Encuentros HUSH.
Este es un sitio musical, no nos engañemos, pero en el que nos vamos a acercar a la música que nos gusta desde distintos ángulos, cual prisma. Como ya dijo el añorado Jon Lord: la música es la forma de arte más elevada que existe; afirmación que, pese a disfrutar de otras manifestaciones artísticas, sostengo plenamente.
Clube de Adictos a Deep Purple
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Púrpura Chess
This blog is basically a musical site. Here we talk about the music we like, using different angles. As dear and missed Jon Lord once said: “Music is the highest kind of Art that exists”. I think the same way too.
El supergrupo The Circle -formado por el vocalista Sammy Hagar, el bajista Michael Anthony, el guitarrista Vic Johnson y el batería Jason Bonham; sí, el hijo del mítico John Bonham- se entretienen durante estos días de reclusión practicamente mundial haciendo lo que mejor saben hacer: música.
Supongo que, cada uno desde los estudios que seguro tienen un sus respectivos hogares, se han decidido a grabar y mezclar un puñado de canciones mandándose las pistas vía internet para luego mezclarlas y colgarlas de sus redes sociales. A tal proyecto lo han bautizado con el apropiado apelativo de Lockdown Sessions, cuya traducción vendría a ser algo así como las sesiones del encierro o del confinamiento. Un divertimento que no tiene intención de ir más allá de lo que se vé a simple vista, pero que sorprende por la calidad, tanto en la ejecución como en la mezcla final; no en vano estos tipos son músicos de una calidad fuera de toda duda.
Nos presentan un par de versiones: "Won't get fooled again" de los Who y "Good enough" de los omnipresentes Van Halen; no en vano tanto Hagar como Anthony son dos ex miembros del grupo del genio de la guitarra Eddie Van Halen, del que nos acordamos desde aquí y le deseamos una pronta recuperación en el proceso de salud que le tiene alejado de la vida pública. La otra canción es una divertida nueva composición titulada "Funky feng shui" y destila el calor y buen rollo que impregna todo lo que toca Sammy Hagar, un tipo que es capaz de hacer que brille el sol hasta en la mismísima fría penumbra. En el escaso par de minutos que duran cada una de las tomas consiguen que un semblante de alegría se pinte en nuestros sufridos rostros; en especial me ha volado la cabeza la versión de "Good enough", pero que buen tema y que cosa tan resultona se han marcado así como el que no quiere la cosa. No faltan los comentarios cachondos de un Sammy al que es imposible imaginarle confinado y muerto del asco en el salón de su casa, más bien lo visualizas en la terraza de su mansión en Cabo Wabo, saboreando un tequila bien frío mientras la brisa de la paradisiaca playa que tiene en frente le ilumina el semblante. En fin, que nos birndan un poquito de eso que tanto añoramos y ponen su particular rayo de luz en estos días inciertos.
Una sección de nuestro colaborador Paul Martín Simón.
¿Pudo existir el trío Roth, Bruce y Powell?
¿RB&P?
La unión en 1966 de tres músicos consagrados como el guitarrista Eric Clapton -ex Yardbirds y Bluesbreakers- con los ex Graham Bond Organisation, el bajista Jack Bruce y el batería Ginger Baker, supuso la aparición del primer super grupo de la historia del Rock: Cream.
En apenas tres años y cuatro álbumes el trío revolucionó los esquemas del Rock con su mezcla de Blues y Rock Psicodélico en largas improvisaciones.
Tras la ruptura en 1969, cada miembro siguió sus carreras en solitario. Jack Bruce alternó sus fantásticos discos en solitario con intentos de repetir la fórmula de power-trío de Cream, que tanto influyó en su momento. Lo intentó en 1972 con los ex Mountain, Leslie West a la guitarra y Corky Laing en la batería, como West, Bruce & Laing. Repitió intento con el guitarra Robin Trower y su batería Bill Lordan, como BLT, y ya en los noventa con el guitarra Gary Moore y su antiguo camarada Ginger Baker bajo el apelativo de BBM.
En 1979 Jack, asombrado por la música del ex Scorpions Ulrich Roth -Uli Jon, para los amigos- con su trío llamado Electric Sun, contacta con el músico alemán con la idea de formar un nuevo trío junto al reputado batería Cozy Powell. Inesperadamente Uli rechaza la oferta -dato que desveló por primera vez en exclusiva en esta entrevista-, pues no estaba interesado en el formato trío, aunque paradójicamente tenía a Cream como una de sus grandes influencias.
Sin embargo, años más tarde, Jack colaboraría en el dvd del concierto de Uli titulado "Legends Of Rock. Live At Castle Donnington" del año 2002. Así mismo Jack Bruce tocó en los muy recomendables discos de Cozy Powell bajo los títulos de "Over The Top" en 1979 y "Tilt" en 19821.
