Dio Returns y Dio Disciples: Ronnie Dio vuelve a los escenarios de la mano de la tecnología. Concierto en Escenario Santander. 15.12.17

Dio vuelve a actuar en directo; bueno, en realidad lo hace como una figura generada por ordenador. El asunto en cuestión recibe la denominación de holograma y, como os podéis imaginar, suscita un abultado número de opiniones y prejuicios. El estreno de esta peculiar idea se produjo hace poco más de un año en el famoso festival de Wacken. Ante la imponente presencia de unas ochenta mil almas en el fastuoso escenario alemán volvió a reinar la inmortal música de nuestro músico favorito. Parece ser que la descabellada idea ha seguido adelante y ahora se lanzan a la aventura de una gira que promete ser mundial. Veremos.

                                                Dio Disciples en el Wacken con el holograma.

Parir una ocurrencia de semejante calibre solo podía ser el resultado de las elucubraciones de una cabeza como la de Wendy Galaxiola -aka Wendy Dio-. La intrépida ex viuda del añorado Ronnie, en una nueva vuelta de rosca a la gallina de los huevos de oro, ha decidido ser la primera mánager que es capaz de resucitar a un artista fallecido y llevarle de gira por los escenarios de todo el mundo. Sobre esta mujer se pueden decir muchas cosas, pero lo que está claro es que en muchos aspectos otra mujer de armas tomar como es Sharon Osbourne se convierte en una dulce hermanita de la caridad a su lado. La figura de Wendy resulta controvertida en cuanto escarbas un poco en la superficie, no necesitas profundizar mucho. Fue esposa y mánager de Ronnie durante prácticamente toda su carrera, se separaron hace unos años aunque siguieron ligados profesionalmente y ahora es ella la encargada de hacer llegar el legado musical de Dio a todos los mortales, por deseo expreso de éste. Que Wendy es una mujer con las pelotas bien puestas no lo duda nadie en este negocio, hay muchas situaciones y anécdotas que acreditan sobradamente tal afirmación. Fue la que contestó públicamente al llorón de Vivian Campbell cuando este tuvo la nada elegante ocurrencia de quejarse treinta años después de que Dio no le quiso subir el sueldo cuando militaba en sus filas y que por eso acabó fuera del grupo, un gesto muy feo por parte de un tipo que le debe mucho a Ronnie y que se pasó esos treinta años poniéndole a parir –bueno, hemos documentado suficientemente bien todo este affair en reseñas anteriores–; nuestra querida heroína no tuvo problema alguno en asumir públicamente la responsabilidad del despido de este elemento, tranquilamente declaró a los medios que no fue Ronnie Dio quién despidió a Campbell sino ella misma y que el motivo principal fue que el propio Vivian exigió un aumento de sueldo. Con dos pelotas. Del triste e irritante perfil pesetero de Vivian Campbell no vamos a volver a hablar ahora –no hay más que echar un vistazo a su recorrido musical posterior a su estancia en Dio para darse cuenta por uno mismo–, pero hay algo que tengo muy claro: si no estás contento con las condiciones laborales que previamente acuerdas cuando te contratan, no tienes más que hablarlo con tu jefe y si éste no te sube el sueldo lo más digno es que dejes ese trabajo y te busques otro, en lugar de ir por ahí lloriqueando y echando mierda en cuanto te ponen un micrófono delante.

Aunque no todo es oscuro en el universo Wendy. Es de justicia tener presente que la gestión que está realizando hasta ahora del legado artístico de Ronnie James Dio se puede definir con una sola palabra: perfecta. Es de todos sabido que, cuando se muere un artista, el mercado se inunda con doscientos millones de recopilatorios y demás artefactos musicales de dudosísima enjundia. El caso de Dio está siendo una excepción hasta ahora, toda la música que ha salido al mercado desde que falleció hasta el día de hoy es de primerísima calidad e interés; los directos publicados abarcan distintas grabaciones y etapas del artista que no habían tenido representación en su discografía oficial, amén de haber sabido dosificar dichas publicaciones para no saturar el mercado. De este modo el resultado final es que todos los que apreciamos la música del difunto Ronnie James Dio y que hemos quemado de tanto escuchar los distintos piratas durante todos estos años ahora podemos disponer de algunas de estas grabaciones con una producción y sonido adecuados… y está por llegar la joya de la corona: las supuestas ideas que dejó pergeñadas Dio de lo que iba a ser la segunda y tercera parte de la trilogía “Magica”. Estas ya son palabras mayores y, en un alto porcentaje, se lo debemos a Wendy; sí, la misma que al mes del fallecimiento de su ex pareja ya estaba vendiendo camisetas conmemorativas de su muerte. De cualquier modo el tema Wendy da para una entrada que tarde o temprano abordaremos en estas páginas.

                                                                  Wendy Dio.

