Entrevista a Uli Jon Roth: Electric Sun. Parte II.

“Electric Sun tenía algunos tintes de Rock Progresivo, pero era más bien una aventura musical. No había ningún grupo parecido, algo fuera de lo común. Como un proyecto inusual. No me gusta la expresión estilo, prefiero hablar de lenguajes, la música es un reflejo de esto”.

“Recuerdo que mi buen amigo Jack Bruce me llamó un día para hacer un grupo conmigo y con Cozy Powell a la batería, algo como los nuevos Cream. Por supuesto era imposible, no se puede volver a hacer Cream sin Eric Clapton”.

“Tras Scorpions quería empezar desde el punto más básico y desnudo de un grupo, para ver hasta dónde podíamos llegar con este formato, experimentar. Ya había habido dos grandes bandas de tres músicos: Cream y Jimi Hendrix, pero por aquel entonces ambas se habían acabado”.

“Prefiero tocar la solista cuando hay un claro acompañamiento armónico. Esto se consigue con rítmicas, teclados y por supuesto armonías. Al principio nunca podía hacer eso. […] Más tarde incorporé teclados y otras cosas como elementos armónicos y creo que esto sonó mucho mejor”.

“Después escribí “Hiroshima” y comencé a componer nuevas canciones. Me di cuenta de que a veces en la vida las cosas no empiezan tan bien, tienes que perseverar, aprender de la experiencia y es entonces cuando las cosas funcionan”.

“Escuché “Eleison” de Mozart y me quedé en estado de shock, tenía un poder musical y espiritual superior. Solo pude escucharla una vez, no podía creer que esa música fuese posible. “Kirie Eleison”, “Confutatis” o “Lacrimosa” me parecen lo máximo que se puede hacer en música y Mozart lo hizo antes de morir en 1792”.

“Monika Dannemann era una persona que tenía realmente talento para la realización de estas portadas, retratos, colores y detalles; cosas que el resto de la gente sencillamente no puede hacer. Una artista realmente bendecida con ese talento”.

Segunda parte de nuestra entrevista a Uli Jon Roth. En esta segunda entrega Uli nos cuenta detalladamente toda la experiencia de su grupo Electric Sun, que formó al abandonar Scorpions a finales de los setenta. Además ahonda en su interés por la Música Clásica y nos desvela en exclusiva algunos detalles hasta ahora desconocidos para el gran público. A escasos días de que comience el tramo europeo del tour que conmemora su cincuenta aniversario en el mundo de la música nos invita a un viaje en el tiempo para recuperar esa delicada joya que responde al nombre de Electric Sun y que será objeto de revisión durante esta gira del Triple Aniversario.

-Se cierra tu etapa en Scorpions. Por aquel entonces hay una referencia de una canción titulada “Rock tell”, con un cierto toque melódico y disco. ¿Nos puedes aclarar algo sobre este tema y tu participación en el mismo?

Es cierto, de hecho esta fue mi segunda contribución en el estudio. Me lo pidió Dieter Dierks. Contribuí con el solo a esta canción. Lo hice después de dejar Scorpions, en el mismo año 1978. Pienso que no es un tema especial ni nada por el estilo.

 -Aparece “Earthquake” en 1979, el primer disco de tu grupo Electric Sun. El tema título es muy intenso y místico, tiene un tremendo crescendo final. ¿Cuándo fue compuesto?

Esta canción fue compuesta en otoño 1978, es un tema épico instrumental con una introducción con reminiscencias a Beethoven. Me resultaba imposible meter esto en Scorpions, habría sido como un  grupo diferente, y acabó siendo mi único camino dejar al grupo para poder grabar este tipo de música. Ya tenía toda la música del disco compuesta para cuando dejé al grupo. Aunque eran mis amigos y se estaban haciendo siendo famosos necesitaba hacer mi propia música. Era tiempo de tomar decisiones.

                                                        Electric Sun: "Earthquake".

- ¿Puede considerarse como una especie de carta de presentación de la música de Electric Sun?

