“Debo decir
que lo que más me gusta personalmente es componer y tocar música para Orquesta
en un estilo completamente libre que me gusta denominar Rock y Sinfonía trabajado con una
gran orquesta, pero también incluyendo cantantes de Rock y de Lírica;
una mezcla de todos estos elementos”.
“Nunca me he
considerado un guitarra de Rock, aunque sospecho que lo soy. Es algo que
no he visto nunca especialmente interesante, prefiero liberarme de esas
ataduras. Lo llamo usar distintos lenguajes musicales”.
“Con la
música sinfónica puedo desarrollar mi propio lenguaje. En mis Symphonic
Legends pretendo utilizar una diferente gama de colores para expresarme
musicalmente. Es como aprender diferentes idiomas, pero en términos
musicales.”.
“Intento
crear un nuevo mundo y concepto bajo mi propia música. Tan pronto como empecé a
escribir música sinfónica combinando Sinfonía, Concierto, Oratorio, Ópera
y guitarra de Rock de la manera más orgánica y natural posible, me
empezaron a surgir nuevos conceptos más amplios”.
“Es la manera
en la que concibo el mundo, muy cercano al borde del abismo en más de un
sentido en estos días. No está claro, pero creo que acabaremos sobreviviendo
como especie porque soy algo optimista. Aunque podríamos estropearlo todo
debido a nuestra innata falta de sabiduría; lo que viene a ser estupidez”.
“Ahora
estamos [la Humanidad] en un estado de pubertad en el que tenemos un montón de
posibilidades y poderes, mucha inteligencia artificial, pero en el apartado de
sabiduría y sabiduría espiritual o superior –aspectos como la empatía o la
metafísica– vamos algo cortos. Esto es preocupante”.
“Nunca me
había acercado realmente a un concierto de violín genuino con la guitarra
eléctrica. Decidí interpretar el más famoso de ellos [“Las Cuatro Estaciones”] adaptado a la Sky Guitar. No es un
violín como tal, pero tampoco es una guitarra normal”.
“Pienso que
traté “Las Cuatro Estaciones” con suficiente respeto, toqué todas las
notas tal cual fueron escritas excepto un par de pasajes que no se pueden
interpretar con la guitarra debido a una afinación distinta. [--] Al final
añadí mi propio concierto, que es la verdadera metamorfosis”.
“La Sky Academy es un concepto de enseñanza
musical. Traslada mi propia visión, mirar a la vida desde los ojos de la
música. Todo lo que percibimos, sentimos o tocamos, es muy similar a la música,
de hecho es música. Todo es música. Son los principales argumentos que rigen el
universo”.
Cerramos con esta tercera parte la entrevista
realizada a Uli Jon Roth. En esta
entrega final Uli aborda su faceta e
interés por la Música Clásica y
otros elementos que conjuga para acabar dando forma a un estilo musical propio
y personal. Nos ofrece algunas de sus visiones más personales sobre el sentido
y el devenir de la Humanidad así como aspectos de su propia filosofía vital. Un
Artista en el sentido más renacentista y global de la palabra.
-¿Qué hiciste artísticamente hablando tras
finalizar con Electric Sun?
Hice muchas otras cosas, aunque dejé de actuar en
directo durante unos trece años. No fue intencionado, sencillamente ocurrió
así. Deje Electric Sun en 1986 y en 1987 tenía más canciones y quería
hacer otro disco. Hice unas demos para este posible cuarto Lp, pero entonces
decidí que quería hacer algo completamente diferente y compuse “Sky
Concerto”.
-¿Hay alguna edición disponible de este concierto?
El score lo sacamos más tarde, estaba
disponible en el merchandising de los
conciertos. Era una pieza bastante extensa de piano y guitarra, no había nada
grabado de orquesta. Su espíritu fue una experiencia de un gran aprendizaje
para mí puesto que nunca había escrito música para orquesta y, al mismo tiempo,
quería llevar la guitarra más allá. Nunca terminé de reproducirla al completo y
nunca la he terminado de grabar porque justo después de comenzar a grabarla
empecé a hacer otras cosas. Es por esto que el “Sky Concerto” nunca fue
grabado.