El caso es que nuestra encantadora dama ha sido la cabeza pensante que se esconde detrás del dichoso holograma. Con este invento se pone a la cabeza de todas las variadas y múltiples triquiñuelas que se les han ido ocurriendo a todas aquellas mentes pensantes del mundo del Rock que han dirigido sus esfuerzos a intentar llevárselo crudo. Ahí tenemos a nuestros queridísimos Kiss, que llevan varios años intentando colarles a los fans una nueva formación del grupo original formada por cuatro contratados que se vistan y pinten como ellos mientras la dupla Simmons/Stanley se queden al calor de las chimeneas de sus respectivos hogares contando los ceros que suman las ganancias de las giras de dichos contratados; todavía no han logrado convencer a sus seguidores para que acepten a unos Kiss formados por sustitutos, pero todo se andará. Curiosamente se les ha adelantado Rick Medlocke. El magnífico guitarrista y cantante de los Blackfoot y actualmente comandando Lynyrd Skynyrd, cansado de no obtener el reconocimiento y el éxito que en justicia le correspondería con su buenísimo grupo, tras años después de disolver a la formación, consiguió llevar esa idea a la práctica hace apenas unos pocos años: hizo un casting, escogió a cuatro tipos jóvenes que tocan que te cagas y volvió a reformar sus Blackfoot … sin estar él mismo en la nueva banda…y no le ha salido mal del todo. Pero esto es otro tema que habrá que abordar en otro momento. De cualquier modo, el caso es que con esta jugada del holograma nuestra angelical Wendy pasa a colocarse a la cabeza en esta peculiar clasificación del despropósito.

                                      Blackfoot 2017: Rick Medlocke en la foto, pero no toca con ellos.

La idea de una gira de Dio con una imagen animada suya programada por ordenador mientras suena su voz en playback acompañando a una banda con músicos reales que interpretan sus canciones en directo es, qué queréis que os diga, algo bizarro. Tras la lógica desazón inicial de semejante despropósito, si conseguimos hacer un ejercicio de abstracción propio de un monje tibetano cum laude podemos observar distintas consideraciones. Lo cierto es que todo lo demás está cuidado al detalle y orquestado con un evidente mimo y cariño hacia la figura de Ronnie. Se ha contado con tres de los miembros de la última formación original que acompañó al cantante en sus últimos años y que tras la muerte de éste prosiguieron con el grupo tributo llamado Dio Disciples –otro debate para otro momento–; el combo cuenta entre su filas con el batería Simon Wright, el teclista Scott Warren y el guitarra Craig Goldy, todos ellos ex miembros de Dio. Para cantar han tenido la consideración de buscar, además de la voz enlatada de Ronnie, a los vocalistas Ripper Owens y Oni Logan; un detalle muy importante y que dice mucho de la importancia de abarcar la abultada gama vocal de la que hacía gala nuestro pequeño y añorado elfo. En lo que respecta al repertorio se ha tenido especial cuidado a la hora de seleccionar el setlist, un músico con la dilatada carrera de Dio tiene en su haber un gran número de temas míticos y memorables, por lo que seleccionar entre todos ellos es una cuestión de naturaleza delicada. Podían haber cogido el camino fácil, lo que suelen hacer casi la totalidad de los grupos tributo y currarse todos los grandes éxitos; pero no, tanto Dio Disciples como la gira del holograma han sido capaces de confeccionar un repertorio en el que están la mayoría de los clásicos que todo el mundo quiere escuchar, mezclado con otros temas menos famosos aunque igual de buenos o más que los clásicos. Y si a todo esto le añadimos una puesta en escena cuidada con una pantalla proyectando imágenes alusivas a momentos y vivencias de cada una de las canciones, la cosa tiene su aquel. Debo decir que había algunas de las fotografías que se proyectaban que ni yo mismo conocía y, os lo puedo asegurar, he visto muchas, pero que muchas fotos de nuestro pequeño gran hombre. Todo este conglomerado de sensaciones te lo pone muy difícil a la hora de formarte una opinión final sobre este esperpento. Una cosa tenía clara: si tocaban en directo en España, no me lo perdía. Siempre conviene conocer al enemigo.

Con estas que un frío viernes del pasado Diciembre me monté en el coche y pusimos rumbo a Santander para ver esta gira en vivo, en directo y en primera persona –que mucha gente piensa que por ver una mierda de grabación en youtube ya se ha enterado del directo de cualquier grupo-. Por otro lado la actuación estaba programada en la sala Escenario Santander, probablemente la mejor sala de conciertos de España; probablemente. El cruce de cables fue total, como cabía imaginarse. Asistir a un show de estas características ya iba a ser algo poco habitual de por sí, por lo que había que estar preparado para lo peor. Lo primero que me llamó la atención es que, pese a ser una de las tres actuaciones programadas en nuestro país, había bastante público; la música de Dio sigue teniendo tirón, de lo que me alegro. Sonó la intro grabada que habían extraído para la ocasión de la etapa de “Sacred Heart”, uno de esos detalles cuidados con celo a los que me refería antes. Salieron los músicos ocupando la batería y el teclista los laterales del escenario, dejando al bajista Bjorm Englen y a Goldy en esos mismos laterales por delante y reservando el centro de la escena a una pantalla destinada a proyectar el holograma de Ronnie. Tras la intro sonó “King of Rock n’Roll” como un cañón bajo la voz omnipresente pero grabada de Dio. Acto seguido nos invadió otra intro, en este caso “E5150”, la misma que daba paso a ese temazo de Black Sabbath que se llama “The Mob Rules” y que cantó con su vozarrón habitual el vocalista Ripper Owens; normal que Judas Priest contratasen los servicios de este tipo para suplir a Rob Halford en los noventa, el amigo tiene una potencia y un chorro vocal excepcional. Recuerdo cuando asistí al concierto de Judas con Ripper en La Cubierta de Leganés hace ya un porrón de años, Owens nos dejó con la boca abierta y los tímpanos descolocados a los que allí asistimos mientras que todos sus detractores se quedaron en sus respectivas casas perdiéndose semejante barbaridad. Pero volvamos al show de Dio holograma, solo llevábamos unos escasos diez minutos de actuación y esta gente nos estaba dejando claro que sabían de qué iba el asunto que se traían entre manos. Comenzaron con el propio holograma interpretando “King of Rock n’Roll”, que hacía que no la tocaba el propio Dio mil años, y le siguió algo así como otro inicio con otra intro y “Mob rules” presentando a la voz a Ripper Owens. El holograma como tal apareció en tres de las canciones del repertorio; bueno, en realidad fueron cinco puesto que “The Last In Line” se presentó a modo de medley junto a “Holy diver” y “Heaven & Hell” incluyó en su parte intermedia el clásico “Man on the silver mountian”. Esto de mezclar canciones e intercalar fragmentos de las mismas era otra de las señas de identidad que solían tener los conciertos del propio Dio. Por otro lado el holograma en sí me resultó curioso, muy curioso. Todo lo que se ha hablado del susodicho, toda la polémica generada, todos los adelantos informáticos y virtuales que tenemos hoy en día…y el holograma en cuestión me pareció un poco chapucero. Vamos a ver, se notaba que se habían dejado la pasta en el invento, la pantalla era prácticamente a tamaño de persona normal, se movía y todo eso. El asunto es que la figura parecía como de juguete, como una especie de dibujo; no sé, uno está acostumbrado a ver en las pelis todas esas imágenes generadas de manera virtual y, después de tanta polémica generada por resucitar para los escenarios al artista, lo que te esperas es poder ver una imagen de máxima calidad de dicho músico. En fin, no iba a cambiar mucho mi opinión si hubiese aparecido un holograma de alguien que fuese como Dio en vida, pero es cierto que me esperaba más calidad o nitidez; algo así como los efectos de 3D o una cosa por el estilo.