No, igual que con Scorpions, cada canción era muy distinta; diferentes gamas de expresiones musicales. “Lilac” era como una especie de viaje espacial. “Earthquake” era completamente diferente. “Electric Sun” era de nuevo distinta y más en onda Hendrix. No podría escoger ninguna que representase totalmente la música de Electric Sun, aunque mis favoritas no eran las más comerciales, como Earthquake” Este tema es como una pequeña sinfonía, de hecho el primer título iba a ser “Instead of a Symphony”. Como dije Electric Sun tenía algunos tintes de Rock Progresivo, pero era más bien una aventura musical. No había ningún grupo parecido, algo fuera de lo común. Como un proyecto inusual. No me gusta la expresión estilo, prefiero hablar de lenguajes, la música es un reflejo de esto.

-¿Por qué escogiste el nombre de Electric Sun para el grupo?

El sol es el símbolo físico definitivo de la vida, sin el no existiríamos. La electricidad es lo que hace que todo funcione. No me refiero a lo que sale de un enchufe, sino en un sentido más amplio, en el sentido de la energía. Es la más importante fuerza positiva creativa. Este nombre permitía otorgar un sentido positivo para el grupo porque quería hacer algo que fuese positivo y optimista.

-Formaste la banda con Ule Ritgen y Clive Edwards. Escogiste el formato de trío. ¿Desde el principio tenías claro ese formato?

Tres músicos fue solo el comienzo. Tras los Scorpions quería empezar desde el punto más básico y desnudo de un grupo, para ver hasta dónde podíamos llegar con este formato, experimentar. Ya había habido dos grandes bandas de tres músicos: Cream y Jimi Hendrix, pero por aquel entonces ambas se habían acabado. Debo decir que nunca estuve contento con el formato de trío. En el estudio era fácil porque yo tocaba todas las guitarras, esto quiere decir que en realidad no somos tres, en algunos temas hay hasta tres o cuatro guitarras distintas. En realidad hablamos de un grupo de seis aunque fuéramos tres. A Jimi Hendrix le pasaba lo mismo, puede que en el primer disco fuera formato de tres, pero el “Electric Ladyland” era de todo menos un formato de trío. Cream era de verdad el grupo de tres músicos tocando, con composiciones ejecutables por tres músicos. Así que me di cuenta de que mi música no era ejecutable solo por tres miembros, quería escuchar más armonías en las canciones… y cada vez que las tocábamos en directo sentía que se quedaban cojas. Prefiero tocar la solista cuando hay un claro acompañamiento armónico. Esto se consigue con rítmicas, teclados y por supuesto armonías. Al principio nunca podía hacer eso. Pensaba que sonaba demasiado vacío. Pensé que eso no encajaba en mi estilo de tocar. Para el siguiente álbum, aunque seguimos siendo tres, de nuevo cuando hicimos el tour de “Firewind” estaba muy insatisfecho muchas veces pensando en que le hacían falta más músicos. En realidad la gira fue muy corta. Más tarde incorporé teclados y otras cosas como elementos armónicos y creo que esto sonó mucho mejor.

-Estoy enamorado de la canción “Winterdays”, realmente sientes el invierno y la nieve cuando la escuchas. ¿Cómo te llegó la inspiración para componerla?

De hecho recuerdo que este tema lo escribí en el piso de Monika Dannemann, cuando vivíamos en Dusseldorf. La compuse mientras estaba con Scorpions, justo antes de un concierto. La grabé en mi grabadora para escucharla mientras iba al show en coche. Era invierno, había nevado y la música era perfecta con esa imagen, entonces resolví que se debería llamar “Winterdays”. Es un ejemplo perfecto de porqué Electric Sun no debería ser un trío. Una vez más, es un tema que necesita al menos dos guitarras para hacerle justicia. Por eso nunca la tocamos en directo.

                                                         Electric Sun: "Winterdays".

-La portada de este primer disco de Electric Sun es un bonito dibujo de Monica Dannemann. ¿Qué piensas que quería expresar con esta ilustración?

