

  

Seguro que si el tema atrae vuestro interés seréis capaces de encontrar información más detallada acerca de Cuchulainn y toda la mitología irlandesa. Lo que realmente quería destacar es el hecho de que un rockero de pro como lo era nuestro querido y admirado Moore tuviera la gran idea de utilizar su música para dar a conocer y extender la cultura de su país fuera de sus fronteras.

Y lo consigue, vaya si lo consigue.

Aquí os dejo la letra y el video de la canción interpretada en directo en Estocolmo en 1987. Espero que los disfrutéis.

Trueno creciente.

Todos se asomaron a observar desde la fortaleza en la colina.
Era un guerrero solitario que regresaba de la batalla.
Los botines de guerra colgaban de las crines de su caballo:
las sangrientas cabezas de los enemigos a los que acababa de matar.

Vieron su cara, su mirada sombría,
solo podía tratarse del joven Cuchulainn.

Trueno creciente, trueno creciente,
el trueno creciente desde temprano en la mañana.
Ciudades en llamas,
el mundo sigue girando
el trueno creciente desde temprano en la mañana.

El hijo de Lugh MacEithleen no conocía el miedo,
de un solo golpe dejaba al enemigo cerca de su final.
Muchos trataban de burlarse de este Hijo Celta.
Se burlaban y se burlaban de él hasta que
él les dio muerte uno por uno.

Así acabaron, así cayeron
en las manos del joven Cuchulainn.

Trueno creciente, trueno creciente,
el trueno creciente desde temprano en la mañana.
Ciudades en llamas,
el mundo sigue girando
el trueno creciente desde temprano en la mañana.

Hace mucho tiempo, la leyenda lo cuenta,
cómo los hombres poderosos del Ulster
batallaron contra el rey de Connacht,
luchando hasta la muerte.
Nadie supo qué absurda
razón dio lugar a esta escaramuza.
¿Fue cuestión de traición
o tan solo las amenazas vanas de unos cuantos borrachos?

Entrevista a Uli Jon Roth: Sky Of Avalon, Transcendental Sky Guitar, Sky Academy. III.

“Debo decir que lo que más me gusta personalmente es componer y tocar música para Orquesta en un estilo completamente libre que me gusta denominar Rock y Sinfonía trabajado con una gran orquesta, pero también incluyendo cantantes de Rock y de Lírica; una mezcla de todos estos elementos”.

“Nunca me he considerado un guitarra de Rock, aunque sospecho que lo soy. Es algo que no he visto nunca especialmente interesante, prefiero liberarme de esas ataduras. Lo llamo usar distintos lenguajes musicales”.

“Con la música sinfónica puedo desarrollar mi propio lenguaje. En mis Symphonic Legends pretendo utilizar una diferente gama de colores para expresarme musicalmente. Es como aprender diferentes idiomas, pero en términos musicales.”.

“Intento crear un nuevo mundo y concepto bajo mi propia música. Tan pronto como empecé a escribir música sinfónica combinando Sinfonía, Concierto, Oratorio, Ópera y guitarra de Rock de la manera más orgánica y natural posible, me empezaron a surgir nuevos conceptos más amplios”.

“Es la manera en la que concibo el mundo, muy cercano al borde del abismo en más de un sentido en estos días. No está claro, pero creo que acabaremos sobreviviendo como especie porque soy algo optimista. Aunque podríamos estropearlo todo debido a nuestra innata falta de sabiduría; lo que viene a ser estupidez”.

“Ahora estamos [la Humanidad] en un estado de pubertad en el que tenemos un montón de posibilidades y poderes, mucha inteligencia artificial, pero en el apartado de sabiduría y sabiduría espiritual o superior –aspectos como la empatía o la metafísica– vamos algo cortos. Esto es preocupante”.

“Nunca me había acercado realmente a un concierto de violín genuino con la guitarra eléctrica. Decidí interpretar el más famoso de ellos [“Las Cuatro Estaciones”] adaptado a la Sky Guitar. No es un violín como tal, pero tampoco es una guitarra normal”.

“Pienso que traté “Las Cuatro Estaciones” con suficiente respeto, toqué todas las notas tal cual fueron escritas excepto un par de pasajes que no se pueden interpretar con la guitarra debido a una afinación distinta. [--] Al final añadí mi propio concierto, que es la verdadera metamorfosis”.