Sigamos con el concierto. Tras “Mob rules” siguió Ripper en el escenario para volvernos locos con “Straight through the heart”, otra canción de diez y que se marcó el amigo Owens de manera sobrada. Al acabar el tema nos presentó a Oni Logan, el ya ex cantante de Lynch Mob –otra vez– en un casi perfecto castellano anunció otra canción de Sabbath, concretamente “I”. Los dos vocalistas demostraron sus perfectas facultades, cada uno en su terreno: Logan con un matiz más clásico y melódico, mientras que Ripper nos ponía los pelos de punta con el poderoso chorro de su afilada voz. Desaparecieron ambos cantantes y de nuevo apareció el cutre-holograma y la emotiva voz en off de Ronnie James Dio para interpretar “The last in line” mezclado con “Holy diver”. Aquí conviene reseñar otro punto a favor de la producción de este espectáculo, no penséis que extrajeron la voz de Dio de sus clásicos de estudio y a piñón fijo; nada de eso. No sé si la idea surgió de Wendy o del guitarra Craig Goldy –un tipo que siempre ha mostrado admiración y respeto hacia Ronnie, al que se suele referir como su maestro y del que jamás ha salido una crítica, ni cuando había vacas gordas o flacas–, pero el caso es que se trabajaron las líneas vocales pregrabadas de Dio para esta gira. La intro del concierto estaba tomada de la que el grupo usó en la gira de presentación de “Sacred Heart”, la toma de “King of Rock n’Roll” y del medley “Last in line”/”Holy diver” la extrajeron del directo “Live In Philly 1986”. Esta grabación corresponde al directo del Spectrum de Philadelphia que editaron en VHS por aquellos años y que no vio la luz en audio hasta que en 2013 Wendy la publicó en Cd. Recuerdo que en aquella gira del año 1985/86 presentaron el disco “Sacred Heart” y Dio estaba en un momento de popularidad álgido. Quisieron publicar el doble disco en directo que todos los grandes grupos tienen en su haber, pero parece ser que la compañía no lo acabó de ver claro y nos privaron de documentar esos años dorados de la trilogía “Holy Diver”, “The Last In Line” y “Sacred heart” con el doble en vivo que pedían a gritos. En su lugar publicaron el mini Lp “Intermission” que también es una pasada, pero nos perdimos toda la grandeza y majestuosidad de aquella gira y su repertorio con temas de hasta un cuarto de hora de duración. Esto lo solucionó Wendy Dio publicando de manera póstuma este doble cd en vivo. El caso es que de aquí tomaron las líneas vocales de estos dos clásicos imperecederos del queridísimo Ronnie, además respetando el interludio que une “Last in line” con “Holy diver” y que lleva una delicada e inspiradísima línea vocal del tema “Children of the sea”. En serio, pago gustoso para disfrutar en un concierto de este momento; incluso prefiero que no haya ninguna marioneta artificial y que simplemente el grupo interprete la música con la voz de Dio en primera persona.

                                                          Tim "Ripper" Owens.

                                                                  Oni Logan.

El concierto sigue con “Egypt”, otra pieza absolutamente única y especial. Lamentablemente solo Ronnie era capaz de imprimirle ese empaque cuando declamaba su melodía casi como si estuviese llorando. La versión de la gira fue algo más corta y en la interpretación de Oni Logan se perdió por completo la magia del final, hay cosas que no pueden ser y no pueden ser. Le siguió inmediatamente “Tarot woman” con un Ripper Owens que abrió la boca y nos volvió locos a todos, otra sorpresa con un intenso solo de Scott Warren. Cuando metes en un concierto canciones como ésta automáticamente te sales del establishment de los tributos y das un salto cualitativo. El solo de guitarra de Craig Goldy me gustó bastante, es un músico que ha mejorado en intensidad y en carácter musical mucho, en cuanto aparcó la moda ochentera de correr por el mástil con escalas interminables y le añadió más cuerpo e intensidad a su técnica también dio su propio salto de calidad. El solo desembocó en “Catch the rainbow”, la belleza personificada, que a su vez nos llevó a “Stargazer”, la intensidad personificada. Ambas canciones de Rainbow, la primera la interpretó Logan con solvencia, mientras que en “Stargazer” fue Ripper Owens el que dejó el pabellón una vez más bien alto cuando encaró las notas más difíciles dejando los coros y algún que otro fraseo a Oni Logan. Después de una bonita entrada de teclado ambos cantantes siguieron con “Mystery”, un tema pegadizo que probablemente sea lo más comercial que haya hecho Dio en su vida y que supuso otra agradable sorpresa en un repertorio elaborado con mucho criterio. Pienso que la voz de esa canción le pegaba más a Oni, así como la de “Stargazer” a Ripper, pero aun así no estuvo nada mal.

