ABBA: “Waterloo” 40 aniversario Eurovisión.

En estos días se cumplen cuarenta años de la participación y triunfo de ABBA en el infame Festival de Eurovisión; sí, ese engendro directamente surgido del infierno con el que nos martirizan cada primavera y que puede que lo único bueno que haya hecho por la vida haya sido formar parte de la biografía de este cuarteto sueco tan excepcional como único. Perfectamente se puede decir que la interpretación del tema “Waterloo” en dicho evento supuso la lanzadera definitiva al éxito masivo y posterior reconocimiento que desde entonces ha venido disfrutando el grupo de Ann Frid Lyngstad, Benny Andersson, Bjorn Ulvaeus y Agnetha Faltskog (sus iniciales forman ABBA) hasta el día de hoy.

                                                          Abba: "Waterloo"

Lo de este grupo siempre me ha resultado extraño. Olvidaos de Michael Jackson, Rolling, Sinatra, Beatles o Beach Boys; el grupo más famoso y reconocido de la vida es ABBA, auténticos e indiscutibles números uno. Son alabados por prensa, músicos de diferente pelaje y por la gente de a pie por igual. En cuestión de nueve años, entre 1973 y 1981, compusieron ocho discos repletos de números uno en casi cualquier rincón del mundo. Se separaron en el año 82 y puede que sea el único grupo famoso que no se ha vuelto a juntar. Desgraciadamente, en estos tiempos que corren, esto es una señal de integridad única.
Acumulan millones de discos vendidos, no os engañéis, han vendido y siguen vendiendo más que nadie. Abba llevan colocadas la friolera de 400 millones de copias vendidas; todo esto sin contar las descargas digitales, que seguro hacen engondar la cifra final bastante más. Practicamente todo el mundo -obviando desgraciadamente al Tercer Mundo que cada día matamos un poquito más-, y cuando digo todo me refiero a todo, conoce o ha escuchado alguna canción de este singular grupo. Incluso pueden conocer los temas sin saber de qué banda son; en este caso ya se puede decir que has alcanzado la categoría de super estrella y a buen seguro que nuestros queridos suecos se encuentran dentro de aseveración. Te vas a casi cualquier hogar de casi cualquier país en el que haya al menos una perosna que tenga treinta años o más y seguro, seguro, que en alguna estantería te encuentras un vinilo, casssette o cd que lleve en su lomo marcado el nombre de ABBA. Solo Elvis está por delante en cuanto a número de ventas, pero ya está muerto. O no.

Desde luego fue un milagro que estas cuatro personalidades coincidieran en el mismo eje espacio temporal y decidieran crear música juntos. Benny y Bjorn componían todas sus canciones, un éxito masivo tras otro. Cogieron toda la herencia melódica de Beach Boys, Beatles y de Phil Spector con su mítico Wall of Sound, la mezclaron con la incipiente música disco de esos años y le dieron a todo una espectacular y personalísima vuelta de tuerca creando un híbrido musical impactante a la vez que brillante. Las dobles voces, los juegos corales y esos arreglos de otra galaxia explotan en tu cabeza dejándote sin argumentos y haciéndote caer rendido ante sus pies. Y todo eso en un par de minutos. No en vano Christofer Johnsson -guitarrista, bajista, pianista, cantante, arreglista... y alma mater del grupo Therion- ya dijo públicamente de ellos que le parecía un milagro que cuatro personalidades de semejante tamaño artístico y creativo hubiesen tenido la fortuna de haber vivido y coincidido en el mismo lugar, en el mismo tiempo y que además se hubiesen conocido para hacer música juntos. Therion realizaron una estupenda versión del clásico "Summer night city" del grupo sueco y que retomaremos después. 
La realidad es que uno puede coger casi cualquiera de las canciones de este mítico cuarteto y comprobar la maestría y aparente sencillez con la que estos tipos conseguían impregnar cada uno de sus múltiples matices en apenas dos o tres munotuos de música, obteniendo un todo homogéneo y redondo. 

                                                              Abba: "Voulez Vous"

Aquello duró solo diez años, imposible durar más. Benny y Bjorn llevaron a su grupo a sus respectivas parejas, Agnetha Faltskog y Frida Lyngstad respectivamente. Primera y esencial regla de oro dentro del mundillo de la música: nunca incluyas en tu grupo a tu pareja, acabará mal.

Ambas parejas se casaron y divorciaron durante el recorrido musical de Abba, incluso siguieron manteniendo al grupo unido tras sus rupturas; pero supongo que no debe ser lo más agradable del mundo tocar música al lado de tu ex pareja. Desde luego.
La realidad es que la ruptura de sus respectivos matrimonios  acabó derivando en la propia ruptura del grupo. Agnetha y Bjorn se casaron en 1971 y se divorciaron en 1980, mientras que Anni Frid y Benny hicieron lo propio en 1978 para separar sus caminos en 1981. El último concierto en directo de ABBA tuvo lugar en 1982 y, aunque nunca anunciaron de manera oficial su separación, la realidad es que el grupo se disolvío mientras sus miembros iniciaban nuevos proyectos en solitario. Triste, pero cierto: la unión sentimental de dos músicos de un mismo grupo sin duda refuerza su capacidad creativa y establece una conexión que refuerza lo musical, pero como se produzca una ruptura sentimental en esa relación lo cierto es que el grupo pasa a estar herido de muerte. Imagino que sencillamene eres incapaz de volver a ver a diario la cara de aquella persona que te ha roto/le has roto el corazón. Ejemplos a lo largo de todos estos años hay a puñados, algunos documentados hasta la saciedad, que resultan tan tristes como apasionantes. Igual algún día nos paremos en alguno de ellos en profundidad.