“La Sky Academy es un concepto de enseñanza musical. Traslada mi propia visión, mirar a la vida desde los ojos de la música. Todo lo que percibimos, sentimos o tocamos, es muy similar a la música, de hecho es música. Todo es música. Son los principales argumentos que rigen el universo”.

Cerramos con esta tercera parte la entrevista realizada a Uli Jon Roth. En esta entrega final Uli aborda su faceta e interés por la Música Clásica y otros elementos que conjuga para acabar dando forma a un estilo musical propio y personal. Nos ofrece algunas de sus visiones más personales sobre el sentido y el devenir de la Humanidad así como aspectos de su propia filosofía vital. Un Artista en el sentido más renacentista y global de la palabra.

-¿Qué hiciste artísticamente hablando tras finalizar con Electric Sun?

Hice muchas otras cosas, aunque dejé de actuar en directo durante unos trece años. No fue intencionado, sencillamente ocurrió así. Deje Electric Sun en 1986 y en 1987 tenía más canciones y quería hacer otro disco. Hice unas demos para este posible cuarto Lp, pero entonces decidí que quería hacer algo completamente diferente y compuse “Sky Concerto”.

-¿Hay alguna edición disponible de este concierto?

El score lo sacamos más tarde, estaba disponible en el merchandising de los conciertos. Era una pieza bastante extensa de piano y guitarra, no había nada grabado de orquesta. Su espíritu fue una experiencia de un gran aprendizaje para mí puesto que nunca había escrito música para orquesta y, al mismo tiempo, quería llevar la guitarra más allá. Nunca terminé de reproducirla al completo y nunca la he terminado de grabar porque justo después de comenzar a grabarla empecé a hacer otras cosas. Es por esto que el “Sky Concerto” nunca fue grabado.

-En 1991 trabajaste en “Aquila Suite”, unas bonitas e intensas composiciones para piano. ¿Cuáles fueron los motivos para caminar en esa dirección?

Por entonces, ya desde el espectro de la Música Clásica, estaba muy interesado en algunos aspectos relacionados con las melodías. Había escrito algunos estudios para la Sky Guitar, eran estudios de arpegios muy difíciles de interpretar y me di cuenta de que algunas de mis ideas necesitaban las dos manos. Necesitaba el amplio recorrido sonoro del piano y transcribí un par de esas piezas al piano. Como sonaban muy bien seguí escribiendo cosas para piano. El resultado fueron doce piezas de estudio para piano durante el verano de 1991. Nunca pensé realmente en publicarlo porque estaba dentro de la escena del Rock y la mayor parte de mi audiencia no tiene necesariamente porqué sentir interés por el piano, podría haber resultado extraño, aunque un tiempo más tarde lo publiqué como un extra. Debo decir que lo que más me gusta personalmente es componer y tocar música para Orquesta en un estilo completamente libre que me gusta denominar Rock y Sinfonía trabajado con una gran orquesta, pero también incluyendo cantantes de Rock y de Lírica; una mezcla de todos estos elementos. Desgraciadamente esto es más difícil de llevar al directo y más caro. Soy reconocido por ser guitarrista y haber tocado con Scorpions, la gente espera de mí este tipo de música. Aunque hay parte de mi audiencia que prefiere esta faceta con Orquesta. Nunca me he considerado un guitarra de Rock, aunque sospecho que lo soy. Es algo que no he visto nunca especialmente interesante, prefiero liberarme de esas ataduras. Lo llamo usar distintos lenguajes musicales –prefiero usar esta terminología en lugar de referirme a estilos musicales–. Con la música sinfónica puedo desarrollar mi propio lenguaje. En mis Symphonic Legends pretendo utilizar una diferente gama de colores para expresarme musicalmente. Es como aprender diferentes idiomas, pero en términos musicales. Me encanta el Flamenco andaluz y encuentro una fuerte influencia en mi música. Si escuchas “Sails of Charon” se pueden apreciar algunos de estos matices, aunque la gente no tenga necesariamente que ver esa idea; a esto me refiero cuando hablo de lenguaje musical. Otro ejemplo puede ser el uso del bending, que me viene directamente de los guitarras de Blues; crecí musicalmente con Hendrix. Mezclo todo esto con la manera clásica, compositores como Vivaldi, Bach, Mozart o Beethoven entre otros. Se puede comprobar en mi música que, usando mi lenguaje, puedo escuchar los originales en mi casa y sacar de ahí mi propia versión multilingüe. Habrá gente que prefiera que use un solo lenguaje, sin embargo me encanta cruzar los límites, salirme de lo establecido y poder expresar mi propia idea.