Tras esto nos empezamos a acercar a la parte final del concierto. Comenzaron a sonar los primeros acordes de “Heaven & Hell” y de nuevo volvió la voz grabada del maestro así como el cochambroso holograma. Esta versión incluyó el solo de batería de Simon Wright, que me pareció igual de simple e insulso que siempre pese a seguir incluyendo el “Overture 1812” que inmortalizó Cozy Powell (DEP), y el interludio de “Man on the silver mountain”. Dos de las canciones más significativas de toda la carrera de Dio que se juntaban y nos recordaban de nuevo lo grande que fue este hombre. Aquí le echas especialmente en falta cuando interpretaba en directo con sus evidentes dotes de actor la tentación del Bien y el Mal que se representaba en la parte casi final del tema, ese momento en el que la canción frenaba y te llevaba con delicadeza ante la duda titubeante, suavemente, constituyendo el clímax del propio tema antes de desembocar en el trepidante final. Pero esto es marginal. También se han estrujado la materia gris a la hora de seleccionar las líneas vocales y la estructura escogida para llevar este “Heaven & Hell” al directo. En Santander, y supongo que al igual que en el resto de la gira, el grupo montó una versión en la que encabezaba precisamente esa lucha interna con el Bien y el Mal que tan genuinamente llevaba al directo nuestro querido Ronnie; en este caso se decantaron por el fragmento del “evil”, para acto seguido comenzar con el estribillo y seguir con el inicio del tema original. Intercalaron “Man on the silver mountain”, una de las canciones que no debería faltar jamás en un homenaje a Dio o a Rainbow, y retomaron con la parte final de H&H suprimiendo la parte rápida que solían interpretar los Sabbath en los directos. Para seleccionar las voces de Ronnie en este medley no se limitaron a coger una sola toma de voz, se nota que se han tomado la molestia de seleccionar entre un compendio de discos y conciertos que dice mucho y bueno del deseo de presentar al respetable un producto final elaborado y que se salga de lo previsible. Lo dicho, más allá de que pongamos el grito en el cielo con la idea, hay que reconocer el esfuerzo por la ingente labor de realización musical que hay detrás.

La música cesa, los músicos se dirigen al centro del escenario y saludan al público. Vuelven de nuevo a asir sus instrumentos y finaliza el show con “Rainbow in the dark”. Los tres vocalistas y el dichoso holograma hacen acto de presencia y, cuando finaliza la canción, finaliza el concierto. Setenta y tres minutos de actuación. Craig Goldy abandona inmediatamente la escena y se marcha hacia los camerinos, mientras que Oni Logan y Ripper Owens se quedan unos minutos saludando al público en la propia platea del recinto. El público da por hecho que el grupo volverá a salir, pero la interpretación de “Rainbow in the dark” tiene visos de haber sido el último tema tocado. Se encienden las luces y el respetable empieza a quejarse por la corta duración del evento. Como tengo la costumbre de hacer todo lo posible por no conocer el repertorio del grupo que vaya a ver antes de la actuación, no puedo saber si es que han acortado el setlist; pero tiene pinta de que esto es lo que tienen preparado para la gira. En los días sucesivos confirmo estas sensaciones. Nunca he entendido esto de las quejas si un concierto dura menos de 80 o 90 minutos, ¿en qué parte de la entrada se especifica lo que va a durar el espectáculo? Está claro que la panacea es que un concierto sea muy bueno y muy largo, pero tengo muy claro que prefiero mil veces antes un concierto corto e intenso que otro largo aunque mediocre. Que un show sea algo memorable tiene que ver con muchos factores, pero la duración nunca está en los primeros lugares de esa lista; al menos así lo veo.

                                                             Craig Goldy y el holograma.

Le tengo mucho respeto a Craig Goldy, es un tipo que ha demostrado a lo largo de todos estos años ser un amigo fiel de Ronnie James Dio –de hecho le sigue reconociendo como su mentor y sus palabras siempre son de agradecimiento y respeto hacia el maestro- , es por eso que me sobraban las justificaciones que adujo en los días previos a la gira. En esas recientes declaraciones a los medios comentaba que hacían esto principalmente por y para los fans, como un homenaje a su figura, una celebración de su música para todos las fans que presenciaron en directo a Dio en su día y como un regalo para aquellos que nunca pudieron disfrutar de él en directo. Incluso se ofreció a responder personalmente a un enfurecido fan por todo este asunto del holograma vía facebook, le expuso sus razones con un talante tan sincero y conciliador que el propio fan iracundo supo reconocer el mérito de Goldy pese a afirmar que su opinión hacia el holograma no había variado. De cualquier modo seguro que las palabras de Craig Goldy son sinceras, pero no dejan de ser justificaciones para poder montar una gira mundial que de otro modo no creo que hubiesen podido hacer realidad. 