Tras la ruptura de la banda en 1982 les han vuelto a ofrecer reagruparse en infinidad de ocasiones, desde que lo dejaron hasta el día de hoy. Han llegado a recibir ofertas de hasta mil millones de dólares por una gira de reunión, una cifra mareante y de la que muy, pero que muy pocos grupos y super estrellas puedan presumir. Pero no, Abba permanecieron fieles a sus principios y rechazaron tan suculenta cantidad. “No quiero ni imaginar el tener que volver a ponerme esos trajes” dijo Benny en su momento. Este hombre debe de ser un cachondo. Genial.
No obstante, en un mundo tan enfocado al vil metal como el nuestro, veremos cuánto tiempo pueden soportar Benny & Co sin tentar a la suerte, liarse la manta a la cabez y volver a enfundarse en sus atómicos e imposibles ropajes.

                                         ¿Pero quién demonios era el asesor de imagen de este grupo?

Siguieron sus respectivas carreras por separado. No necesitan dinero porque están forrados, supongo que con razón. Han caído en la tentación de montar musicales sobre el grupo, que por supuesto son un éxito allí donde se representan.

Copiados por todos, esos arreglos únicos marca de la casa son una referencia que otros tantos músicos, coetáneos suyos y actuales, tienen bien presente. Incluso nuestro querido y odiado Ritchie Blackmore los tiene como una de sus guías espirituales en ese pastiche que supone su actual andadura de Blackmore’s Night (con cantante femenina incluida).

                                                Blackmore's Night: "Writing on the Wall"

En el 2004 Frida se descolgó con una preciosa colaboración en el tema “The Sun will shine again”, incluido en el disco del maestro Jon Lord: “Beyond the Notes”. Frida y Jon fueron grandes amigos y ella tuvo unas bonitas palabras cuando Jon Lord falleció.

                                                Jon Lord & Frida: "The Sun will shine again"

Otra de las bandas que se ha atrevido con un tema de Abba ha sido Therion, que realizó una muy interesante versión de la canción “Summer night city”. Este grupo realiza una música Rock orquestal oscura, con matices góticos y alternancia de voces femeninas y guturales. Pero es que los temas de Abba son intensos y agresivos, por lo que esta revisión está plenamente justificada.

                                                     Abba: "Summer night city"

                                                    Therion: "Summer night city"

El clásico “Gimme gimme gimme” ha sido versioneado por gente tan dispar como el guitarrista sueco Yngwie Malmsteen o Madonna.

                                               Abba: "Gimme gimme gimme". Live Wembley.

                                               Yngwie Malmsteen: "Gimme gimme gimme"

                                           Madonna: "Hung up". Sampler "Gimme gimme gimme"

Ojalá algún día estos cuatro músicos den su brazo a torcer y decidan subirse por última vez a un escenario a interpretar música juntos. Si eso ocurre podéis dar por seguro que el que esto firma hará todo lo posible por estar allí, perdonando hasta sus trajes si deciden recuperarlos.

Pd: Para evitar las legendarias confusiones sobre la identidad de las cantantes de Abba:

Agnetha.

Frida.

Entrevista a José Andrëa.

“Personalmente no sería nada sin Deep Purple. Jon lord fue muy importante en mi formación musical. Ian Gillan también. Tampoco me puedo olvidar de Ronnie James Dio, lo que hizo en “Rising” está aún por superar, desarrolló una nueva manera de cantar. La interpretación de “Stargazer” es de otra galaxia, es cantar Ópera con el Rock”.

“El siguiente disco de Uróboros se llama “Resurrección” y te puedo decir que ya está prácticamente terminado”.

“Me alegra que hoy día, en las fiestas de los pueblos, la gente le pida a la orquesta canciones como Fiesta Pagana o Highway Star. Los trabajos de Mago de los que más orgulloso estoy son: Jesús de Chamberí, los arreglos de El Lago y Gaia I”.

Ahora que Jose Andrea se ha recuperado plenamente de sus dolencias físicas y se encuentra en plena gira americana, compartimos con vosotros esta entrevista que concedió a HUSH Magazine mientras estaba promocionando por España el primer disco de su banda Uróboros. La entrevista se hizo antes de los problemas de salud que tuvo hace unos meses y en ella nos cuenta sus actuales sensaciones con su nuevo proyecto musical así como repasa su pasado musical, tanto en Mago de Oz como en otras formaciones musicales.

- Cuál es tu primer recuerdo musical. Cuando decidiste que te querías dedicar a la música.