-Bajo la denominación de Sky Of Avalon has compuesto parte de las “Symphonic Legends Of Avalon”. En ellas introduces al oyente en un nuevo mundo musical y de conceptos filosóficos. ¿Puedes explicarnos algo sobre esta nueva concepción? ¿Cuál sería la interpretación adecuada de Sky Of Avalon?

Realmente todo empezó con “Sky Concerto”, algo libre y sin límites. Aunque siempre hay límites, porque sin límites no hay forma, se trataba más bien de ampliar esos límites. Comencé a escribir pequeñas piezas como “Aquila Suite” y cosas más grandes como mi sinfonía “Europa”, cada una de ellas empujaban los límites a su manera. Intento crear un nuevo mundo y concepto bajo mi propia música, más o menos exitoso. Es un nuevo viaje para mí. Tan pronto como empecé a escribir música sinfónica combinando realmente Sinfonía, Concierto, Oratorio, Ópera y guitarra de Rock de la manera más orgánica y natural posible, me empezaron a surgir nuevos conceptos más amplios. “Sky Of Avalon” era básicamente una serie de músicas que quería denominar “Symphonic Legends”. Empecé a escribir una sinfonía como tal, pero no exactamente una sinfonía clásica con sus propias normas. Preferí romper esas reglas y poder encontrar de manera libre para lo que quería expresar. Era perfectamente consciente de la manera tradicional de componer una sinfonía, lo que ocurre es que quise seguir mi propio sentir. Se trata de un concepto muy visual de la música, algo así como una banda sonora sin película. Intenté desarrollar también un nuevo formato para el cd.

-El libreto de “Sky of Avalon” se abre como si simulase el cinemascope de las películas de cine.

Eso fue exactamente lo que quise transmitir con el libreto del cd. No soporto el aspecto visual de este formato. No tengo problema con el sonido, pero los libretos me parecen demasiado pequeños; vamos, un timo. No se pueden ni leer las letras, las fotos son muy pequeñas y no estaba nada cómodo con esa configuración. Así que decidí darle este formato y se lo propuse a la discográfica. La persona de la compañía me dijo que era demasiado caro plantear este formato para el libreto. Más tarde tuvimos una cena con el director de la compañía y cuando le enseñé todo el diseño decidió que se llevase a cabo. Lo vamos a llevar a cabo el próximo año, cuando hagamos el tour del aniversario, cuando toquemos el “Metamorphosis”. Pretendemos editar una versión en vinilo con el artwork al completo. Nada de Micky Mouse (risas).

 

-¿Podrías contarnos algo más sobre estas “Symphonic Legends”: “Soldiers Of Grace”, “Europa Ex Faviila” e “Hiroshima De Profundis”?

La primera de las sinfonías de “Sky Of Avalon” es “Soldiers Of Grace”. Se trataba de una historia sobre el bien y el mal, la Historia de la Humanidad. Versa sobre el origen espiritual de nuestra especie, un poco como mezclar “Starwars” con “El Rey Arturo” en una galaxia muy lejana. Trabajé el concepto y lo comencé, pero nunca lo he llegado a terminar. Puede que algún día lo retome. Hay muchos proyectos que aparcas durante unos cuantos años y de repente un día ven la luz. No sé por qué ocurre, pero a veces dejo cosas por terminar; las olvido y pasan a coger polvo en un cajón hasta que de pronto un día las vuelvo a ver y encuentro lo que me faltaba para terminarlo. En lo que respecta a “Sky Of Avalon” fue grabado en el año 1995 y editado al año siguiente.