Me quedo con el final. Cuando bajó el telón de Santander y mientras el público mostraba su disgusto por la duración del concierto, sonaba por el equipo de ambiente la música enlatada de “This is your life”. Ese sí que fue el final perfecto para esta aventura.

                                                           Dio: "This is your life".

REFLEXIONES METÁLICAS

Una sección de nuestro colaborador "Metálico".

¿Vivir los conciertos o no perderse ningún detalle?

“(…) Altas dosis de fanatismo en las primeras filas (...)”, relataba la crónica de una actuación de Dio (D.E.P.) en Madrid hace ya algunos años para explicar lo que allí había sucedido; y es que a la hora de acercarse a un concierto el público lo puede hacer de muy diferentes maneras y eso, sin duda, lo singulariza.

Por un lado, nos encontramos los que quieren vivir la descarga musical a tope, pretenden imbuirse en la música y en el ambiente. Por ello, no paran de moverse frenéticamente y de corear a voz en grito todas y cada una de las canciones, como si le fuese la vida en ello. Normalmente ocupan las primeras filas y beben de la energía que les proporciona su juventud, aunque algunos suelen tener una importante cantidad de alcohol en sangre. Claro que tanto sumergirse en el espíritu de la música les lleva a perderse muchos detalles de lo que acontece en el escenario. Bueno, detalles y no sólo detalles.

Frente a esta opción, aparece los que observan y escuchan el espectáculo musical sin perderse absolutamente nada de la actuación. Muchos de ellos pueblan las últimas filas y con los brazos cruzados asisten hieráticos al concierto, pareciendo incluso que la música no consiguiera penetrar en ellos y continúan impertérritos, si acaso con un ligero movimiento de cabeza que suele significar aceptación por lo que están viendo y oyendo.

Quizás estos dos tipos de público reflejan posturas muy extremas y ninguna de las dos sean las más recomendables. Es evidente que los asistentes a un directo quieren disfrutar del espectáculo que se les ofrece, la clave es cómo pues hay múltiples modos de hacerlo y normalmente vivir más el concierto: moverse, corear o tatarear, comentar, beber, etc. suele llevar aparejado un detrimento en la observación de todos y cada uno de los elementos del espectáculo.  ¿Qué os parece?

Metálico.

"Baila para mi". "Latin Heart".

 

Feliz Año 2018.

Kiss: “Journey of 1000 years”.

Esta es una canción que pertenece al disco de reunión que sacaron en 1998 bajo el título de “Psycho Circus” y este momento es tan bueno como otro cualquiera para reivindicarla en estas páginas. El grupo de Simmons, Stanley y compañía puede que sea uno de los más conocidos y exitosos dentro del mundo del Hard Rock, han grabado un buen montón de discos y canciones que se han ganado por sí mismas su paso a la posteridad, han vendido otro buen montón de discos y, gracias a sus espectaculares y visuales puestas en escena, se tienen bien merecido un lugar importante dentro de la teatralidad en este mundo del Rock duro. Te pueden gustar mucho, poco o nada, pero merecen su respeto.

Ninguno de ellos se han caracterizado por ser grandes músicos, de hecho sus discos en estudio los han venido grabando músicos de sesión pese a que ellos figurasen como los intérpretes. Aunque por sus filas han pasado buenos instrumentistas como Bruce Kulick, Mark St John o Eric Singer, incluso actualmente cuentan con un guitarrista que no pasa de ser correctito tirando para mediocre y que responde al nombre de Tommy Thayer. Lo de Kiss siempre ha ido más de espectáculo acompañado de canciones-himnos de las que se quedan con facilidad en tu cabeza; supongo que eso también tiene su mérito.

Por eso resulta especialmente curioso que se hayan sacado de la manga un tema como el que titula este artículo. Recuerdo perfectamente la fiebre colectiva que nos azotó cuando anunciaron que se reunía la formación original para realizar una gira de comeback con el maquillaje clásico. También recuerdo lo que me gustó el disco en estudio que sacaron poco después, el anteriormente citado “Psycho Circus”, pero lo que realmente me descolocó fue el tema que cerraba dicho cd. Gene Simmons se descolgaba con una composición pletórica de clase, fuerza y estilo. Seamos realistas, del binomio Simmons/Stanley siempre fue el Starchild el que presentó las más inspiradas composiciones -al menos para este humilde escriba-, por lo que resultó doblemente sorpresiva la escucha de esta composición firmada por el God Of Thunder -o por cualquier compositor al que le comprasen los derechos, una práctica muy habitual de los Kiss y de muchos otros grupos-. La canción “Journey of 1000 years” es una composición sobria, intensa y llena de pasión; probablemente la mejor canción que haya sido capaz de componer esta gente en toda su vida. Incluso la letra es especial. Un grupo que, seamos serios, se han pasado todos estos años escribiendo letras tan ridículas como estúpidas -¿”Love gun”, “Christine sixteen”, “Let’s put the X in sex”, “Bang bang you”…? Y mi favorita para estos menesteres: “Uh all night”-. No hablo de la música, solo de la letra en sí; imposible su defensa. Se me hizo chocante hasta el extremo que se descolgasen con semejante muestra de estilo. Una letra con momentos como: “Did you sleep without dreams/did you fly without wings/did you touch without feel/where nothing is real” (podrías dormir sin soñar/podrías volar sin alas/podrías tocar sin sentir/donde nada es real). Esto tiene una calidad desconocida en un tipo como Gene Simmons que se vanagloria de representar muchas de las miserias del ser humano, nuestro adorable Gene siempre se ha mostrado preocupado de hacer dinero a costa de lo que sea, defiende unos valores individualistas y se ha pasado media vida vacilando de las groupies a las que se ha follado en las giras del grupo. Por lo que nuestro angelito nos descoloca sacándose de la manga una letra de este calibre.