-En 1991 trabajaste en “Aquila Suite”, unas
bonitas e intensas composiciones para piano. ¿Cuáles fueron los motivos para
caminar en esa dirección?
Por entonces, ya desde el espectro de la Música
Clásica, estaba muy interesado en algunos aspectos relacionados con las
melodías. Había escrito algunos estudios para la Sky Guitar, eran
estudios de arpegios muy difíciles de interpretar y me di cuenta de que algunas
de mis ideas necesitaban las dos manos. Necesitaba el amplio recorrido sonoro
del piano y transcribí un par de esas piezas al piano. Como sonaban muy bien
seguí escribiendo cosas para piano. El resultado fueron doce piezas de estudio
para piano durante el verano de 1991. Nunca pensé realmente en publicarlo
porque estaba dentro de la escena del Rock y la mayor parte de mi
audiencia no tiene necesariamente porqué sentir interés por el piano, podría
haber resultado extraño, aunque un tiempo más tarde lo publiqué como un extra.
Debo decir que lo que más me gusta personalmente es componer y tocar música
para Orquesta en un estilo completamente libre que me gusta denominar Rock
y Sinfonía trabajado
con una gran orquesta, pero también incluyendo cantantes de Rock y de Lírica;
una mezcla de todos estos elementos. Desgraciadamente esto es más difícil de
llevar al directo y más caro. Soy reconocido por ser guitarrista y haber tocado
con Scorpions, la gente espera de mí este tipo de música. Aunque hay
parte de mi audiencia que prefiere esta faceta con Orquesta. Nunca me he
considerado un guitarra de Rock, aunque sospecho que lo soy. Es algo que
no he visto nunca especialmente interesante, prefiero liberarme de esas
ataduras. Lo llamo usar distintos lenguajes musicales –prefiero usar esta
terminología en lugar de referirme a estilos musicales–. Con la música
sinfónica puedo desarrollar mi propio lenguaje. En mis Symphonic Legends
pretendo utilizar una diferente gama de colores para expresarme musicalmente.
Es como aprender diferentes idiomas, pero en términos musicales. Me encanta el Flamenco
andaluz y encuentro una fuerte influencia en mi música. Si escuchas “Sails
of Charon” se pueden apreciar algunos de estos matices, aunque la gente no
tenga necesariamente que ver esa idea; a esto me refiero cuando hablo de
lenguaje musical. Otro ejemplo puede ser el uso del bending, que me viene directamente de los guitarras de Blues;
crecí musicalmente con Hendrix. Mezclo todo esto con la manera clásica,
compositores como Vivaldi, Bach, Mozart o Beethoven entre otros. Se puede comprobar en mi música
que, usando mi lenguaje, puedo escuchar los originales en mi casa y sacar de
ahí mi propia versión multilingüe. Habrá gente que prefiera que use un solo
lenguaje, sin embargo me encanta cruzar los límites, salirme de lo establecido
y poder expresar mi propia idea.
-Bajo la denominación de Sky Of Avalon has
compuesto parte de las “Symphonic Legends Of Avalon”. En ellas
introduces al oyente en un nuevo mundo musical y de conceptos filosóficos.
¿Puedes explicarnos algo sobre esta nueva concepción? ¿Cuál sería la
interpretación adecuada de Sky Of Avalon?
Realmente todo empezó con “Sky Concerto”,
algo libre y sin límites. Aunque siempre hay límites, porque sin límites no hay
forma, se trataba más bien de ampliar esos límites. Comencé a escribir pequeñas
piezas como “Aquila Suite” y cosas
más grandes como mi sinfonía “Europa”, cada una de ellas empujaban los
límites a su manera. Intento crear un nuevo mundo y concepto bajo mi propia
música, más o menos exitoso. Es un nuevo viaje para mí. Tan pronto como empecé
a escribir música sinfónica combinando realmente Sinfonía, Concierto,
Oratorio, Ópera y guitarra de Rock de la manera más orgánica y
natural posible, me empezaron a surgir nuevos conceptos más amplios. “Sky Of
Avalon” era básicamente una serie de músicas que quería denominar “Symphonic
Legends”. Empecé a escribir una sinfonía como tal, pero no exactamente una
sinfonía clásica con sus propias normas. Preferí romper esas reglas y poder
encontrar de manera libre para lo que quería expresar. Era perfectamente
consciente de la manera tradicional de componer una sinfonía, lo que ocurre es
que quise seguir mi propio sentir. Se trata de un concepto muy visual de la
música, algo así como una banda sonora sin película. Intenté desarrollar
también un nuevo formato para el cd.