La primera sinfonía que terminé fue en el año 1993, se trata de “Europa Ex Favilla”. La interpretamos en directo con una orquesta en una ciudad de Bélgica siendo grabada y retransmitida por la televisión alemana, aunque nunca la llegamos a grabar para publicarla en disco. Llegamos a grabar ese concierto en audio y vídeo, pero no quedé del todo contento con el resultado y no lo publicamos; me gustó la música, pero no el sonido de la grabación.

-Pude ver la grabación de ese concierto del que nos hablas, creo que en Lieja. Lo emitió la cadena alemana WDR. Lo curioso es que parece el ensayo general. Si es así, ¿por qué no grabar la premiere?

Tocamos solo una parte de la sinfonía. Realmente lo que se grabó fue la premiere, aunque parecía un ensayo general. Lo que ocurrió es que hubo algo de confusión en los momentos previos al estreno. La orquesta vino a tocar directamente desde Brasil y el productor pensó que, como nosotros éramos músicos de Rock, podían ir vestidos de manera informal. Esto es algo completamente ridículo, porque no queríamos que aquello pareciese un ensayo. De este modo los músicos de Rock íbamos vestidos como perfectos caballeros para la ocasión, mientras que los músicos de la orquesta lucían con un look casual; vamos, el mundo al revés. Era algo cómico, lamentablemente este asunto rompió la imagen del show y fue por ello por lo que finalmente no se lanzó al mercado como un dvd. Contábamos con una gran pantalla trasera que proyectaba bonitas y sugerentes imágenes, pero los músicos de la orquesta lucían un look inusualmente desorganizado. No obstante la interpretación musical fue brillante. Cuando el productor me mandó la cinta y la vi le comenté que de ninguna manera se podía publicar eso así. Finalmente solo se pasó por la TV alemana puesto que ya estaba acordado y firmado con anterioridad. Tengo planeado volverla a interpretar este año y grabarla. Todo está ahora en fase de preparación, por lo que habrá que cruzar los dedos para que finalmente se pueda llevar a cabo. Pienso que es una de las composiciones más bellas que he creado en toda mi vida y ahora puede ser el momento adecuado para recuperarla.

-Esas son grandes noticias, que vuelvas a interpretar estas piezas clásicas.

Estoy deseándolo. Es el nivel más alto, una frontera que deseo atravesar, trabajar y componer música en este formato. Además así puedo rendir tributo a mucho grandes músicos de este terreno. Es importante para mí. Reinterpretar los viejos temas está bien, los músicos de Clásica lo hacen, pero es mucho más excitante dar un paso hacia el futuro, romper barreras.

-¿Y sobre “Hiroshima De Profundis”?

Esta sinfonía está en una situación similar. La pieza estaba prácticamente finalizada y se suponía que se iba a estrenar en la propia ciudad de Hiroshima. Justo antes de completarla apareció un sponsor para este proyecto, desgraciadamente ese sponsor tuvo un fatal accidente de coche y todo se paró. De este modo nunca se llegó a interpretar esta sinfonía en vivo. Para todo el que quiera escuchar el inicio de esta pieza, aparece en el comienzo del segundo volumen de “Transcendental Sky Guitar”. Aparece mezclada con la versión de “Hiroshima”.

-Ahora me gustaría preguntarte por una cuestión delicada. Mientras trabajabas en esas sinfonías,  Monika Dannemann desgraciadamente falleció (DEP). Hablamos de Abril de 1996. En ese momento empezaste a componer un tributo especial para ella del que anunciaste su título: “Requiem For An Angel”. ¿Qué nos puedes contar de este proyecto? ¿En qué momento del proceso compositivo se encuentra?

“Soldiers Of Grace” fue también finalizada, pero solo grabada en fragmentos debido a que mi pareja Monika Dannemann falleció por aquel entonces. Esto supuso un gran shock para mí. Dejé de trabajar en estas sinfonías que tenía por entonces entre manos y empecé a componer un tributo musical especial para ella, lo llamé “Requien For An Angel” y me llevó tres años de trabajo componerlo. Se trata de una pieza de más de dos horas de música con muchas y variadas partes. Grabé gran cantidad de partes, incluyendo orquesta, guitarras, grupo y voces. El problema es que al ser un proyecto tan grande, no lo terminé en su totalidad y, por otro lado, no quedé del todo satisfecho con algunos elementos de su estructura –cuando tienes algo tan grande y con tantos componentes en tus manos, todo tiene que fluir armónicamente de principio a fin como si de una película se tratase y eso no es tarea fácil–. Estoy satisfecho prácticamente con todo, pero no en su totalidad; por lo que la realidad es que todavía no la he terminado por completo.