Y como broche final la canción termina recuperando a modo de coda la melodía del tema que abre el disco, el propio “Psycho Circus”. Lo dicho: inevitable recuperar su escucha cada Navidad y sentir su estremecedor halo.

Los Discos de Navidad. III.

Llega nuevamente la Navidad y, como cada año, se encienden las luces, se abren las puertas de los centros comerciales día y noche, se llenan todos los sitios de gentes de la más variada enjundia, las bocas de los propósitos más retóricos y la superficialidad más profunda toma el mando; en fin. Sepultado entre esta sarta de estupideces tan proclives cada año volvemos a encontrarnos un bonito y delicado mensaje de Esperanza, cada vez más aplastado por las mil y una capas de nuestra estupidez congénita. Solo hay que escarbar un poquito entre las luces de las calles o las ofertas de los escaparates y querer mirarla.

Acompañando a este momento del año tan especial nos encontramos con una nueva hornada de lanzamientos musicales representativos de estas fechas: los discos de villancicos y temas tradicionales navideños. Cada año un buen puñado de grupos se abandonan a la sugerente idea de publicar su disco navideño. Algunos llevan unos cuantos editados y otros realizan su primera inclusión en estos territorios, unos realmente interiorizan el espíritu navideño, a otros sencillamente les gustan las canciones aunque no comulguen con las cuestiones de fondo y para los demás no se trata más que de una especie de experimento o curiosidad. De cualquier modo, la Música es un ente tan poderoso que trasciende a las débiles inquietudes humanas y por sí sola sigue acompañando a la especie humana en su evolución, intentando hacernos ver lo maravilloso del mundo en el que vivimos y que seguimos estropeando cada día.

Cuestiones metafísicas aparte, nos apetece rescatar de nuevo una serie de discos que respiran ese halo positivo y regenerador que la Música como ente pone a nuestra disposición para convertirnos en una especie mejor. Esta vez nos vamos a detener en aquellos cds que no son específicamente navideños pero contienen entre sus surcos alguna versión, adaptación o composición típica navideña. No son discos de villancicos ni discos que respiran esa temática en su totalidad, sino obras que contienen alguna canción determinada que de manera inmediata te traslada a este especial momento del año.

Leonor Marchesi: “El tamborilero”. Del disco “Encrucijada”. 1992.

Nuestra vocalista preferida se dio a conocer en España a raíz de su participación en el grupo Santa que montó el guitarrista Jero a principios de los ochenta. Una gran banda que no tuvo suerte, se separaron en 1987 tras publicar tres discos de elevada calidad. El siguiente paso musical de Leonor fue la publicación de lo que sería su primer disco en solitario. Grabó en los populares Mediterráneo Estudios de Ibiza el recomendable “Encrucijada”. La versión en cassette de la época contenía un tema extra que no aparecía en la versión vinilo/cd. El tema al que nos referimos no es otro que esta adaptación del popular “Tamborilero”, un clásico navideño al que la vocalista le imprimió su particular carácter. Pese a que “Encrucijada” no es un disco con temas populares de estas fechas, la presencia de esta versión –que parece ser la incluyeron a última hora y un poco como algo experimental– tiñe esta obra con ese aire navideño tan peculiar. Es casi un ritual la escucha de este disco cada mes de Diciembre desde que cayó en mis manos, un domingo por la noche mientras conduces tu coche para entrar en tu ciudad puede ser el momento de escucha idóneo.

Stryper. “Winter wonderland”. Del Disco “7 Weeks: Live In America 2003”. 2003.

Los rockeros cristianos se pasaron los años ochenta hablando de Dios, pero curiosamente nunca incluyeron ninguna canción específicamente religiosa en sus discos clásicos. Hubo que esperar hasta su renacimientos allá por el año 2007 para que nos presentasen un concierto en directo que incluía el clásico villancico “Winter wonderland”. Este disco no es navideño ni lleva esa temática, pasa por ser el primer directo del grupo y presenta sus canciones más conocidas como las interpretaron en vivo durante esa gira de reunión. Sin embargo no puedo evitar rescatarlo cada Diciembre y pegarle una escucha entre adorno y adorno del árbol de la estrella. Pese a su malísima producción –de las peores que me he llevado a los oídos- no deja de ser un placer revisar los éxitos que fueron capaces de componer Michael Sweet y compañía. Y siempre es un placer escuchar la versión que aquí aparece de su conocido “To hell with the devil” con ese grito final estratosférico del señor Sweet. De matrícula. Aquí rescatamos la versión que apareció en el dvd "Live In Puerto Rico" del año 2007.

Blackmore’s Night: “Once in a million years”. Del disco “Beyond The Sunset”. 2004.