-El libreto de “Sky of Avalon” se abre como
si simulase el cinemascope de las películas de cine.
Eso fue exactamente lo que quise transmitir con el
libreto del cd. No soporto el aspecto visual de este formato. No tengo problema
con el sonido, pero los libretos me parecen demasiado pequeños; vamos, un timo.
No se pueden ni leer las letras, las fotos son muy pequeñas y no estaba nada
cómodo con esa configuración. Así que decidí darle este formato y se lo propuse
a la discográfica. La persona de la compañía me dijo que era demasiado caro
plantear este formato para el libreto. Más tarde tuvimos una cena con el
director de la compañía y cuando le enseñé todo el diseño decidió que se
llevase a cabo. Lo vamos a llevar a cabo el próximo año, cuando hagamos el tour
del aniversario, cuando toquemos el “Metamorphosis”. Pretendemos editar
una versión en vinilo con el artwork al completo. Nada de Micky Mouse (risas).
-¿Podrías contarnos algo más sobre estas “Symphonic Legends”: “Soldiers Of Grace”,
“Europa Ex Faviila” e “Hiroshima De
Profundis”?
La primera de las sinfonías de “Sky Of Avalon” es
“Soldiers Of Grace”. Se trataba de una historia sobre el bien y el mal, la
Historia de la Humanidad. Versa sobre el origen espiritual de nuestra especie,
un poco como mezclar “Starwars” con “El Rey Arturo” en una
galaxia muy lejana. Trabajé el concepto y lo comencé, pero nunca lo he llegado
a terminar. Puede que algún día lo retome. Hay muchos proyectos que aparcas
durante unos cuantos años y de repente un día ven la luz. No sé por qué ocurre,
pero a veces dejo cosas por terminar; las olvido y pasan a coger polvo en un
cajón hasta que de pronto un día las vuelvo a ver y encuentro lo que me faltaba
para terminarlo. En lo que respecta a “Sky Of Avalon” fue grabado en el año
1995 y editado al año siguiente.
La primera sinfonía que terminé fue en el año 1993,
se trata de “Europa Ex Favilla”. La
interpretamos en directo con una orquesta en una ciudad de Bélgica siendo
grabada y retransmitida por la televisión alemana, aunque nunca la llegamos a
grabar para publicarla en disco. Llegamos a grabar ese concierto en audio y
vídeo, pero no quedé del todo contento con el resultado y no lo publicamos; me
gustó la música, pero no el sonido de la grabación.
-Pude ver la grabación de ese concierto del que nos
hablas, creo que en Lieja. Lo emitió la cadena alemana WDR. Lo curioso es que parece el ensayo general. Si es así, ¿por
qué no grabar la premiere?
Tocamos solo una parte de la sinfonía. Realmente lo
que se grabó fue la premiere, aunque
parecía un ensayo general. Lo que ocurrió es que hubo algo de confusión en los
momentos previos al estreno. La orquesta vino a tocar directamente desde Brasil
y el productor pensó que, como nosotros éramos músicos de Rock, podían ir vestidos de manera informal. Esto es algo
completamente ridículo, porque no queríamos que aquello pareciese un ensayo. De
este modo los músicos de Rock íbamos
vestidos como perfectos caballeros para la ocasión, mientras que los músicos de
la orquesta lucían con un look
casual; vamos, el mundo al revés. Era algo cómico, lamentablemente este asunto rompió
la imagen del show y fue por ello por lo que finalmente no se lanzó al mercado
como un dvd. Contábamos con una gran pantalla trasera que proyectaba bonitas y
sugerentes imágenes, pero los músicos de la orquesta lucían un look inusualmente desorganizado. No
obstante la interpretación musical fue brillante. Cuando el productor me mandó
la cinta y la vi le comenté que de ninguna manera se podía publicar eso así.