Esta portada tiene una  historia y es la que te voy a comentar a continuación. Es bastante inusual, comienza con lo que ves en la contraportada. Ves a una dama con un largo cabello castaño, muy largo, cayendo hacia abajo y sujetando la Tierra en sus manos. Esto fue cuando todavía estaba en Scorpions. Monika y yo solíamos ir juntos a los shows en un Alfa Romeo Spider, solía conducir yo casi todo el rato. Una noche volvíamos de Suiza, era un largo camino y solíamos tener largas e interesantes conversaciones. En una de esas charlas de repente me dijo: "he visto un cuadro". Lo había visto en su mente de modo claro. Le pedí que me lo explicase. Ella habló de esa mujer sujetando la Tierra y su vestido cayendo en espiral. Le dije que era una gran idea y cuando llegamos a casa ella lo dibujó; todavía conservo ese boceto, lo hizo a lápiz. Para este cuadro usó como modelo a la ahora fallecida prometida de su hermano, Klaus-Peter, que era mi mánager en aquella época; se llamaba Layla y era de Tahití. Por desgracia ese mismo año murió trágicamente en el hospital por una enfermedad difícil. El posado para la portada fue lo último que hizo a nivel artístico. Otra cosa importante y curiosa que hizo fue aparecer en el “Taken By Force”, en el tema “Born to touch your feelings” más concretamente. Al final del tema se puede escuchar a mucha gente hablando, hay una dama que habla francés y otra que habla la lengua de Tahití. Las dos eran Layla, hablaba perfecto francés y por eso hizo las dos partes.

Una vez Monika acabó el cuadro, quedó exuberante. Era la mejor pintura que había hecho hasta ese momento. Cada vez que lo miro me doy cuenta de lo que significa. Es la fuerza femenina del universo. La Tierra está representada con el color azul, así que pensé que complementaba perfectamente con la fuerza masculina usando los colores rojo y amarillo, haciendo lo mismo. Monika me usaba muchas veces de modelo para pintar, así que lo hicimos de ese modo. Pintó la portada en la que salgo yo aunque se supone que no soy yo, sino que represento a algo más importante que a una persona. Esa es la historia; una larga historia, nunca la he contado así.

-Es una bonita historia.

Todos los cuadros de Monika tienen una historia detrás, siempre interesante. Layla falleció en el hospital, era una bella persona y la quería mucho. Murió durante el mes en el que estábamos acabando de grabar “Earthquake” en Londres.

 

                                                      Contraportada de "Earthquake".

                                                         Portada de "Earthquake".

-¿Y las portadas de “Firewind” y “Beyond The Astral Skies”?

La portada de “Firewind” no tiene una historia tan profunda como la de “Earthquake”. Entre los dos discos se conectan los tres elementos: Tierra, Viento y Fuego. Es un cuadro mío delante de las cataratas del Niágara. Monika lo ejecutó de una manera preciosa. Uno de los temas principales de este disco es “Enola Gay (Hiroshima today)”. Pensé en poner la imagen de la bomba atómica a mi derecha, pero al final cambié de opinión porque creí que era demasiado para la portada. Monika pensó igual y volvió a pintarla, pero sin la bomba.

“Beyond The Astral Skies” no fue pintado directamente para el álbum. Cuando vi su dibujo me gustó mucho, uno de sus mejores y más apasionantes dibujos. Me encantan los colores y lo que hizo. Es como un viajero en el espacio. Para representarlo usó la cara de la mujer antiguo Faraón de Egypto; Nefertiti, esposa de Akenaton. Ella, al pintarla, la devuelve a la vida. Representa a un viajero espacial. Le pedí que dibujara para el interior un pequeño transbordador. Me siento muy orgulloso de este disco y, por supuesto, me siento muy afortunado de que Monika colaborase conmigo. Era una persona que tenía realmente talento para la realización de estas portadas, retratos, colores y detalles; cosas que el resto de la gente sencillamente no puede hacer. Una artista realmente bendecida con ese talento.

-Realmente esas portadas transmiten energía y fuerza.

Normalmente ella pintaba a partir de fotografías, algo que hoy en día hace mucha gente. Hizo muchas pinturas sobre Jimi Hendrix, claro, era su primer motivo al dibujar. Tomaba fotografías originales como referencia. Frecuentemente cuando comparas la fotografía con el dibujo la persona era aparentemente igual aunque ella conseguía poner más alma en ellos. Parecían increíblemente vivos y puedo notarlo al ver los dibujos. Superaban a las propias fotografías, como muy pocos pintores son capaces de hacer.

-La civilización egipcia me resulta fascinante.

El tema de Egipto me resulta muy interesante. Las preguntas sobre Scorpions las he respondido miles de veces porque me las preguntan siempre, de hecho suelen ser las mismas preguntas y respondo generalmente lo mismo. Las canciones son las mismas y la gente me pregunta por ellas una y otra vez. Sin embargo, temas como este me resultan más interesantes porque tienen más enjundia y no suelen salir en las entrevistas que me hacen.