El proyecto tan interesante para unos como irritante para otros de nuestro querido/odiado Ritchie Blackmore ya publicó su propio disco de villancicos, incluso lo reseñamos el pasado año en un artículo de este tipo, pero prácticamente la totalidad de su discografía con Blackmore’s Night presenta versiones y adaptaciones de temas clásicos –unas veces reconocidos en los créditos de sus cds y otras no-; recuerdo que un antiguo amigo mío, gran seguidor de Blackmore, me comentaba hace bastantes años que empezó a trabajar en unos grandes almacenes y que se pasaba el día escuchando villancicos por el hilo musical del susodicho centro comercial durante las navidades… y aseguraba que casi todas las canciones de los primeros discos de Blackmore’s Night eran versiones de los villancicos que sonaban, afirmación que comparto; de hecho “Greensleeves” no deja de ser “What child is this”, por citar solo un ejemplo, aunque esto no es solo culpa de Ritchie y conviene reseñar que el primero es el original. Aquí nos vamos a detener en el disco recopilatorio que publicaron bajo el título de “Beyond The Sunset”; bueno, en realidad se titula “Beyond The Sunset: The Romantic Collection”. Un artefacto que, según el propio Blackmore, constituía la banda sonora ideal para una boda… ¿? Imposible seguir los razonamientos de nuestro trovador malhumorado por excelencia. Frivolidades aparte y con la incertidumbre de la validez de un recopilatorio tras solo cuatro cds de estudio publicados, debemos comentar que el disco se abre con la pequeña joya que encabeza este texto. “Once in a million years” es delicada y tierna, pero sin caer en la ñoñez, una canción que inmediatamente te arropa en su manto invernal y te protege del frío de Diciembre. El disco se completaba con un maxi de regalo de edición limitada bajo el título de "Christmas Songs" en el que aparecían tres adaptaciones de villancicos navideños y que me parece que ya no está disponible, aunque esto lo dejaremos para las próximas navidades.

Jethro Tull: “Ring out solstice bells”. Del disco “Songs From The Wood”. 1977.

Aquí entramos en palabras mayores. Ian Anderson es otro de esos escasos creadores que podemos catalogar como genio; uno de entre un millón. Su música es personal y perfeccionista hasta el extremo. Admirado por todos, copiado por muchos e influencia de varias generaciones de artistas de todos los rincones del mundo. El conocido flautista, que además toca la guitarra, teclado, bajo, saxo y casi cualquier cosa que se ponga en su camino y que pueda producir música, decidió un buen día formar un grupo musical hace ahora unos cincuenta años y ahí sigue, haciéndonos felices a muchos de nosotros.

La canción que nos ocupa no es más que otra de las maravillas que nos ha ofrecido a lo largo de estos años. Apareció en el imprescindible disco “Songs From The Wood” y, como bien indica el título de la canción que nos ocupa, trata sobre el solsticio de invierno. En apenas tres minutos y medio Anderson consigue evocarnos  la magia de estas fechas del año con todos los matices y connotaciones que el maestro sabe dibujar cuando empuña su paleta y trabaja sus gamas de colores. 

Ni que decir tiene que hasta el mismísimo Rirchie Blackmore es otro aprendiz más de Anderson. A cualquiera que se fije unos segundos no se le puede escapar que todo el entramado del proyecto Blackmore’s Night no deja de ser un intento de emular este universo tan especial de nuestro adorable flautista, con desiguales resultados, desde luego. Incluso uno de los discos e nuestro dúo renacentista preferido se parece sospechosamente al concepto de este disco de los Jethro Tull. Blackmore’s Night publicó en el año 2001 el cd “Fires At Midnight” y curiosamente el último tema del “Songs From The Wood” de los Tull se titula también “Fire at midnight”; pero es que las coincidencias no terminan ahí, la contraportada de Blackmore’s Night también presenta lo que sería una hoguera en el bosque al igual que la imagen que presenta el disco de Jethro con un Anderson al calor de una hoguera en pleno bosque.

Jeff Beck: “Corpus Christi carol”. Del disco “Emotion And Commotion”. 2010.

Seguimos con las palabras mayores. Otro de esos músicos con un toque tan personal como especial, en cuanto lo escuchas puedes reconocerlo por su toque, su sonido y su calidad compositiva. La mayoría de guitarristas importantes, incluidos sus propios coetáneos, se quitan el sombrero ante él y lo reconocen como una de sus influencias; volviendo a Blackmore, comentaba hace años que las notas que tocaba Jeff Beck no era capaz de encontrarla en su guitarra y eso viniendo de alguien como The Man In Black es todo un cumplido.

Beck no tiene ningún disco específico de villancicos, pero cualquiera de sus composiciones tiene ese toque místico que resulta cercano al espíritu del que hablamos en este artículo. Colaboró hace unos años en el estupendo disco dirigido por Steve Vai y titulado “Merry Axemas” aportando una revisión de “Amazing Grace”. De este proyecto hablamos las pasadas navidades, Vai reunió a un elenco de guitarristas y cada uno realizó una versión de algún clásico navideño. Ni que decir tiene que en cuanto empezaron los primeros acordes del tema de Jeff Beck aquello tomó un rumbo mágico. Hace poco sacó un disco con temas clásicos de distinta naturaleza entre los que se incluía este “Corpus Christi carol”, toda una delicia para unos oídos nuestros castigados con tanta mediocridad reinante.

Brian May & Kerry Ellis: “Amazing grace”. Del disco “Golden Days”. 2017.

Recientemente el bueno de Brian nos sorprendió a todos con un nuevo disco compuesto por versiones de clásicos y algunas nuevas canciones propias. Este disco del que ya hablamos hace tiempo en estas páginas nos presenta una sugerente revisión del clásico “Amazing grace” con la agraciada voz de Kerry Ellis, descubrimiento de Brian para los mil y un musicales y proyecto de dudosa enjundia que se han venido inventando durante todos estos años para intentar revivir el éxito de Queen. Otro disco que, sin ser navideño, resulta ideal para esta fechas.

Alcatrazz: “Suffer me”. Del Disco “No Parole From Rock n Roll”. 1983.