Creo que estaba en el antiguo tercero de EGB, tenía unos ocho o nueve años. Estábamos en clase y mi profesor, Miguel se llamaba, nos ponía en fila en la clase y nos hacía preguntas, si acertábamos nos adelantábamos hasta la salida. Un día nos dijo que contestáramos cantando y conseguí hacerlo bastante bien, incluso rimando. Habló con mi madre para que participara en el coro, recuerdo que me daba mucha vergüenza. Cuando finalmente fui allí resultó que estaban ensayando “Jesucristo Superstar”, recuerdo que se hacía en play back. El caso es que cuando lo escuché y lo vi, en play back y todo, decidí que quería ser cantante. Estamos hablando del año 1983. Se dio además la casualidad de que tenía unas facultades y no tenía nada de ganas de trabajar en nada que no fuera la música.

- Que tipo de música te ha marcado, ha tenido una impronta en tu descubrimiento e interés por la música. ¿Difiere mucho de la música que escuchas hoy en día?

Me acuerdo de pasar una nochevieja escuchando sin parar “Made In Japan” de Deep Purple, era la primera nochevieja que me dejaban salir por ahí, tenía unos once años. Recuerdo que a altas horas de la madrugada, después de haber consumido cosas, estaba en casa de un amigo y en mi cabeza seguía mi paranoia con el disco, me dejó totalmente cautivado. Incluso me imaginaba a mí mismo cantando las canciones.

En cuanto a cantantes Gillan me marcó desde ese momento, también a Blackmore o Jon Lord que en paz descanse, los he seguido en la distancia. Te fijas en su forma de entender la música, de componer, de saber rodearse de según qué músicos, y notas que tienes una sintonía tanto musical como emocional.

Recuerdo, cuando Mago de Oz fuimos a México, una frase que Jon Lord dijo de nosotros en general y de mí en particular. Cuando le preguntaron por nosotros dijo que nos conocía y seguía, que “Ronaldo Jaime” (Dio) se lo había recomendado. Y de mí dijo que era uno de los cantantes más carismáticos que había escuchado en habla hispana. Ese recuerdo lo llevaré siempre con honor.

En cuanto a gustos musicales de hoy día, para que me fije en algo tiene que ser radicalmente raro o irreverente. Un grupo que me ha llamado la atención han sido los Black Kids, por su descaro y desparpajo, además tienen una música y unos arreglos interesantes. Si nos vamos más cerca te puedo decir que Kiskilla y Chino tienen unos conocimientos musicales que me asombran, no solo de Rock, sino de Blues, Jazz o Fusión. Todo está inventado o no, depende de la manera de abordar tu música. Es una cuestión de talento, ser capaz de sonar, más allá de las posibles influencias que puedas tener. Es el problema de los críticos, no solo se trata de buscar los parecidos con otros grupos, sino de ser capaz de interpretar esa música. Hay grupos que hacen un tipo de música que ya han hecho muchísimos grupos, pero le dan su propio toque y originalidad; de eso se trata, ahí es donde está el talento, en dar la vuelta de tuerca que solo tu banda sea capaz de interpretar.

-Estoy de acuerdo contigo, aquí el importante es el artista.

Se trata de reconocer la capacidad de crear e interpretar de cada músico, de cada artista, más allá del estilo musical. Artista es aquel que te hace sentir tanto en su forma de tocar, de trabajar, tiene algo especial que le hace único. De todos modos es muy difícil quitarte de encima un estereotipo, una vez que el público te identifica de una manera característica te dejan “marcado”. Aunque solo nos quejamos del estereotipo cuando no nos va bien, ja ja.

- ¿Has cursado estudios musicales? ¿Además de cantar tocas algún otro tipo de instrumento?

En un primer momento se trató de lanzarse a tocar y punto, con toda la inocencia del asunto. Tuve profesores y gente entendida que me asesoraron bien y me empujaron para ser cantante, me dijeron que tenía lo necesario para ser buen cantante: voluntad, talento y facultades.  Estudié en el Conservatorio de Madrid, tengo el título de profesor de canto profesional, me refiero a cantante clásico, no hay en España una titulación de canto moderno. Era una carrera de diez años que hice en seis, porque tuve profesores que me apoyaron y animaron. Me gusta mucho también el lado didáctico del asunto. Hay muchas cosas subjetivas y maravillosas en el canto, se trata de meterte en la mente del alumno, hacerle comprender y degustar esos matices subjetivos. Cuando consigues que tu alumno lo note te inunda una sensación de satisfacción. Me motiva mucho mi faceta de dar clases de canto.

- ¿Cuál fue la primera banda en la que formaste parte? ¿Qué nos puedes contar de esos inicios?

Recuerdos de mucha ilusión. Todavía trabajo con la buena gente de aquella época. Con Uróboros he recuperado esa sensación de volver a ilusionarme investigando, aunque pienso que esa ilusión inocente del que empieza ya no se va a poder reproducir jamás.

-¿Recuerdas la primera vez que actuaste en directo? ¿Cómo fue?