-Esto daría para otra entrevista, sin duda. Siguiendo con Electric Sun, ¿qué nos puedes contar de los conciertos para presentar el disco “Earthquake”? ¿qué recuerdos tienes de esos primeros shows?

Como comentamos antes no estaba contento con el formato de trío en directo. No sonaba mal cuando tocaba la rítmica, pero era necesario tocar también la solista y de este modo los armónicos se perdían. Mi manera de tocar la solista se complementa con el color que le da el acompañamiento. Tocamos todo el “Earthquake” excepto “Winterdays” y “Lilac” porque era imposible llevarlo al directo. Necesitábamos más músicos para hacerle justicia a las canciones, por eso no teníamos suficiente repertorio. Además  completábamos el setlist con algunos clásicos del pasado. Para el segundo disco ya teníamos más repertorio porque la mayoría de las canciones eran más fáciles de tocar en directo, particularmente “Hiroshima”. El repertorio por entonces ya era más largo. Sin embargo me empecé a encontrar mucho más satisfecho cuando entró más gente en la banda. A partir de 1983 pienso que fue cuando a empezamos a ser realmente buenos en el escenario, ya teníamos más canciones para tocar. Fue en ese tour por Suecia y Reino Unido en el que se encuentran algunos de los mejores conciertos de Electric Sun.

                                         Electric Sun: Sidatta Gauthama, Uli Jon Roth y Ule Ritgen.

-¿Recuerdas cómo fue el primer concierto de Electric Sun?

Lo recuerdo muy bien. Fue un desastre, en realidad fue una especie de emergencia. Ocurrió en el Brain Festival, un concierto que organizaba nuestra compañía de discos Metronome. Esta compañía me había contratado por un montón de dinero y acabábamos de terminar “Earthquake”. Entonces nos surgió el problema: nuestro batería Clive Edwards recibió otra oferta mejor y nos dejó. Terminamos de grabar el disco en invierno de 1978 y esto ocurrió en Enero de 1979, el álbum iba a salir en esa primavera. La compañía de discos, habiendo pagado tanto y estando tan reciente el “Tokyo Tapes”, ya tenía montado el festival. Nosotros aún no éramos famosos, pero veníamos a ser el cabeza de cartel en un festival itinerante de tres fechas. El promotor insistió en que teníamos que tocar, le dije que de ninguna manera estábamos preparados para el directo y además estábamos sin batería. No habíamos tocando nunca en trío con ese repertorio. Pienso que lo ideal hubiera sido tocar en un tour más pequeño para que se ensamblase la banda y perfeccionar el repertorio. El promotor no aceptó y nos dijo que había que actuar en esos festivales. No suelo ser cobarde y me dije que adelante con ello. No lo pasé nada bien puesto que no estábamos preparados. Casualmente encontramos a un batería justo antes de los shows, era Sidatta Gauthama y tocó en “Firewind”. Era una situación difícil porque no habíamos ensayado nada. Nos plantamos en el Brain Festival en esta situación, de hecho mi mente todavía estaba en modo “Tokyo Tapes” ya que era el último concierto que había realizado. Me sentía a gusto en cualquier escenario, pero no tenía ni idea de cómo interpretar esta música tan compleja sin otro guitarra rítmico mientras yo tocaba toda la solista; en realidad era reducir todo en sonido a una guitarra cuando deberían ser tres. Lo hice lo mejor que pude, pero no fue suficientemente bien. La guitarra sonaba muy alta, la mezcla no era buena y llegué a la conclusión de que no estábamos preparados ni para ser cabeza de cartel ni para ningún festival. Lo suyo hubiera sido haber empezado tocando en clubs de cincuenta personas. Al día siguiente tocamos en una sala muy enorme llamada Grugahalle, en la localidad alemana de Essen, ante miles de personas. Sonamos un poco mejor. Decidimos tocar algo de Hendrix, una mala versión de “Machine Gun”. Por suerte aprendíamos rápido, pero no fui capaz de conectar bien con el público ya que estaba demasiado ocupado intentando controlar el sonido de la música. Nos arriesgamos escogiendo los temas más difíciles sin unos ensayos adecuados. Creo que no tocamos mal, pero no conseguimos la magia necesaria. El tercer día, que fue al día siguiente, tocamos en Bremenhaven. Fue diferente, alcanzamos algo de magia y el público respondió muy bien. Sucedió que casualmente mis amigos de Scorpions asistieron al concierto. En ese show ya se puede decir que empezamos a sonar más como grupo. Esa fue la primera gira de Electric Sun: tres días.