No nos consta colaboración entre Uli Jon Roth y Cozy Powell, pero no nos cabe duda sobre la magia y poderío que hubiera tenido la conexión de Bruce, Powell y Roth.
Se acaba de de colgar de las redes sociales el primer adelanto del esperado disco de canciones de Elvis por parte de Danzig. Hace apenas un par de días nuestro emtrañable Glenn Danzig decidió compartir por fin con el resto de los mortales que deseen escucharlo el primer adelanto del tan anunciado y esperado por algunos de nosotros disco de versiones de Elvis Presley. El título de esta obra, como no podía ser de otro modo, reza de la siguiente manera: "Danzig Sings Elvis". Dicho disco tiene prevista su salida al mercado en próximo viernes 17 de Abril; sí, en medio del terrible desastre de esta pandemia mundial provocada por el COVID-19 nuestro cantante favorito ha considerado que es el momento adecuado para lanzar al mundo su nueva obra. Desde luego que son buenas noticias dentro de este mundo que se ha tornado tan gris de un día para otro. Este disco lo lleva anunciando Glenn desde poco después que saliera su estupendo "Deth Red Sabboath", allá por el año 2010, por lo que para muchos de nosotros nuestro particular Via Crucis de diez años esperando parece que va a llegar a buen puerto. En estos últimos años el cd de versiones de Elvis era tema recurrente en el universo paralelo de Glenn. Casi siempre que le hacían alguna entrevista salía el tema a relucir y nuestro inimitable Evil Elvis venía a decir lo mismo: que lo estaba preparando poco a poco, cuando disponía del tiempo y la actitud adecuados y que tenía prevista sacarlo pronto. No hay problema, el mundo de Glenn Danzig gira de manera distinta al del resto de los humanos y supongo que está bien así, si nos sigue regalando música tan buena. Hasta ahora Danzig había publicado una estupenda versión del clásico "Trouble" en su disco "Thrall: Demosweatlive" -con una parte final de órdago- y "Let yourself go" en el disco de versiones "Skeletons" publicado en 2015.
La canción escogida como adelanto es la versión del clásico "One night". Un tema que grabó Elvis en 1957 tras darle muchas vueltas a la letra definitiva y que se convirtió en todo un hit single al año siguiente. Conviene comentar que no es un tema propio. La composición original corresponde a Smiley Lewis, un bluesman negro que la grabó un par de años antes. Bajo el título original de "One night (Of sin)", Lewis obtuvo una considerable repercusión en las listas. No obstante, como hacían la mayoría de grandes artistas de los años cincuenta, dicha canción alcanzó un reconocimiento masivo cuando El Rey se fijó en ella y publicó su versión un par de años más tarde. Era habitual que artistas famosos de los años cincuenta realizasen versiones de temas de otros compositores que, aunque ya se hubiesen publicado con anterioridad, solo alcanzaban los primeros puestos en las listas al ser versionados por ellos.
Smiley Lewis.
Elvis Presley.
La versión de Danzig bucea en ese espíritu cincuentas. El tema está ligeramente ralentizado en su tempo, al más puro estilo de Glenn, para conseguir ese fondo de marco tenebroso y siniestro tan característico suyo. La música también guarda una secuencia nada estridente, al servicio de la voz principal del propio Danzig y permitiendo que brille en un primerísimo plano con un toque casi reverencial hacia la propia figura de Elvis. Todos los elementos de la música que ha hecho famoso a Danzig en casi el mundo -menos en España- están aquí presentes: la mezcla musical Sabbath/Metal/Blues tan densa y particular comandada por la personal voz de Glenn, resultado de una amalgama imposible entre Jim Morrison, Howlin Wolf y el propio Elvis. Muchos más cantantes de los que uno no imagina a primeras han tomado referencias del propio Danzig, gente como Ian Astbury o Don Dokken a partir de los noventa, por mostrar un par de ejemplos, muestran muchos de los rasgos vocales del entrañable tío Glenn.
Si me apuras tras escuchar este "One night" podríamos hablar de una canción con un toque raw, algo así como una cosa hecha a pelo, cruda, sin pulir y buscando una vuelta a las raíces. Una música en segundo plano al servicio de la voz principal. Curisomente apenas se acaba de publicar la canción y ya se ha generado bastante polémica sobre la misma; nuestro amigo Glenn, que siempre va de la mano de la discusión. Parece ser que a la gente no le gusta el tratamiento de la música, dicen que está muy baja en la mezcla final o que directamente está mal producida y que parece una maqueta. En estos días inciertos en los que casi nadie compra discos originales, en los que me atrevería a afirmar que la mayoría de los que se los descargan ni los llegan a escuchar enteros... y casi ninguno más de tres veces, resulta curioso como todo el mundo parece ser que tiene un productor dentro de su ser y se permiten criticar alegremente lo que les llega a su oreja a través de la tarjeta de sonido de su ordenador desde una pista de Youtube -que casi nunca se puede comparar con el sonido final de un disco original-; pero todas estas consideraciones dan igual, el caso es poner a parir al personal. En fin.