La primera vez fue en las fiestas de Fuencarral. Estaba estudiando canto en La Factoría, míticos locales de ensayo madrileños, y uno de los temas que tocábamos era “Child in Time”. Recuerdo que cuando me vi encima del escenario, no eran más de cien o doscientas personas pero para mí eran como veinte mil, los nervios me hicieron interpretarla de un modo que no me llenó demasiado. Sin embargo mi madre me dijo que lo había hecho fenomenal y me animó mucho a seguir cantando. Luego hice mi primera Traviata en el conservatorio, me dieron matrícula de honor y pensé que no iba por mal camino. Hasta hace muy poco pienso que no se me ha reconocido mi trabajo en el mundo clásico, cuando interpreté la canción “El Lago” de Mago de Oz creo que se me empezó a ver como el primer músico de Rock que ha cantado dentro de la perspectiva clásica. Otros cantantes del ámbito del Rock como Leo o Fortu me han agradecido los conocimientos que introduje, como llevar elementos del Clásico al Rock y viceversa.

En América, en cualquier academia de canto se trabaja la interpretación. “Jesucristo Superstar” se debe cantar de una determinada manera, es un musical, hay que entonarlo y darle un cuerpo característico. Si quieres hacer musicales tienes que bailar, y esto es algo que todavía no se trabaja. Desde la emisión del programa Operación Triunfo se empezó a trabajar, recuerdo que por aquel entonces me ofrecieron en Barcelona una cátedra para enseñar esos aspectos. No lo hice, en esos momentos estaba al 100% con Mago de Oz y me resultó imposible. Me hubiera gustado mucho hacerlo.

- ¿Cómo recuerdas tu primera experiencia en un estudio de grabación?

Fue antes de Mago de Oz. Recuerdo que venía de cantar de modo natural y me extrañó mucho cuando me pidieron que repitiera algo que ya había cantado, el concepto de coger la toma adecuada, repetir solo un fraseo, en definitiva, trabajar como si fuera un laboratorio de corta-pega. Recuerdo que me chocó mucho que me hicieran repetir solo una parte de lo cantado, hasta que me di cuenta que la grabación es un producto que debe quedar perfecto de cara al fan que lo escucha. La voz se graba tres veces y se superpone para que coja más cuerpo al escucharla, eso no es real, pero es lo que se suele hacer en las grabaciones de estudio. Esa ha sido mi lucha constante, eso no es real y no lo quiero, pero es lo que quiere la compañía. Lo cierto es que así lo hace todo el mundo. Mi voz no suena igual en “Gaia II” que en “Jesús de Chamberí”, en “Gaia II” grabé la voz veinte veces y suena distinto, tiene otro cuerpo, aunque a mí me gusta más la grabación real, sin doblar tantas veces las voces.

-Piensas más en lo que se lleva al directo.

Exacto, “Gaia II” “engañia” jaja, cuantas más voces metas mejor sonará pero no es real. Estoy satisfecho de poder volver con mis actuales compañeros a grabar unas voces más reales. Queremos ofrecer con nuestro próximo disco las pistas para que las puedas trabajar tú mismo en tu ordenador. Si tienes Pro Tools o algún programa parecido te vamos a dar el disco y las pistas del single para que veas como se ha grabado. Eso sí, si lo quieres te va a costar un poco más, pero creo que es algo único para el fan. Está pensado como regalo para la gente que se lo quiera comprar, para que haga su propia mezcla.

-¿Colaboraste con la banda madrileña Grial? ¿Cómo se produjo tu participación?

Te has documentado bien. Mi amigo Miguel, Fernando y José Ángel, muy buena gente. Participamos en un concurso en la antigua Sala Canciller, la primera, la de Alcalde López Casero, con Mariano García. Hablamos de hace más de veinte años. Nosotros éramos clásicos de los bares de Vicálvaro, para acabar en Canciller, algo afectados por el alcohol, jaja.

Esa maqueta se grabó en unos estudios en Malasaña. Ensayábamos en unos locales en Arturo Soria, en nuestro local había ensayado Morís y Mari Trini. Son recuerdos del primer grupo semi profesional, estaba en quinto curso de canto. Lo cierto es que iba un poco de “sobraete”, para que mentir, lo tenía un poco creído porque cantaba Traviata y Ópera. Era muy joven, la verdad. Las pruebas de sonido con Mago duraban cinco minutos y para el hotel. Con Grial, para los cuatro o cinco bolos que dimos, estábamos mil horas hasta que sonaba lo mejor que podíamos.

-¿Qué tipo de música hacíais en el grupo?

Lo cierto es que no me acuerdo. Ensayábamos en los locales de La Nave, por Pacífico, y hacíamos una versión de “Burn” que sonaba increíble.

-¿Por qué se terminó tu colaboración en esta banda?

Me acuerdo ahora mismo de dos bolos, uno en Malasaña y otro en el que les dejé “tirados” porque también tocaba en una orquesta de pachanga. Tocábamos de teloneros de Cristina Rosenvinge y Rey Loriga y, como tenía el bolo con la orquesta, al final les tuve que dejar tirados. No me siento orgulloso de ello, son errores que se cometen.

-¿Qué hiciste después de Grial?