Recientemente ha habido algo de movimiento en esta dirección, he pasado todo a un nuevo sistema y puede ser que después de lo que haga con Electric Sun haya avances en este sentido. Tengo que hacerlo y supongo que lo haré en algún momento de mi vida. Es algo difícil para mí, puesto que tengo que volver a composiciones y cosas del pasado, es una montaña muy elevada para escalar. Revisar las composiciones antiguas y editar un nuevo boceto para trabajar con él. Añadirle cosas nuevas para terminarla. No quiero hacer promesas en este momento, pero seguro que lo acabo en los próximos veinte años.

                                                          Monika Dannemann.

-En 1996 la compañía de discos Zero Japón publicó “Prologue To The Symphonic Legends”, un extracto de esas sinfonías. La primera vez que lo escuché realmente me voló la cabeza. Aquí nos presentas esa nueva idea de pasar los límites con tu música.

Se grabó en 1995 y se publicó en 1996. Componer y tocar con orquesta es realmente lo que más me llega. Tributar a los grandes compositores es algo que está bien, es necesario. El problema es que siempre se hace lo mismo y eso no es emocionante. Los músicos de Clásica reinterpretan perfectamente las viejas obras, pero a mí me resulta más excitante sobrepasar los límites y buscar algo nuevo.

-Te quiero preguntar por “Until the end of time”, uno de los temas que más me impactó de este “Prologue To the Symphonic Legends”. ¿Qué nos puedes decir sobre esta canción?

Muchas gracias por tus palabras. Esta canción probablemente sea una de las más afortunadas. Es la melodía más bonita de toda la obra.

                                                     Sky Of Avalon: "Until the end of time".

-El último disco que has publicado como Sky Of Avalon/Uli Jon Roth lleva por título “Under A Dark Sky”. ¿Debemos considerarlo bajo el epígrafe de Sky Of Avalon, Uli Jon Roth o ambos?

“Under A dark Sky” pertenece a Sky Of Avalon, pero no se trata de una sinfonía. Debe considerarse más bien como una colección de grandes canciones que se han escrito bajo esa propia concepción musical.

“Benediction” y “Lights & shadows” representan uno de los momentos más inspirados de dicho disco en mi opinión. ¿Qué sentimientos tienes acerca de estas dos canciones?

Son dos de las canciones más bonitas del álbum. “Benediction” realmente es el comienzo de “Lights & shadows” y hay un punto dónde se funden igual que el afluente se suma al río principal. El momento en el que entra la guitarra es uno de mis pasajes favoritos de todo el disco, además es una de las letras que más me gustan del álbum. Esta canción llegó casi al final de la grabación del disco, mientras lo mezclábamos y urgía acabarla. No estaba del todo acabada y el final estaba algo improvisado, pero quería completarla de todos modos, acabamos haciendo algo diferente. No la hemos tocado en vivo, pero realmente queramos hacerla.

                                                        Uli Jon Roth: "Benediction".

                                                        Uli Jon Roth: "Light & shadows".

-¿Y de la portada?