Finalmente solo se pasó por la TV alemana puesto que ya estaba acordado y
firmado con anterioridad. Tengo planeado volverla a interpretar este año y
grabarla. Todo está ahora en fase de preparación, por lo que habrá que cruzar
los dedos para que finalmente se pueda llevar a cabo. Pienso que es una de las
composiciones más bellas que he creado en toda mi vida y ahora puede ser el
momento adecuado para recuperarla.
-Esas son grandes noticias, que vuelvas a
interpretar estas piezas clásicas.
Estoy deseándolo. Es el nivel más alto, una
frontera que deseo atravesar, trabajar y componer música en este formato.
Además así puedo rendir tributo a mucho grandes músicos de este terreno. Es
importante para mí. Reinterpretar los viejos temas está bien, los músicos de Clásica lo hacen, pero es mucho más
excitante dar un paso hacia el futuro, romper barreras.
-¿Y sobre “Hiroshima
De Profundis”?
Esta sinfonía está en una situación similar. La
pieza estaba prácticamente finalizada y se suponía que se iba a estrenar en la
propia ciudad de Hiroshima. Justo antes de completarla apareció un sponsor para
este proyecto, desgraciadamente ese sponsor tuvo un fatal accidente de coche y
todo se paró. De este modo nunca se llegó a interpretar esta sinfonía en vivo.
Para todo el que quiera escuchar el inicio de esta pieza, aparece en el
comienzo del segundo volumen de “Transcendental
Sky Guitar”. Aparece mezclada con la versión de “Hiroshima”.
-Ahora me gustaría preguntarte por una cuestión
delicada. Mientras trabajabas en esas sinfonías, Monika
Dannemann desgraciadamente falleció (DEP). Hablamos de Abril de 1996. En
ese momento empezaste a componer un tributo especial para ella del que
anunciaste su título: “Requiem For An
Angel”. ¿Qué nos puedes contar de este proyecto? ¿En qué momento del
proceso compositivo se encuentra?
“Soldiers Of
Grace” fue
también finalizada, pero solo grabada en fragmentos debido a que mi pareja Monika Dannemann falleció por aquel
entonces. Esto supuso un gran shock para mí. Dejé de trabajar en estas
sinfonías que tenía por entonces entre manos y empecé a componer un tributo
musical especial para ella, lo llamé “Requien
For An Angel” y me llevó tres años de trabajo componerlo. Se trata de una pieza
de más de dos horas de música con muchas y variadas partes. Grabé gran cantidad
de partes, incluyendo orquesta, guitarras, grupo y voces. El problema es que al
ser un proyecto tan grande, no lo terminé en su totalidad y, por otro lado, no
quedé del todo satisfecho con algunos elementos de su estructura –cuando tienes
algo tan grande y con tantos componentes en tus manos, todo tiene que fluir
armónicamente de principio a fin como si de una película se tratase y eso no es
tarea fácil–. Estoy satisfecho prácticamente con todo, pero no en su totalidad;
por lo que la realidad es que todavía no la he terminado por completo.
Recientemente ha habido algo de movimiento en esta
dirección, he pasado todo a un nuevo sistema y puede ser que después de lo que
haga con Electric Sun haya avances
en este sentido. Tengo que hacerlo y supongo que lo haré en algún momento de mi
vida. Es algo difícil para mí, puesto que tengo que volver a composiciones y
cosas del pasado, es una montaña muy elevada para escalar. Revisar las composiciones
antiguas y editar un nuevo boceto para trabajar con él. Añadirle cosas nuevas
para terminarla. No quiero hacer promesas en este momento, pero seguro que lo
acabo en los próximos veinte años.
Monika Dannemann.