Me fui al extranjero a estudiar, intenté abrirme un camino como contratenor, pero es difícil que una persona como yo se abra camino dentro de un ambiente tan cuadriculado y refinado. Cuando volví a España entré como profesor de canto en IMT, tenía veintidós años aunque un buen currículum, con mucho pedigrí porque sus profesores estaban titulados en el EMI de Los Ángeles, de todos modos mi titulación se equiparaba mucho a la suya. Trabajaba tres días a la semana, de nueve de mañana a diez de la noche dando voces. Me gustaba bastante.

                                                                                                                                                                                            

-¿Cómo se produjo tu entrada en Mago de Oz?

Daba las clases por la zona de Prosperidad, en el cruce de Avda América con Cartagena, y recuerdo que les fui a ver a un concierto que dieron por allí cerca. Me parecieron interesantes, curiosos. Tras el concierto Txus se acercó a mí para pedirme un alumno aventajado para su grupo, le dije que no había problema y al final me presenté yo mismo.

-¿En algún momento pensaste que la banda llegaría hasta el nivel que alcanzó contigo?

Para nada, el asunto fue grabar el disco y ver qué pasaba. Un error mío fue pensar que iba a hacer todos los arreglos que me diera la gana por mis conocimientos musicales. Es un error pensar en uno mismo, hay que pensar siempre en el grupo. Me dijo Moha que se trataba de Rock duro. Por aquel entonces estaba loco con Chick Corea o Alan Holdsworth y puede que mis miras fueran demasiado altas. Al final decidimos hacer algo que la gente entendiera pero que fuese rico musicalmente.

-¿Estaban los temas de “Jesús de Chamberí” compuestos cuando llegaste a la banda? ¿Participaste en la composición de alguna manera?

Esta fue mi primera grabación completa como disco, antes había hecho cosas con Rana DF y Grial, pero eran demos y cosas así. “Jesús de Chamberí” fue una eclosión total, hubo una especie de impás en el panorama del Rock duro español tras la edición de este disco. Antes los cantantes de Rock tenían unas maneras y creo que ayudé a que se produjera un cambio. En mis estudios anteriores en el extranjero me había preparado bastante, había hecho una tesis sobre Ian Gillan, otra sobre Camilo Sesto. Sabía lo que tenía entre manos. Pienso que he marcado un antes y un después dentro de los cantantes de Rock en España, incluso Leo fue alumno mío. No me avergüenzo de lo que pude aportar al Rock duro en España en esos años. Antes había unos cantantes y, después de mí llegada, hubo otros.

Parte del disco estaba compuesto, ellos tenían talento, pero no tenían los conocimientos musicales  que yo había adquirido después de toda mi experiencia y estudios. Cuando me pasaron la famosa maqueta de Auri con cuatro temas (“Jesús de Chamberí”, “La Canción de Pedro”, “Almejandría” y otra más) para mí eso fue simplemente el punto de partida, había que elaborar todo el disco, los arreglos… Yo tenía una carrera musical, unos estudios y conocimientos amplios y certificados. El único que tenía algún estudio, aunque de tipo más básico, era Mohamed; podía leer una partitura, pero no hasta los niveles que estaba acostumbrado a trabajar en mi formación académica. Los temas compuestos estaban bien, pero había que trabajarlos mucho a todos los niveles. Otro problema es que para la producción no había ni un duro. Aunque el resultado fue cojonudo sobre todo de cara al público.

Los trabajos de Mago de los que más orgulloso estoy son: “Jesús de Chamberí”, los arreglos de “El Lago” y “Gaia I”. En los demás hubo muchas cosas personales. Pienso que les enseñé mucho en cuanto a recursos musicales: doblar guitarras en tercera, usar teclados para bases, mezclar pianos…se puede jugar con muchos elementos para embellecer una canción y darle ese plus especial.

-Estás muy satisfechos de los arreglos.

Estoy muy orgulloso de los arreglos de “Jesús de Chamberí”, hay cosas realmente trabajadas e interesantes, no pienso que estén al alcance de cualquiera, se introdujeron algunos recursos técnicos y se trabajaron los arreglos de una manera que me resulta muy acertada y que dieron un nuevo empaque a las canciones.

                      Mago de Oz: "Hasta que tu muerte nos separe" ("Jesús de Chamberí")

-¿Alguna canción que te llegue especialmente?

“La Última Cena”, el inicio de “Gerúndula”, el principio de esta canción lo arreglé pensando en la parte central de “Gates of Babylon” de Rainbow, me gusta la belleza armónica que conseguí en esa parte del tema. El inicio de “El Fin Del Camino”, que es un acorde dórico sobre Mi, también es interesante. Se trataba de usar elementos técnicos que conoces para que aquello suene especial, aunque luego la gente no lo note.  Creo que el legado que dejé en la banda es este, esos pequeños arreglos usando elementos técnicos del lenguaje musical. Luego, cuando te olvidas de este vocabulario específico y lo escuchas, te das cuenta de lo bonito que suena. Esa es la clave.

-¿Por qué regrabar los temas para el disco “La Bruja”? ¿Para adecuarlos a tu voz?

Fue idea de la compañía, se dio cuenta de nuestro nuevo potencial. A Locomotive se le encendió la luz de los beneficios económicos, tenían los masters en analógico y pensaron en añadir mis voces al disco.