El siempre inquieto Graham nos ha venido regalando uno tras otro discos de calidad superior, bien bajo sus propios grupos o colaborando con artistas de renombre. Es un hecho que tiene una voz, un tono y una potencia únicos, por lo que prácticamente todos los grandes músicos le han buscado para que cantase sus canciones. Cierto es que debe ser un tipo bastante peculiar a muchos niveles, pero ¿qué artista no lo es? Ahora nos vamos a referir al primer disco de Alcatrazz, una joya que se encuentra en la mayoría de las estanterías de cualquier seguidor del Hard Rock en un lugar preferente; la trilogía de discos formada por “Down To earth” de Rainbow, “Assault Attack” de Michael Schenker Group y este “No Parole From Rock And Roll” de Alcatrazz no está al alcance de muchos; pues bien, estos discos tienen en común que todos están cantados por el amigo Graham y su torrente de voz.

El tema que nos ocupa no habla de Navidades, ni fiestas ni nada por el estilo y el disco no tiene ninguna relación con la Navidad en sí. Lo que ocurre es que la temática de la canción te sitúa en pleno invierno y la tristeza que desprende hace que inmediatamente me traslade a esta fecha del año tan especial. Un tema triste, especialmente indicado para todos aquellos que dudan de la capacidad compositiva de Bonnet.

Graham Bonnet: “Winter days”. Del disco “Underground”. 1997.

Más Graham Bonnet. Ahora toca su discografía en solitario. El disco “Underground” supuso su vuelta a los ruedos tras la pobre repercusión que tristemente obtuvo con el extraordinario proyecto de Blackthorne. En este disco solista recuperó a Danny Jonhson a la guitarra, de los últimos días de Alcatrazz, y se sacó de la manga un disco de alto octanaje musical. Desde luego que no es disco de Navidades ni nada por el estilo. Sin embargo, el tema que nos ocupa recrea sensaciones de estas fechas y amplía la gama de colores que presenta un cd que, siempre en clave del Rock, rezuma eclecticismo por todos sus poros.

Geoff Downes: “Ave Maria”. Del disco “Vox humana”. 1992.

El intrépido teclista de Asia y de Yes, curtido en mil y una batallas musicales, publicó su primer disco en solitario a mediados de los noventa. Jamás pensé que iba a presentar una obra tan completa e inspirada. Pese a no ser un disco de temas navideños consigue que el oyente respire ese aura en cuanto empieza a sonar. Contiene una espléndida revisión del clásico “Ave María”, aunque cualquiera de sus cortes merece atención. Increíble el tema “Moon under the water”, una de las canciones más emotivas que haya escuchado en mi vida y con una parte final de órdago; la sutileza de la sencillez.

Tarja: “Ave Maria”. Del disco “In Concert. Live At Sibelius Hall”. 2011.

La cantante escandinava tiene en su haber dos discos de temática navideña, de hecho el segundo de ellos lo ha publicado hace unas semanas. Ambos suenan francamente bien y demuestran que hubo vida después de Nightwish desde el minuto uno, incluso lo primero que publicó en solitario tras abandonar la nave del teclista Tuomas Holopainen fue su primer disco navideño titulado “Henkays Ikuisuudesta” e interpretado en finlandés casi en su totalidad. Sin embargo esta vez nos vamos a detener en el disco en directo “In Concert” que se publicó a finales del 2011 y que supuso el primer concierto en vivo que publicó nuestra intrépida vocalista. Este directo se grabó con arreglos clásicos y, aunque no es un disco de villancicos como tal, contiene algunas canciones de temática navideña. Además del pequeño y delicado “Ave Maria” aparecen otras piezas como “Varpunen joulaamuna”, “En etsi Valtaa loistoa” o “Jouluyo, juhlayo”, que no es otra cosa que “Silent night”. Junto a los dos cds citados anteriormente conforman la perfecta trilogía para acompañar las tardes noches navideñas, acompañados de una vela y una copa de buen vino.

Neal Schon: “Ave Maria”. Del Ep “Ave Maria”. 2017.

Una de las mejores noticias de este mes de Diciembre. El emblemático guitarrista de Journey ha decidido sumarse a la comunidad de artistas que han publicado algún trabajo musical de temática navideña. La obra que nos presenta es un Ep de cuatro canciones a cuál más interesante. Pese a aparecer en estas fechas no es exactamente un disco de canciones tradicionales de Navidad. Exceptuando “Ave Maria”, las otras tres canciones son versiones de temas clásicos aunque no villancicos. No pasa nada, el bueno de Neal ha escogido tres canciones que no desentonan en absoluto con el espíritu navideño. Dos de las versiones son temas de los propios Journey, hablamos de “Open arms” y “Fairhfully”, que llevan una temática paralela a estos menesteres. La cuarta versión es una clásico del inmortal “Can’t help falling in love”, del Rey. Con este póquer de ases un músico del calibre de Schon tiene la partida ganada. Claro.

The Brian Setzer Orquestra: “Stray Cat strut/You’re a mean one, Mr. Grinch”. Del disco “Christmas Comes Alive”. 2010.

Y para finalizar no se me ocurre mejor remate que esta canción aparecida en el disco en directo navideño que publicó Brian Setzer hace unos años. El disco en sí es de esta temática, por lo que el lector podría pensar que se escapa del hilo conductor de este artículo. Es cierto, no es un disco al uso con una canción o dos navideñas. Hemos escogido esta pieza precisamente por todo lo contrario: porque es una mezcla de un tema evidentemente navideño con un clásico de Stray Cats que no tiene nada que ver con estas fechas… ¿o sí? Juzguen y disfruten de un tipo que derrocha clase y estilo cada vez que crea música o se sube a un escenario. Feliz Navidad.

                                                  En directo. Gibson Amphitheater. 17.12.11.