-En 1996 la compañía de discos Zero Japón publicó “Prologue To The Symphonic Legends”, un
extracto de esas sinfonías. La primera vez que lo escuché realmente me voló la
cabeza. Aquí nos presentas esa nueva idea de pasar los límites con tu música.
Se grabó en 1995 y se publicó en 1996. Componer y
tocar con orquesta es realmente lo que más me llega. Tributar a los grandes
compositores es algo que está bien, es necesario. El problema es que siempre se
hace lo mismo y eso no es emocionante. Los músicos de Clásica reinterpretan perfectamente las viejas obras, pero a mí me
resulta más excitante sobrepasar los límites y buscar algo nuevo.
-Te quiero preguntar por “Until the end of time”, uno de los temas que más me impactó de este “Prologue To the Symphonic Legends”.
¿Qué nos puedes decir sobre esta canción?
Muchas gracias por tus palabras. Esta canción probablemente
sea una de las más afortunadas. Es la melodía más bonita de toda la obra.
Sky Of Avalon: "Until the end of time".
-El último disco que has publicado como Sky Of Avalon/Uli Jon Roth lleva por
título “Under A Dark Sky”. ¿Debemos
considerarlo bajo el epígrafe de Sky Of
Avalon, Uli Jon Roth o ambos?
“Under A dark
Sky”
pertenece a Sky Of Avalon, pero no
se trata de una sinfonía. Debe considerarse más bien como una colección de
grandes canciones que se han escrito bajo esa propia concepción musical.
“Benediction”
y “Lights & shadows”
representan uno de los momentos más inspirados de dicho disco en mi opinión.
¿Qué sentimientos tienes acerca de estas dos canciones?
Son dos de las canciones más bonitas del álbum. “Benediction” realmente es el comienzo
de “Lights & shadows” y hay un punto
dónde se funden igual que el afluente se suma al río principal. El momento en
el que entra la guitarra es uno de mis pasajes favoritos de todo el disco,
además es una de las letras que más me gustan del álbum. Esta canción llegó
casi al final de la grabación del disco, mientras lo mezclábamos y urgía
acabarla. No estaba del todo acabada y el final estaba algo improvisado, pero
quería completarla de todos modos, acabamos haciendo algo diferente. No la
hemos tocado en vivo, pero realmente queramos hacerla.
Uli Jon Roth: "Benediction".
Uli Jon Roth: "Light & shadows".
-¿Y de la portada?
Una de las más impresionantes. Está hecha por
ordenador, un photoshop, de varias
fotografías. Son diferentes ciudades del mundo, en un valle gigantesco bajo un
cielo negro pero con un arcoíris por encima del cielo. Se trata de una imagen
mezclada. Es la manera en la que concibo el mundo, muy cercano al borde del
abismo en más de un sentido en estos días. No está claro que realmente podamos
sobrevivir como especie. Bueno, creo que acabaremos sobreviviendo porque soy
algo optimista. Aunque podríamos estropearlo todo debido a nuestra innata falta
de sabiduría; lo que viene a ser estupidez. Ahora estamos en un estado de
pubertad en el que tenemos un montón de posibilidades y poderes, mucha inteligencia
artificial, pero en el apartado de sabiduría y sabiduría espiritual o superior –aspectos como la empatía o la
metafísica– vamos algo cortos. Esto es preocupante. Cuando miro al mundo de
hoy, la política, los sistemas que imperan o el modo en el que las generaciones
actuales se están desarrollando, me preocupa. Es una imagen fascinante pero
está muy lejos de ser una imagen positiva. Hay muchas luces y sombras, a veces
más sombras que luz. Creo que realmente es responsabilidad nuestra darle la
vuelta a esto, facilitar un camino hacia el futuro, asegurar que nuestras
futuras generaciones puedan disfrutar de la belleza de nuestro planeta y no
destrozarlo ni dinamitarlo. Es un álbum conceptual y la portada intenta
expresar eso. Esta portada me vino de un modo extraño. Fue el día que iba a
firmar el contrato del disco, creo que fue el día del concierto de Wacken con Scorpions. Cuando conducía hacía el festival, que está en un campo
muy grande al norte de Hannover, había
un cielo muy oscuro a un lado de la carretera, pero también había un arcoíris
al otro lado y me vino la idea del cielo oscuro y el arcoíris. Ya tenía el
título del disco, aunque ese fue el momento en el que concebí la idea de la
portada y de las ciudades.