-Entonces no te sentías cómodo con una formación a trío.

Después no me sentía bien personalmente e hice algo que he hecho pocas veces en mi vida: irme de vacaciones. Cogí un avión a Portugal y estuve unos diez días por ahí perdido, reorganizando mis ideas. Después volví, escribí “Hiroshima” y comencé a componer nuevas canciones. Me di cuenta de que a veces en la vida las cosas no empiezan tan bien, tienes que perseverar, aprender de la experiencia y es entonces cuando las cosas funcionan. Cuando te sales de lo habitual necesitas aprender.

-Tenías claro que necesitabas más músicos.

Quería probar lo de la formación en trío. Era un reto reducir todo a lo más básico, pero por otra parte fue un gran error intentar llevar ese formato al directo. Mejoramos bastante rápido y cada vez sonábamos mejor a trío, aunque nunca estuve del todo satisfecho. Recuerdo que mi buen amigo Jack Bruce, que por entonces todavía no le conocía, me llamó un día –creo que fue una vez acabado el periodo de Electric Sun– para hacer un grupo conmigo y con Cozy Powell a la batería; algo como los nuevos Cream. Por supuesto era imposible, no se puede volver a hacer Cream sin Eric Clapton. Por mucho que adore a Jack Bruce deseché esa idea, no quería verme una vez más en un trío. Si hubiera habido más músicos envueltos en el tema hubiera aceptado, sin duda. Jack me insistió, realmente lo veía claro. Entiendo que si estuviese cerca del tipo de interpretación de Clapton, sobre todo con la voz, pudiera haber funcionado. Mi estilo de guitarra es más clásico, necesito las rítmicas, teclados y armonías. Gracias a esto Jack y yo nos hicimos muy amigos y acabamos haciendo juntos muchas cosas. Un tiempo después montó un grupo con Gary Moore (N. de R: BBM). Me gusta mirar siempre hacia el futuro, solo vuelvo a hablar del pasado cuando tengo que hacer entrevistas.

                                Bruce, Powell & Roth. Dibujo cortesía de nuestro amigo Paul Simon.

-Interesante noticia, no había escuchado nada antes. El segundo disco de Electric Sun se llamó “Firewind”. El propio tema “Firewind” es uno de mis favoritos de toda tu discografía. El solo final del tema me parece mágico, desafortunadamente termina con el volumen bajando y sin permitir al oyente escuchar el final en su totalidad. ¿Se alargó mucho más en la grabación original del tema?

Acaba en fade out. Es el final con el solo original, no seguí mucho rato más tocando. Por aquel entonces estaba de moda terminar así las canciones. A día de hoy si volviera a escribir esa canción le daría un final de verdad. De todos modos ese solo era improvisado y las cintas de estudio se pararon poco después. Ahora la acabamos con “Turn the time” y realmente funciona, me gusta. Esto ya lo hacíamos desde antes, cuando la tocábamos en directo interpretábamos una sección intermedia que terminaba con “Turn the time” y ahora sencillamente las enlazamos.

                                                          Electric Sun: "Firewind".

-“Hiroshima” es otra gran canción, de hecho la volviste a arreglar para el disco “Trascendental Sky Guitar. Tha Dragon”. ¿Qué querías expresar con esta composición?

Es un tema épico para el directo. Creo que dura como unos diez minutos. Fue escrita en unas cuantas horas en el apartamento de Monika en Dusseldorf, creo que en 1979. No recuerdo exactamente qué aniversario era del lanzamiento de la bomba atómica en Agosto, los periódicos hablaban de dicho aniversario. Por entonces ya tenía cierta conexión porque mi padre me había contado que tenía alguna grabación original de la explosión de la bomba, sentía cierta intriga por esta catástrofe humana y empecé a leer mucho sobre la Segunda Guerra Mundial. Me llamaba la atención que el Enola Gay se llamaba así porque era el nombre de la madre del piloto y en mi mente empecé a tararear la melodía. Necesitaba una guitarra que sugiriese el ruido de un aeroplano, no tanto rockera sino con un sonido afilado. También necesitaba la escala pentatónica con notas al estilo japonés. No me llevó mucho tiempo componerla. Cuando la acabé sentí que había llevado a culmen, pienso que es de las mejores composiciones que he hecho en mi vida. Es increíblemente intensa para tocarla en directo. Tengo muchas piezas intensas, por lo que tengo que elegir entre ellas puesto que de otro modo acabaría con la audiencia.