Una de las más impresionantes. Está hecha por ordenador, un photoshop, de varias fotografías. Son diferentes ciudades del mundo, en un valle gigantesco bajo un cielo negro pero con un arcoíris por encima del cielo. Se trata de una imagen mezclada. Es la manera en la que concibo el mundo, muy cercano al borde del abismo en más de un sentido en estos días. No está claro que realmente podamos sobrevivir como especie. Bueno, creo que acabaremos sobreviviendo porque soy algo optimista. Aunque podríamos estropearlo todo debido a nuestra innata falta de sabiduría; lo que viene a ser estupidez. Ahora estamos en un estado de pubertad en el que tenemos un montón de posibilidades y poderes, mucha inteligencia artificial, pero en el apartado de sabiduría y sabiduría espiritual  o superior –aspectos como la empatía o la metafísica– vamos algo cortos. Esto es preocupante. Cuando miro al mundo de hoy, la política, los sistemas que imperan o el modo en el que las generaciones actuales se están desarrollando, me preocupa. Es una imagen fascinante pero está muy lejos de ser una imagen positiva. Hay muchas luces y sombras, a veces más sombras que luz. Creo que realmente es responsabilidad nuestra darle la vuelta a esto, facilitar un camino hacia el futuro, asegurar que nuestras futuras generaciones puedan disfrutar de la belleza de nuestro planeta y no destrozarlo ni dinamitarlo. Es un álbum conceptual y la portada intenta expresar eso. Esta portada me vino de un modo extraño. Fue el día que iba a firmar el contrato del disco, creo que fue el día del concierto de Wacken con Scorpions. Cuando conducía hacía el festival, que está en un campo muy grande al norte de Hannover,  había un cielo muy oscuro a un lado de la carretera, pero también había un arcoíris al otro lado y me vino la idea del cielo oscuro y el arcoíris. Ya tenía el título del disco, aunque ese fue el momento en el que concebí la idea de la portada y de las ciudades.

-Volvemos para atrás en el tiempo. En 1998 Joe Satriani os invitó a Michael Schenker y a ti a tocar en el G3, realizando un tour por toda Europa. ¿Fue tu primera gira en directo desde 1985? ¿Sentiste que el G3 era el modo correcto de volver a los escenarios?

Fue la primera gira en trece años. Hice unas cuantas actuaciones esporádicas en esos años incluido el de la Orquesta en Bruselas, la gira con Jack Bruce en el Different Side Of Jimi Hendrix en Alemania y cosas así. Sin embargo este fue el primer tour propiamente dicho. Me sorprendí cuando recibí una invitación de Joe y acepté. El concepto del G3 es instrumental, por eso escribí el tema “Sky overture”; de hecho se llamaba inicialmente “G3 overture”. Es un título más inspirador, la palabra “cielo” tiene un recorrido mayor. Este tema fue de hecho el inicio de los shows de esta gira G3.

                                                      G3: Satriani, Schenker y Roth.

                                                Transcendental Sky Guitar: "Sky overture".

-En el año 1999 anunciaste la grabación de un show en Viena con idea de publicar un disco en directo. Finalmente ese disco no vio la luz y acabaste publicando las obras “The Phoenix Vol I” y “The Dragon Vol II” como un doble cd bajo el nombre de Transcendental Sky Guitar. ¿Qué pasó con el directo de Viena? ¿Por qué publicar este doble cd?

Ese concierto de Viena fue un buen show, pero no me acabó de gustar cómo sonaron algunas canciones. Acabamos usando solo unas cuantas. Después tuve la idea de llevar el concepto algo más lejos. Por entonces vivía en una mansión en Gales con mi propio estudio de grabación y sala de ensayo, con frecuencia nos juntábamos para tocar y grabar cosas mi amigo Don Airey –actual teclista de Deep Purple– y yo. Se me ocurrió grabar todas las piezas para la guitarra, incluso más que lo que habíamos tocado en el directo. Tocamos e improvisamos un montón mientras la cinta de grabación estaba rodando. Algunas de las cosas de Trascendental Sky Gguitar son básicamente esas grabaciones e ideas sueltas que surgían en el momento. Hay cosas que son solo teclado y guitarra que tocamos Don y yo para nosotros. Improvisábamos mucho tiempo los dos solos. Algunas de esas piezas, como “Mazurka” de Chopin, quería transcribirlas para interpretar con la Sky Guitar. Le enseñé las partituras a Don, que tiene un don especial para leer música como el resto de la gente lee un libro, y las interpretó inmediatamente; muy pocos músicos pueden hacer eso. En esencia Transcendental Sky Guitar es un concepto dedicado a la Sky Guitar y las distintas posibilidades que ofrece para interpretar música.

-“Metamorphosis of Vivaldi’s Four Seasons” supuso tu tercera entrega como Transcendental Sky Guitar. ¿Qué piensas de esta inmortal composición de Vivaldi? ¿Cuáles fueron los motivos para llevar a cabo esta adaptación?