Por mi parte esperaré a escuchar el disco al completo, como debe ser, para sacar conclusiones. Lo que sí tengo claro es que alguien como Glenn Danzig -que, por cierto, ha vuelto a contar con el guitarra Tommy Victor como su mano derecha y eso ya es sinónimo de calidad- seguro que se rompe los cuernos como cualquier músico que se precie de serlo para presentar un producto final con el sonido específico que busca o que tiene en su cabeza cuando compone cada disco que ha puesto en el mercado. Otra cosa es que no te guste; en ese caso el asunto es sencillo, no te lo compres, no te lo grabes o, si no eres capaz de domar tu propia ira, grábate tu propio disco y lo dejas a tu gusto.
De cualquier modo, no se me ocurre una mejor manera de afrontar nuestro amado/odiado confinamiento de estos días que con nueva música de Danzig que llevarte a la boca.
La evocación de este mes está dedicada al grupo navarro Sparto. Esta banda pamplonica era -y
es, pues en la actualidad vuelven a estar activos- fiel representante del Heavy Metal ochentero que se hizo en el
norte de España en aquellos años, contaba con un grupo numeroso de seguidores,
los ‘spartanos, y abrió
definitivamente las puertas a los sonidos más metálicos en una ciudad donde
solía acapararlo casi todo el llamado Rock
urbano.
Pero comencemos por el principio. El grupo se fundó allá por 1983 y en
esos primigenios tiempos el guitarra Tito
Trujillo también se ocupaba de la voz. A él le acompañaban Koldo Pino (guitarra), Txutxo Villarroya (bajo) y Txus Casanova (batería). Pero enseguida
entró Ion Pino como cantante y así Tito pudo dedicarse exclusivamente a
las seis cuerdas, estableciéndose así la formación clásica de la banda. Durante
unos años el grupo se curtió en directo y se forjó un nombre en la escena
rockera de su provincia, hasta que en 1987 se hicieron con la victoria en el II Concurso de Rock de Navarra. A
partir de ahí, la banda comenzó una escalada en popularidad que les llevó a ser
conocidos en todo el país, gracias también a su primer paso por el estudio en
el que grabaron el trabajo titulado ‘Todos
Juntos’, publicado por Damitor
en 1988. Ese mismo año también salió a la luz un mini lp ‘Víctimas, Héroes’, editado por Arión, que era el premio del Gobierno de Navarra por su triunfo en
aquel certamen.
Ése fue el momento de mayor apogeo del grupo, pues su prometedora
carrera se vio lastrada por el cambio de cantante que sufrió la banda en 1989. Ion Pino tuvo que abandonar por motivos
laborales y fue sustituido por Christian.
Con esta formación se grabó el lp ‘Entre
dos fuegos’, publicado en 1992 por Urantia. Sin embargo, y a pesar de que Sparto contó cierta repercusión a nivel
nacional, el cambio de cantante fue determinante para que el grupo no fuera a
más.
Tras unos años de separación, en 1996 Sparto
se volvieron a juntar con Koldo Pino
(guitarra), Tito Trujillo
(guitarra), Txuto Villarroya (bajo),
Txus Casanova (batería) y Jorge Arca (voz) para grabar un tema en un cd recopilatorio de grupos de Rock navarro. La Asociación de Músicos de Iruña (A.M.I.) fue la encargada de promover este disco y Sparto participaron con el tema "El puto". Años después, con este mismo line up el grupo está viviendo una
segunda juventud en busca de más ‘spartanos’.
De hecho, en 2018 celebraron el aniversario de los 30 años de la banda sacando
al mercado un digipack de dvd en directo con todos sus clásicos y cd en el que
incluyó su primer trabajo y su mini lp reeditados. En dicho cd además se
añadían temas de maquetas y nuevas composiciones, alguna hasta en japonés.
Actualmente siguen tocando por doquier. Sin ir más lejos iban a actuar
en el Renacer Metal Fest que estaba
anunciado precisamente para este primer fin de semana de Abril en la sala Universo Rock de la madrileña localidad
de Pinto. Lamentablemente como todos sabemos, debido a la pandemia del Coronavirus, este y todos los demás
espectáculos están aplazados. Seguro que todos unidos podremos superar esta
adversidad. Más que nunca hay que tenerlo claro: Quédate en casa.