Teníamos nuestra mascota, nuestro “Eddie”, con la imagen de la Bruja. “Jesús de Chamberí” estaba pegando fuerte, sacamos “La Bruja” regrabando algunos arreglos y mi voz, ese verano estuvimos de plena actualidad. Fueron grandes momentos para el grupo, junto con la edición posterior de “La Leyenda De La Mancha”, “Finisterra” y “Gaia I”, después llegaron los problemas.

-¿Qué recuerdos tienes del disco “La Leyenda de La Mancha”?

El disco tenía ese punto que demostraba que éramos buenos e inocentes, esos primeros momentos del grupo. Con el paso del tiempo te puedo decir que estoy muy satisfecho del resultado final. Tal vez cambiaría algo aquí y allá, con las nuevas tecnologías todo puede sonar mejor, pero si se toca acabas con el espíritu del disco. Seguro que si a Blackmore le das la posibilidad de regrabar “Ritchie Blackmore’s Rainbow” lo cambiaría de arriba a abajo, pero seguro que no lo haría por que desaparecería esa magia que el disco original tiene. Este disco tiene ese no sé qué que qué sé yo, jeje.

-¿Te gustan los álbumes conceptuales?

Se trataba de hacer algo que llamara la atención. En realidad este disco no es conceptual, solo hicimos que juntar las canciones. La idea era hacer algo original sin que lo sea: disco conceptual. Hasta que no coges el libreto no ves la unión. La compañía nos animó, como funcionó “Jesús de Chamberí” había que seguir el filón.

-¿Hubieras cambiado el sentido de estos discos?

No. Me vinieron muy bien, compré varias casas, je je. Sinceramente la cosa fue mucho más simple, medio en broma se nos ocurrían las ideas y tirábamos para adelante con ellas. Si había que hablar de ciegos y musas se hacía. Salió bien.

-¿Cómo recuerdas los directos de aquella época? Aún no erais tan famosos aunque sí muy conocidos.

Una locura, sobre todo la gira de “La Bruja” y las posteriores. Una auténtico desfase. Vivimos a tope el estilo de vida del Rock, te podría contar cosas que no te creerías. Una vez recuerdo que, cuando despertamos en la habitación, había pisadas en el techo. No voy ni a hacer el esfuerzo de intentar recordar porqué ocurrió, piensa lo pasados que podíamos estar. Vivimos a tope todo el exceso. Tampoco es que me enorgullezca, no es para presumir de ello, ni  mucho menos. Ahora soy mucho más consciente de lo que disfruto tocando música y en mi grupo. Con Mago, en los primeros años, lo pasé realmente bien, pero hay muchas cosas que no recuerdo, je je.

-Fuisteis muy famosos y debe ser complicado tener los pies en el suelo siendo famoso.

Para que nos vamos a engañar, si obtuvimos éxito. A nosotros nos pilló cerca de nuestros treinta, si nos llega a coger con dieciocho o veinte seguro que no estábamos aquí para contarlo. Hablaba con Mohamed diciendo que seguro que lo que teníamos se iba a romper. Fuimos muy grandes, ahora lo que me toca es esto otro. Lo que me gusta es que la gente reconozca mi labor didáctica. El otro día recibí un email de un alumno preguntándome como había dado el do de pecho en “Astaroth”, me llena de orgullo que se reconozcan algunos de mis logros.

-Con “Finisterra” se produjo vuestro despegue y éxito masivo ¿Qué recuerdos tienes?

Dimos un salto cualitativo a otro nivel. Recuerdo que fuimos los más malos y los más buenos a la vez. Nuestro tema “Fiesta Pagana” de pronto sonaba y era un éxito o sonaba y no gustaba porque nos radiaban en los 40 principales. Me alegra que hoy día, en las fiestas de los pueblos, la gente le pida a la orquesta canciones como “Fiesta Pagana” o “Highway Star”.

“Finisterra” fue algo así como el techo. Cuanto más alto llegues más fuerte vas a caer. La grabación podía haberse hecho mejor, pero fue un disco doble cuando antes no se había hecho, entró en listas de ventas comerciales cuando otros no lo habían hecho, tuvimos nuestro festival propio en España cuando nadie lo tenía. Creo que esto no lo ha hecho ningún grupo de Rock español, Warcry está en camino, en un momento muy grande, pero aún le queda algo.

-¿Qué me cuentas el proceso compositivo?

Hubo muchas tensiones, cuando se empezó a ver dinero aparecieron los problemas. Por ejemplo, Txus firma “La danza Del Fuego”, y no hay nada ilegal en ello, pero puede que haya algo inmoral, pues es una melodía medieval, lo suyo hubiera sido aclararlo en los créditos.

-Sobre la saga de “Gaia”. ¿Desde el principio teníais claro que queríais hacer cuatro discos? ¿Cómo se fue madurando la idea?

“La Leyenda de La Mancha” resultó más directo. “Gaia I” era algo más rebuscado, y creo que con los siguientes el grupo acabó por perder el norte. Todo se volvió complejo y recargado.