-Volvemos para atrás en el tiempo. En 1998 Joe
Satriani os invitó a Michael Schenker y a ti a tocar en el G3,
realizando un tour por toda Europa. ¿Fue tu primera gira en directo desde 1985?
¿Sentiste que el G3 era el modo
correcto de volver a los escenarios?
Fue la primera gira en trece años. Hice unas
cuantas actuaciones esporádicas en esos años incluido el de la Orquesta en
Bruselas, la gira con Jack Bruce en el Different Side Of Jimi Hendrix
en Alemania y cosas así. Sin embargo este fue el primer tour propiamente dicho.
Me sorprendí cuando recibí una invitación de Joe y acepté. El concepto
del G3 es instrumental, por eso escribí el tema “Sky overture”;
de hecho se llamaba inicialmente “G3 overture”. Es un título más
inspirador, la palabra “cielo” tiene un recorrido mayor. Este tema fue de hecho
el inicio de los shows de esta gira G3.
G3: Satriani, Schenker y Roth.
Transcendental Sky Guitar: "Sky overture".
-En el año 1999 anunciaste la grabación de un show
en Viena con idea de publicar un disco en directo. Finalmente ese disco no vio
la luz y acabaste publicando las obras “The Phoenix Vol I” y “The
Dragon Vol II” como un doble cd bajo el nombre de Transcendental Sky Guitar. ¿Qué pasó con el directo de Viena? ¿Por
qué publicar este doble cd?
Ese concierto de Viena fue un buen show, pero no me
acabó de gustar cómo sonaron algunas canciones. Acabamos usando solo unas
cuantas. Después tuve la idea de llevar el concepto algo más lejos. Por
entonces vivía en una mansión en Gales con mi propio estudio de grabación y
sala de ensayo, con frecuencia nos juntábamos para tocar y grabar cosas mi amigo
Don Airey –actual teclista de Deep Purple– y yo. Se me ocurrió
grabar todas las piezas para la guitarra, incluso más que lo que habíamos tocado
en el directo. Tocamos e improvisamos un montón mientras la cinta de grabación
estaba rodando. Algunas de las cosas de Trascendental Sky Gguitar son básicamente
esas grabaciones e ideas sueltas que surgían en el momento. Hay cosas que son
solo teclado y guitarra que tocamos Don y yo para nosotros. Improvisábamos
mucho tiempo los dos solos. Algunas de esas piezas, como “Mazurka” de
Chopin, quería transcribirlas para interpretar con la Sky Guitar. Le
enseñé las partituras a Don, que tiene un don especial para leer música
como el resto de la gente lee un libro, y las interpretó inmediatamente; muy
pocos músicos pueden hacer eso. En esencia Transcendental Sky Guitar es
un concepto dedicado a la Sky Guitar y las distintas posibilidades que
ofrece para interpretar música.
-“Metamorphosis of Vivaldi’s Four Seasons” supuso tu tercera entrega
como Transcendental Sky Guitar. ¿Qué piensas de esta inmortal
composición de Vivaldi? ¿Cuáles fueron los motivos para llevar a cabo
esta adaptación?
También es material para la TSG. La gente se
sorprendió. En el ámbito de la música clásica tuvo una buena recepción, o así
lo percibí. Era como un soplo de aire fresco tocar a Vivaldi de un modo
completamente distinto, con un swing diferente y con un toque romántico
y barroco a través del tiempo más que un acercamiento sobrio. Sin embargo, al
mismo tiempo entre mi audiencia más rockera hubo gente a la que no le gustó.
Imagino que prefieren escucharme tocar la guitarra en una onda Electric Sun o Scorpions.