Una sección de nuestro colaborador "Thomas Anderson".
Ñu y la Cantiga.
Ya dedicamos en el pasado un artículo a la extensa y prolija relación
de Jose Carlos Molina y sus Ñu con la cultura medieval y sus
manifestaciones. Hoy nos vamos a centrar en exclusiva en un experimento que
realizó allá por 2000 en su disco titulado “Cuatro Gatos”, cuando se
animó a convertir en canción un fragmento de una de las obras cumbre de la
literatura medieval universal, “El Libro de Buen Amor”, escrito por Juan
Ruiz, el conocido como Arcipreste de Hita. En realidad la idea y la composición correspondió a Jorge Calvo, multiinstrumentista en las filas del grupo en aquella época, y a un antiguo compañero suyo llamado Jesús Alberto Arenas Esteban,coautor de la música de dicha composición. Por aquel entonces Molina quiso hacer a Jorge este maravilloso regalo al que añadió los arreglos y la voz.
Estamos hablando del mil trescientos y pico cuando se compuso este
libro, no es moco de pavo el tiempo transcurrido hasta nuestros días. Se trata
de un complejo compendio de historias tanto en prosa como en verso en las que
se asaltan multitud de temáticas de la época, sugiriendo un amplio abanico de
influencias al tiempo que consolidándose como obra de la mamarían un sinfín de
creaciones posteriores. La heterogeneidad del conjunto proviene principalmente
del hecho de que el autor fuera escribiendo relatos independientes (no todo son
narraciones, también existen rezos dedicados a la Virgen, por ejemplo) que en
un determinado momento decidió amalgamar en una única obra.
Sin embargo y como bien indica el título, lo que marca la pauta son
escritos que tienen que ver con la experiencia del Amor en cualquiera de sus
manifestaciones; sí, entre ellas la carnal, en efecto. Como adivinaréis tras
leer los textos más abajo, los dos protagonistas debieron de acabar muy pegados
el uno al otro en el interior de algún catre al final de la historia. Si
subrayo esta cuestión en concreto es por el hecho de que Juan Ruíz fuera
miembro del clero eclesial de la época; teniendo en cuenta el desapego y el
rechazo que en la actualidad la Iglesia Institución mantiene en relación a
estos asuntos, no deja de ser curioso que todo un Arcipreste como lo era
el autor se atreviera a tratar en su obra un tema tan controvertido.
Arcipreste de Hita.
Como sabréis, las dos fuentes fundamentales de expansión del arte
literario en el medievo fueron los clérigos (lo acabamos de comentar) y los juglares
(o trovadores). El primer caso era conocido como el Mester de Clerecía(al que Juan Ruiz perteneció, como es evidente), que gracias a sus
mejores recursos y posibilidades ponían por escrito las historias que querían
contar. En segundo lugar estaba el Mester de Juglaría, quienes darían
difusión a la creación literaria a través de la tradición oral y/o musical. Un
poema convertido en música sería conocido entonces como CANTIGA, y aquí
nos encontramos al fin con el título del corte compuesto por Jorge Calvo.
En efecto,Jorge Calvo coge un poema concreto del “Libro
de Buen Amor” y lo convierte en una cantiga. Ni que decir tiene que el
fondo musical creado por nuestro amado juglar para alojar el citado poema
parece traído del mismo medievo por algún viajero en el tiempo. Ya no solo el
enfoque compositivo, sino la instrumentación y la producción nos trasladan
directamente a la Sierra de Guadarrama en el mismísimo 1340 (bueno,
igual las eléctricas y la batería todavía no estaban inventadas, pero no nos
olvidemos de que esta sección va de Rock, jeje). Una maravillosa
genialidad con la que los Ñu dejaron a sus fans con la boca abierta en
una época en la que quizá ya no eran esperables demasiadas sorpresas a este
respecto.
Ahora tan solo falta que llegue el ansiado día en que Jose Carlos
se anime a publicar eltrabajo
monográfico que nos tiene prometido centrado en la figura del archiconocido Cid
Campeador. Esta es una de esas cosas que querría degustar antes de irme al
otro barrio, pero que por alguna extraña razón tengo la sensación de que no voy
a poder ver cumplida; y no porque crea que la vaya a palmar pronto, sino porque
no veo al Molina lo suficientemente enchufado como para meterse en una
aventura semejante a estas alturas de su carrera.
Os dejo primero el texto de la canción y con posterioridad el texto
original de la que está extraído. Como veréis, ademas de la adaptación del
castellano antiguo, hay ligeras variaciones en los versos para una mejor
conjugación con la melodía. Vosotros diréis, pero a mí me parece una monumental
obra de arte.