También es material para la TSG. La gente se sorprendió. En el ámbito de la música clásica tuvo una buena recepción, o así lo percibí. Era como un soplo de aire fresco tocar a Vivaldi de un modo completamente distinto, con un swing diferente y con un toque romántico y barroco a través del tiempo más que un acercamiento sobrio. Sin embargo, al mismo tiempo entre mi audiencia más rockera hubo gente a la que no le gustó. Imagino que prefieren escucharme tocar la guitarra en una onda Electric Sun o Scorpions. Percibí una mezcla de sensaciones encontradas entre mis seguidores. Imagino que eso está bien; cada cosa es para lo que es. Supongo que cada música es para lo que es, no puedes satisfacer a todo el mundo a la vez. Para mí fue un gran paso por que era algo que nunca había hecho con la guitarra eléctrica, acercarme realmente a un concierto de violín genuino. Decidí interpretar el más famoso de ellos, adaptado a la Sky Guitar. No es un violín como tal, pero tampoco es una guitarra normal. Pienso que traté “Las Cuatro Estaciones” con suficiente respeto, toqué todas las notas tal cual fueron escritas excepto un par de pasajes que no se pueden interpretar con la guitarra debido a una afinación distinta. Tocar esta obra respetándola en su totalidad no es posible con una guitarra eléctrica normal, sería necesario bajar todas las notas una octava de la composición original y esto destroza la obra para el resto de los instrumentos. Está muy cuidadosamente orquestada por Vivaldi y en cuanto la tocas las cosas empiezan a ir mal. De todos modos me tomé la libertad de incluir percusión, a veces incluso usando batería. Al menos en una pieza añadí una base completamente diferente y la hice algo más libre para interpretar, hablo de “The Triumph of Spring”, en el original tiene notas sostenidas a modo de ostinato. Si exceptuamos este detalle, me amoldé al original. Al final añadí mi propio concierto, que es la verdadera metamorfosis.

-El disco presenta una cueva composición, la pieza titulada “Metamorphosis”, algo así como la Quinta Estación. ¿Qué nos puedes contar de dicha pieza?

Es una pieza basada en la obra de Vivaldi. Está basada en fragmentos de la obra, pero es completamente diferente. Una vez más llevando la guitarra hacía un lugar en el que no había estado antes. Antes de eso pensaba que ni siquiera era posible. Cuando miré los libretos de Vivaldi pensé que ni siquiera era posible transcribirlo para guitarra. Me senté tranquilamente en mi estudio y observé que había una manera de hacerlo, tenía que refinar nuevas técnicas puesto que este concierto está compuesto para violín. Algo así como si te encuentras conduciendo un camión por una colina muy empinada.

                                     Uli Jon Roth & Sky Orchestra: "Cry of the night". Vídeo oficial.

- Tocaste “Metamorphosis” en la gira que hiciste por Reino Unido junto con Frank Marino, Jack Bruce y Glenn Hughes, el Legends Of Rock, a finales de 2002. Tuve la fortuna de presenciar vuestro show en Londres y creo recordar que, además de “Metamorphosis”, interpretaste algo del musical West Side Story.

Es cierto, lo estrenamos en esa gira. Además de incluir “Metamorphosis” también tocamos “María” y “America” del “West Side Story”.

                                                      Uli Jon Roth y Frank Marino.

-Ahora nos gustaría abordar un poco tu faceta educativa dentro de la música. ¿Qué opinas sobre enseñar conocimientos musicales a otras personas? ¿En qué momento sentiste la necesidad de enseñar a estudiantes?

Es una parte muy importante de mi vida. No estamos haciendo actualmente nada de los seminarios en este año; bueno, algo queremos hacer en Suecia más adelante. Hicimos muchos en los años anteriores. Todo esto empezó en 2006 en Los Ángeles con cinco días de seminarios. Vino gente de todo el mundo. Incluía tres días de actuaciones con músicos invitados. Una de las cosas más bonitas que he hecho. Lo que te puedo asegurar es que habrá más Sky Academy en el futuro.

-¿Puedes explicar a los lectores de HUSH-Púrpura Chess el concepto y sentido de la Sky Academy?