-“Chaplin and I” es muy lírica y delicada. Hace tiempo leí que estaba basada en un sueño que tuviste ¿Es esto cierto?

Es absolutamente cierto. Soñé con Charles Chaplin. Esto sucedió en el piso de Monika, una mañana me desperté y escribí la canción. Me resultó muy sencillo escribirla, lo cierto es que me salió todo el tema de una sola vez.

                                                          Electric Sun: "Chaplin and I".

-Tu siguiente disco con Electric Sun fue  “Beyond the Astral Skies”. En él nos encontramos con algunos cambios musicales. Usaste teclados, otros vocalistas y percusionistas. Resulta un álbum más melódico y orquestado. ¿Por qué estos cambios en tu manera de desarrollar tu creación musical?

Eso fue en directo. En estudio seguían siendo dos músicos, yo tocaba el bajo y tenía a un batería. Por primera vez usé a un cantante y coros. Introduje el teclado por primera vez, en los anteriores dos discos estaba interesado solo en expresarme musicalmente con la guitarra. Tras “Firewind” sentí que quería teclados en mi música y a día de hoy sigo pensando lo mismo.

-El sonido de la guitarra cambió un poco. ¿A qué se debió esto?

No creo que cambiase el sonido, pudo ser que cambiase el estudio que era mucho más pequeño. Pienso que es el disco de Electric Sun que mejor suena, mi favorito de esa era. El sonido de la guitarra es el más conseguido.

-En este álbum comenzaste a usar tu Sky Guitar.

Sí, pero no todavía. La mayoría de las cosas están grabadas con la Stratocaster blanca. La Sky Guitar todavía no estaba completamente perfeccionada, tenía problemas con las pastillas. Usé la Stratocaster y las acústicas, de seis y doce cuerdas.

-Filmasteis un video clip para el single titulado “The Night the Master comes”.

Fue una promo para el single del álbum. La compañía de discos nos ofreció un contrato de dos días para grabarlo. Me gustó. Escribí el script y lo pasé bien ideándolo. Por entonces quedamos bastante orgullosos de ello, tuvo muy buenas críticas. Hoy en día la gente me dice que queda fuera de onda, es cierto que la estética de los músicos era muy de los ochentas y actualmente puede quedar muy ochentero. En su día lo pusieron bastante en la MTV. Pienso que algunas de las escenas quedaron muy chulas. Fue una mezcla del poco presupuesto del que disponíamos y la calidad final se resintió. La verdad es que era bastante más ambicioso, pero no disponíamos de más presupuesto.

                                    Electric Sun: The night the master comes". Promo vídeo oficial.

-Otra de las canciones del disco es "I'll be there". Tiene un increible solo que llega hasta el final del tema, épico y dramático.

Diría que es el mejor solo de guitarra de Electric Sun. Me resultó complicado de grabar puesto que es un solo difícil de tocar, pero quedé muy satisfecho con el resultado final.

-El disco se cierra con “Eleison” y “Son of Sky”. Ambas están orquestadas, llevan voces de Soprano y Tenor y recuerdan a composiciones de Ópera y Clásicas. ¿Cuándo te empezaste a interesar en la Música Clásica?

Me empecé a interesar antes de estar en Scorpions, con Dawn Road. Mi amigo Achim Kirsching me tocaba esas piezas clásicas, conciertos para piano y violín. Siempre he estado interesado en la Música Clásica. He tenido varios profesores, pero he sido principalmente autodidacta. Escuché “Eleison” de Mozart en 1983 y me quedé en estado de shock, tenía un poder musical y espiritual superior. Solo pude escucharla una vez, no podía creer que esa música fuese posible. “Kirie Eleison”, “Confutatis” o “Lacrimosa” me parecen lo máximo que se puede hacer en música y Mozart lo hizo antes de morirse en 1792, el cinco de Diciembre para ser preciso. Quedé tan profundamente impactado por esto que intenté emular al gran maestro con mi propia música. Empecé a escribir esta intensa música escrita para orquesta, aunque en el disco se interpretó principalmente con guitarra y sintetizador, un Yamaha FZ700T87 más concretamente. Quedé muy satisfecho con esa composición, aunque está muy lejos de lo que hubiese deseado. Me costó diez días mezclarlo en el estudio, lo mezclé día y noche, aquello era una locura. Me gustaría poder interpretarlo con orquesta antes de morir para hacerle justicia, seguro que sonará mucho mejor. Básicamente creo que le pedía demasiado al equipo de grabación, con todos esos colores de guitarras. Pienso que la mezcla final es un pobre resultado de lo que tenía en mente.