-Tenéis algunas versiones de la saga Purple: “El templo del Adiós” (Temple Of The King), “Somewhere Over The Rainbow”, “En Nombre De Dios” (Gates Of Babilon),  ¿Qué influencia ha podido tener la saga Purple en Mago de Oz y en ti personalmente?

A nivel personal te puedo decir que no sería nada sin Deep Purple. Jon lord fue muy importante en mi formación musical. Un tema como “Child In Time” y sus fraseos, su intermedio jazzistico, fue básico en mi manera de entender y disfrutar la música. Ian Gillan también fue esencial para mí. Tampoco me puedo olvidar de Ronnie James Dio, maestro entre los maestros, Gillan tiene sus puntos y sus agudos, pero cuando escuché “Rising” con Dio descubrí otra cosa. Aquello fue marcar un punto de inflexión. Para mí hay un antes y un después en el mundo del Rock y de la música, “Bohemian Rhapsody” y Rising. A partir de ahí viene todo. Lo que Dio hizo en el disco “Rising” está aún por superar, desarrolló una nueva manera de interpretar. La interpretación de “Stargazer” es de otra galaxia, la emotividad y técnica, como “operizó” el Rock. “Stargazer” es cantar Ópera con el Rock. Marcó el camino a seguir.

La versión de “Temple Of The King” la modifico muy poco, se merece un respeto y no me atrevo a cambiar nada. Las versiones las hacíamos cuando alguien llegaba con la idea de trabajarlas.  Si te fijas verás que “Soldado de Fortuna” o “Rainbow Eyes” son canciones que me gustan personalmente. También hacíamos en directo “Guilty Of Love”, esos son los cantantes que me han marcado desde siempre.

-¿Cuál de los cuatro te trae mejores recuerdos o te sientes más orgullosos? ¿Y cuál fue más difícil?

Solo me gusta hablar de los discos que grabé hasta “Gaia I”, los demás “Gaias” y “La Ciudad De Los Árboles” no eran mi historia. Para mí, Mago de Oz se acabó en “Gaia I”. A partir de allí tomamos otros derroteros, llegaron los trajes y toda la historia, se recargó mucho el asunto. Hay que decir que la compañía apoyaba esta línea. Recuerdo que durante la promoción de “Gaia II”, en una firma de discos en Murcia, había unas cuatro mil personas, aquello parecía un concierto. Pienso que el grupo se nos escapó de las manos, con los disfraces y todo eso. No me sentía nada cómodo con las capas y la imagen, no me encontraba en mi sitio. Ahora siguen con la misma línea y se están convirtiendo en una parodia.

-¿Manifestaste directamente en el grupo tu desacuerdo con esa dirección y estética que seguía la banda?

Claro. Con otros miembros lo hablábamos y a nadie le gustaba, pero cuando llegaba la hora de hablar con todo el grupo al completo el único que lo decía era yo. Sin querer se acabó convirtiendo en un roce entre Txus y yo, pero la verdad es que el resto del grupo tampoco veía esa nueva dirección. No debería haber ningún problema para comentar libremente lo que nos parecían las cosas, no había odios ni nada por el estilo, solo que cada uno ve las cosas de una determinada manera.

-¿Se produjo un desgaste en las relaciones del grupo?

Lo cierto es que así ocurrió, en el fondo se trataba de seguir “arando con ese buey”. Había la posibilidad de cambiar de buey, de arado, pero no podíamos. Eran “lentejas”, ya sabes. A mí me disgustaba mucho esta situación. Cada vez me disgustaba más observar todas las neuras y tonterías del personal. Ojo, que yo mismo tuve mis neuras y tonterías en las giras de “Jesús de Chamberí” y “La Leyenda de la Mancha”, lo reconozco. Pero seguir en esta dinámica quince años después no tiene sentido. No tiene sentido montar una escena en el aeropuerto porque no te quieras quitar un cinturón o una gorra de metal en los controles, no te puedes cargar la gira de treinta personas porque vayas de “estrellita”.

-¿Por todo esto abandonaste Mago de Oz?

Abandoné por mi salud mental y física, hubo un momento en que no aguantaba más todas las cosas que te he comentado.

-¿Qué debería haber pasado para que siguieras en la banda? ¿Hubieras cambiado algo?

Echarlos a todos, no, es broma. La verdad es que ya estaba hablado, se trataba de no seguir adelante con ese tipo de comportamientos por parte de Txus. A mí no me importaba decírselo, pero quería que el resto del grupo me respaldara, cosa que, a la hora de la verdad, no se producía. La gente quiere pagar sus facturas y no quiere líos.

-¿Piensas que deberíais haber tomado descansos entre los discos?

No creo que tuviera solución. Txus había cambiado completamente, no conectaba nada con esa pose y esa actitud. No tenía los pies en el suelo, con veinte años estaba con él a muerte, pero actualmente ninguno estábamos en su misma onda, lo que ocurre es que era yo el único que lo manifestaba públicamente.

-Como resumirías tu estancia en esta banda.

Mi vida, lo he pasado muy bien y muy mal. He vivido muy bien y me he hecho conocido con el grupo. Me siento muy orgulloso de mi estancia en el grupo, nunca lo voy a borrar de mi vida.