Percibí una mezcla de sensaciones encontradas entre mis seguidores. Imagino que
eso está bien; cada cosa es para lo que es. Supongo que cada música es para lo
que es, no puedes satisfacer a todo el mundo a la vez. Para mí fue un gran paso
por que era algo que nunca había hecho con la guitarra eléctrica, acercarme
realmente a un concierto de violín genuino. Decidí interpretar el más famoso de
ellos, adaptado a la Sky Guitar. No es un violín como tal, pero tampoco
es una guitarra normal. Pienso que traté “Las Cuatro Estaciones” con
suficiente respeto, toqué todas las notas tal cual fueron escritas excepto un
par de pasajes que no se pueden interpretar con la guitarra debido a una
afinación distinta. Tocar esta obra respetándola en su totalidad no es posible
con una guitarra eléctrica normal, sería necesario bajar todas las notas una
octava de la composición original y esto destroza la obra para el resto de los
instrumentos. Está muy cuidadosamente orquestada por Vivaldi y en cuanto
la tocas las cosas empiezan a ir mal. De todos modos me tomé la libertad de
incluir percusión, a veces incluso usando batería. Al menos en una pieza añadí
una base completamente diferente y la hice algo más libre para interpretar,
hablo de “The Triumph of Spring”, en el original tiene notas sostenidas
a modo de ostinato. Si exceptuamos este detalle, me amoldé al original.
Al final añadí mi propio concierto, que es la verdadera metamorfosis.
-El disco presenta una cueva composición, la pieza
titulada “Metamorphosis”, algo
así como la Quinta Estación. ¿Qué nos
puedes contar de dicha pieza?
Es una pieza basada en la obra de Vivaldi.
Está basada en fragmentos de la obra, pero es completamente diferente. Una vez
más llevando la guitarra hacía un lugar en el que no había estado antes. Antes
de eso pensaba que ni siquiera era posible. Cuando miré los libretos de Vivaldi
pensé que ni siquiera era posible transcribirlo para guitarra. Me senté
tranquilamente en mi estudio y observé que había una manera de hacerlo, tenía
que refinar nuevas técnicas puesto que este concierto está compuesto para
violín. Algo así como si te encuentras conduciendo un camión por una colina muy
empinada.
Uli Jon Roth & Sky Orchestra: "Cry of the night". Vídeo oficial.
- Tocaste “Metamorphosis” en la gira que
hiciste por Reino Unido junto con Frank
Marino, Jack Bruce y Glenn Hughes, el
Legends Of Rock, a finales de 2002. Tuve la fortuna de presenciar vuestro
show en Londres y creo recordar que, además de “Metamorphosis”, interpretaste algo del musical West Side Story.
Es cierto, lo estrenamos en esa gira. Además de
incluir “Metamorphosis” también
tocamos “María” y “America” del “West Side Story”.
Uli Jon Roth y Frank Marino.
-Ahora nos gustaría abordar un poco tu faceta
educativa dentro de la música. ¿Qué opinas sobre enseñar conocimientos
musicales a otras personas? ¿En qué momento sentiste la necesidad de enseñar a
estudiantes?
Es una parte muy importante de mi vida. No estamos
haciendo actualmente nada de los seminarios en este año; bueno, algo queremos
hacer en Suecia más adelante. Hicimos muchos en los años anteriores. Todo esto
empezó en 2006 en Los Ángeles con cinco días de seminarios. Vino gente de todo
el mundo. Incluía tres días de actuaciones con músicos invitados. Una de las
cosas más bonitas que he hecho. Lo que te puedo asegurar es que habrá más Sky Academy en el futuro.
-¿Puedes explicar a los lectores de HUSH-Púrpura Chess el concepto y
sentido de la Sky Academy?