                                                   Electric Sun: "Eleison" - "Son of sky".

-Por entonces realizaste varias giras por Europa y EEUU. Llevabas una banda formada por dos vocalistas, batería y percusión, dos teclistas, bajista, coristas y tú cantando y tocando la guitarra. ¿Qué nos puedes contar de esos conciertos?

Después de presentar “Firewind” en directo sentí que había que cambiar el formato de trío, fue en 1981. Le dije al grupo que necesitaba un año de descanso. Me tomé los años 81 y 82 sin tocar. Estuve en mi casa y me dediqué a mejorar mi violín. Fue un periodo prolífico para mí, compuse mucha música. A finales del año 1982 recibí una llamada de teléfono de Dave Cook, el que fuera mánager de Judas Priest y acabó siendo mi mánager, que me propuso empezar a hacer algo a gran escala. En realidad me habló como fan y me comentó sus planes, era un gran mánager. Fue entonces cuando decidimos pasar al siguiente nivel de Electric Sun. Llegamos al acuerdo de hacer un nuevo disco, pero le dije claramente que quería con un grupo más músicos. Al principio éramos siete miembros. Hicimos los ensayos en Londres. Llevábamos dos baterías -porque no sabía realmente con cuál de los quedarme-, un teclista, dos coristas, cantantes y sonaba genial en directo. Teníamos nuevas canciones, así que firmamos una gira por Suecia, con locales llenos a reventar. Además hicimos unos cuantos shows en Reino Unido, algunos en salas grandes tipo Hammersmith Odeon, Birmingham Odeon Newcastle City Hall y lugares similares. La mayoría estaban prácticamente llenas. Esto fue así porque en esa época “Firewind” explotó comercialmente, teniendo un muy buen seguimiento en Reino Unido. Las revistas musicales nos solían poner muy buenas críticas, tuve muchas entrevistas en esa época. De repente empezamos a notar seguimiento por parte de los fans. Era una banda muy buena y tuvimos bastante éxito. Todo esto me llevó hasta el contrato con EMI, usé la primera parte de 1984 grabando en diversos estudios “Beyond The Astral Skies” y en la segunda mitad del año comenzamos los ensayos para la gira. En la primera mitad de 1985 nos embarcamos en una larga gira que incluyó Reino Unido, Alemania o Suecia entre otros países. Todo esto confluyó en nuestro primer tour americano, recorrimos toda Norteamérica hasta Julio. Fue un recorrido exitoso aunque perdimos un montón de dinero debido a que mi mánager de entonces era muy creativo, pero las cuestiones económicas no eran su fuerte; él no llegó a estar nunca en el tour con nosotros. Básicamente gastamos mucho dinero en organizar la gira y en el equipo. Tras esto Electric Sun tenía que finalizar en mi opinión. Sentía que había llegado al máximo en este formato. Nuestro último show fue en Milwaukee, en el Beer Fest, era un festival al lado de un lago que celebraban cada año por la festividad del 4 de Julio. Este ha sido el recorrido del grupo hasta el año próximo, en el que tengo previsto hacer que Electric Sun vuelva a la vida.

-Esto es una gran noticia, esperaremos con ganas los nuevos shows de Electric Sun. En la gira de la que nos hablado tocabais canciones que no estaban incluidas en ningún álbum del grupo, “Daughter of the inner sun”, “Neptunian love”, “On that night”, “City lights” o “Sayonara”. ¿Eran demos del disco “Beyond the Astral Skies”? ¿Ideas para un posterior trabajo?

Electric Sun tenía canciones que nunca llegaron a aparecer en ningún disco. “Daughter of the inner sun” tenía un buen riff de guitarra, pero mi hermano lo mejoró y la convirtió en “Eastern sun”. En un primer momento pensé en hacer un nuevo disco.

Dedicado a la memoria de Zeno Roth (1965 – 2018).

D.E.P.

Agradecimientos a Javier Terrones y a Paul Simon.