Es un concepto de enseñanza musical. Traslada mi propia visión, mirar a la vida desde los ojos de la música. Todo lo que percibimos, sentimos o tocamos, es muy similar a la música, de hecho es música. Es una enseñanza de mi propia filosofía de vida bajo la perspectiva de la música. Todo lo que vemos, sentimos o tocamos está relacionado con la música. Todo es música. Son los principales argumentos que rigen el universo. A lo largo de los años es lo que he experimentado a nivel filosófico. Me he sentido fascinado por encontrar estas leyes, interpretarlas a lo largo de toda mi vida. Ha sido un largo camino de conocimiento desde mi juventud. Desde que era adolescente estaba fascinado por la música, por qué determinadas notas, acordes, o ritmos nos afectan de esa manera. Al igual que unas notas tienen siempre el mismo color y otras tienen distintos colores, eso es innegable. Aunque también hay un aspecto relativo en ello, igual que en la vida hay aspectos que están relacionados entre sí. La música puede enseñarnos muchas cosas sobre la vida y sus significados. Es un aspecto de la vida, de la fuerza de Dios, como una fuerza creadora de la vida y del universo. El universo está creado bajo principios musicales, no deja de ser armonía. Con la Sky Academy intento acercarme a estas concepciones y estudios, no solo el aspecto de tocar la guitarra como tal, sino la metafísica y filosofía de estas cuestiones. Tocar es solo una parte de esto. Por supuesto hay otros instrumentos, canto, violín etc. El instrumento realmente  es un puente para llegar a estas consideraciones, no solo dominando su interpretación. De hecho muchos músicos están principalmente interesados en ese aspecto. Lo más importante en la Sky Academy es despertar un destello de inspiración en los estudiantes, intentar ayudar a los estudiantes a salir de la oscuridad, que se acerquen más al alma de la música, básicamente es como potenciar el proceso del despertar musical y personal de cada alumno. Aunque el concepto es elevado, pienso que es posible encontrar una vía de comunicación a este nivel con la música. Seguro que esto no es del interés de todo el mundo, muchos músicos lo que hacen es sentarse delante de la TV con una cerveza y coger unos acordes; no hay nada malo en ello, desde luego. Sin embargo en la Sky Academy buscamos ir más allá, buscar las respuestas de cada uno y que se conviertan en mejores músicos, instrumentistas y –esperamos– mejores personas.

                                                       The Jimi Hendrix Concerts.

-El proyecto “A Different Side Of Jimi Hendrix” fue un tributo musical a la figura musical de Hendrix. Incluso una de las actuaciones se grabó y televisó por parte de la TV alemana. ¿Qué opinión tienes sobre este tipo de actuaciones?

Hubo un tiempo en el que era muy popular hacer este tipo de conciertos, con repertorio completo de Hendrix; me solían llamar para este tipo de shows. He tocado recientemente con músicos como Steve Vai o Steve Morse en el Guitare Festival. También actué con Deep Purple en el Guitare On Scene; toqué antes que ellos y fue grabado, pero no ha acabado de salir. La noche que tocamos con Steve Vai, Morse y yo está registrado en vídeo y se puede ver en youtube.

-Además de los comentados anteriormente, ¿hay algún otro festival que recuerdes de manera especial por el motivo que sea?

La verdad es que ha habido unos cuantos. El Legends Of Rock: Live At Donnington, con Michael Schenker, Jack Bruce y UFO fue uno de los más importantes y el vídeo que salió publicado de dicha actuación me parece realmente bueno. Ha habido algunos más, desgraciadamente no se grabaron en vivo.

-Muchas gracias por tu amabilidad, paciencia y cercanía con nosotros. Esta es la última pregunta. ¿Qué significa la figura musical, artística y personal de Jimi Hendrix para ti?

Para mí es un genio, lo primero. Cambió completamente la cara de la música en apenas cuatro años. Sin ningún tipo de estudios musicales, tenía la inspiración de un genio. Creó un nuevo y completo lenguaje musical. Pasarán doscientos años y la gente seguirá sin olvidar a Jimi Hendrix. En lo que respecta al nivel personal aprendí mucho de él, sobre inspiración, música, espiritualmente. Me siento muy cercano a él. Fue alguien completamente único.

Dedicado a la memoria de Zeno Roth (1965 - 2018).

D.E.P.

Agradecimientos a Javier Terrones.