Es un concepto de enseñanza musical. Traslada mi propia
visión, mirar a la vida desde los ojos de la música. Todo lo que percibimos,
sentimos o tocamos, es muy similar a la música, de hecho es música. Es una
enseñanza de mi propia filosofía de vida bajo la perspectiva de la música. Todo
lo que vemos, sentimos o tocamos está relacionado con la música. Todo es
música. Son los principales argumentos que rigen el universo. A lo largo de los
años es lo que he experimentado a nivel filosófico. Me he sentido fascinado por
encontrar estas leyes, interpretarlas a lo largo de toda mi vida. Ha sido un
largo camino de conocimiento desde mi juventud. Desde que era adolescente
estaba fascinado por la música, por qué determinadas notas, acordes, o ritmos
nos afectan de esa manera. Al igual que unas notas tienen siempre el mismo
color y otras tienen distintos colores, eso es innegable. Aunque también hay un
aspecto relativo en ello, igual que en la vida hay aspectos que están
relacionados entre sí. La música puede enseñarnos muchas cosas sobre la vida y
sus significados. Es un aspecto de la vida, de la fuerza de Dios, como una
fuerza creadora de la vida y del universo. El universo está creado bajo
principios musicales, no deja de ser armonía. Con la Sky Academy intento
acercarme a estas concepciones y estudios, no solo el aspecto de tocar la
guitarra como tal, sino la metafísica y filosofía de estas cuestiones. Tocar es
solo una parte de esto. Por supuesto hay otros instrumentos, canto, violín etc.
El instrumento realmente es un puente
para llegar a estas consideraciones, no solo dominando su interpretación. De
hecho muchos músicos están principalmente interesados en ese aspecto. Lo más
importante en la Sky Academy es despertar un destello de inspiración en
los estudiantes, intentar ayudar a los estudiantes a salir de la oscuridad, que
se acerquen más al alma de la música, básicamente es como potenciar el proceso
del despertar musical y personal de cada alumno. Aunque el concepto es elevado,
pienso que es posible encontrar una vía de comunicación a este nivel con la
música. Seguro que esto no es del interés de todo el mundo, muchos músicos lo
que hacen es sentarse delante de la TV con una cerveza y coger unos acordes; no
hay nada malo en ello, desde luego. Sin embargo en la Sky Academy
buscamos ir más allá, buscar las respuestas de cada uno y que se conviertan en
mejores músicos, instrumentistas y –esperamos– mejores personas.
The Jimi Hendrix Concerts.
-El proyecto “A Different Side Of Jimi Hendrix” fue un tributo musical a la figura musical de
Hendrix. Incluso una de las actuaciones se grabó y televisó por parte de
la TV alemana. ¿Qué opinión tienes sobre este tipo de
actuaciones?
Hubo un tiempo en el que era muy popular hacer este
tipo de conciertos, con repertorio completo de Hendrix; me solían llamar
para este tipo de shows. He tocado recientemente con músicos como Steve Vai
o Steve Morse en el Guitare Festival. También actué con Deep
Purple en el Guitare On Scene; toqué antes que ellos y fue grabado,
pero no ha acabado de salir. La noche que tocamos con Steve Vai, Morse y
yo está registrado en vídeo y se puede ver en youtube.
-Además de los comentados anteriormente, ¿hay algún
otro festival que recuerdes de manera especial por el motivo que sea?
La verdad es que ha habido unos cuantos. El Legends Of Rock: Live At Donnington,
con Michael Schenker, Jack Bruce y UFO fue uno de los más importantes y
el vídeo que salió publicado de dicha actuación me parece realmente bueno. Ha
habido algunos más, desgraciadamente no se grabaron en vivo.
-Muchas gracias por tu amabilidad, paciencia y
cercanía con nosotros. Esta es la última pregunta. ¿Qué significa la figura
musical, artística y personal de Jimi Hendrix para ti?
Para mí es un genio, lo primero. Cambió
completamente la cara de la música en apenas cuatro años. Sin ningún tipo de
estudios musicales, tenía la inspiración de un genio. Creó un nuevo y completo
lenguaje musical. Pasarán doscientos años y la gente seguirá sin olvidar a Jimi
Hendrix. En lo que respecta al nivel personal aprendí mucho de él, sobre
inspiración, música, espiritualmente. Me siento muy cercano a él. Fue alguien completamente
único.
Dedicado a la memoria de Zeno Roth (1965 - 2018).
D.E.P.
Agradecimientos a Javier Terrones.