-¿Te planteas volver a la banda?

No, no quiero.

-Tú quieres ir donde el corazón te lleve.

Exacto, tú lo has dicho.

-Tu disco en solitario “Donde El Corazón Te Lleve” salió en el 2004 ¿Qué te llevó a hacer un disco en solitario con versiones de temas lentos de Rock?

Eso surgió como una idea de la compañía de discos Locomotive, para hacer caja. Se les ocurrió hacer un disco de versiones con un cantante de moda, aprovechando también que Txus escribía. No pidieron los permisos de la mayoría de las versiones de los temas originales, este dato lo descubrimos cuando les demandamos posteriormente. Todos sabemos cómo acabó esta compañía. Se vendieron unas 37.800 copias y yo cobré solo por 4.000, este dato lo sé por una auditoria que nos hicieron los de la SGAE en la época de los Gaias. Ninguno vimos un duro con todo aquello. Un desastre.

-Los músicos que te acompañan lo hacen francamente bien: Jorge Salán, Joaquín Arellano, Sergio Cisneros “Kiskilla”, Sergio Martínez, Patricia Tapia. ¿Por qué los escogiste? ¿Habías trabajado antes con ellos?

Ya había tocado con todos ellos, nos conocíamos perfectamente. Hubo un para de músicos que no pudieron colaborar porque tenían contrato con otra compañía. No llegaron a un acuerdo entre compañías y me quedé sin su participación.

-¿Quién hizo la selección de los temas?

Algunas mías, otras de Jorge Salán y otras de Txus. Fue complicado porque todos teníamos una selección de doscientas canciones. Me quedé en el tintero una versión del tema “We’ll Burn the Sky” de Scorpions que me hubiera gustado mucho incluir. En un principio se planteó hacer un disco doble, incluso dos dobles. El álbum salió por san Valentín, se había pensado sacar uno primero para el día de los enamorados, otro para Navidad y otro para el siguiente febrero. Al final se sacó el sencillo.

-¿Se quedó grabada alguna versión que no se editara? ¿Algún tema más que te hubiera gustado hacer?

No, solo grabé lo que está editado. Si Locomotive tiene algo más grabado lo desconozco.  Como he dicho me hubiera gustado hacer “We’ll Burn the Sky” de Scorpions, “When A Blind Man Cries” de Deep Purple…unas cuantas. Teníamos “In Trance” en la recámara, muchos temas.

-En particular te quería preguntar por la versión de “Soldier of Fortune”. ¿Algún recuerdo de este tema?

A ti te gusta y otros me crucificaron por esa versión, sobre todo por haberla escogido. Hay gente que quería que la cantara igual que David Coverdale y eso ni puede ser ni tenía sentido. También hay gente que me dijo que gracias al disco descubrió esa canción y, sin embargo, me preguntaron cómo me atreví a grabarla. No lo entiendo.

Estoy muy orgulloso de todas las versiones que hice. Otra cosa que haría sería regrabarlo, así como no cambiaría nada de “La Leyenda De La Mancha”, con este disco haría cosas distintas a nivel de arreglos y coros. Cuando lo grabé era bastante joven y le tenía mucho respeto a los originales, hoy día experimentaría más con ellos.

                         Jose Andrea: "Pregúntale a Dios" ("Donde el Corazón te Lleve")

-¿Tienes en mente hacer algún otro disco en esta línea?

No, ahora lo que tengo en mente es mi disco con Uróboros. No está el panorama actual para grabar muchos discos.

-Asistí al concierto que hicisteis los Uróboros en el Orange Café dentro del Festival Noise Off. Debo reconocer que no me gustó mucho el sonido ¿Qué te pareció esa actuación?

A mí tampoco me gustó el sonido. Tocamos versiones porque la compañía no nos permitió interpretar temas del nuevo disco que habíamos grabado. No recibimos un gran apoyo de la compañía, sobre todo para las actuaciones en directo. No es tanto descontento, sino desconocimiento por no saber hasta donde te va a apoyar la compañía de discos; ellos me dejaron muy claro que eran solo mi distribuidora, aunque se permitían sugerir que pasos tomar y cuales no.

-Vuestro primer disco se llama “Uróboros”, como el grupo. Reminiscencias de Whitesnake o Dio, en el single “El Tren”. ¿Es un compendio de tus gustos musicales? ¿Cómo de personal es el disco?

Tiene las influencias de lo que has mamado. Me buscaba a mí mismo. De hecho “El Tren” estaba compuesto antes de Mago, puede tener veinticinco años. Kiskilla y Chino le dieron un lavado de cara perfecto. Si escuchas las grabaciones que tenía suena a grupito de quinceañeros, Chino y Kiskilla la convirtieron en lo que suena ahora.

                     Jose Andrea y Uróboros: "El Tren". Vídeo clip oficial ("Uróboros")

- ¿Usasteis canciones compuestas de antes o es todo material nuevo?

Hay una mezcla de todo, se compusieron canciones específicamente para este proyecto y recuperé alguna idea del pasado. El disco tiene doce canciones más una y siete son temas de esa época anterior a Mago, pero el oyente lo escucha como un todo. Esta homogeneidad se consiguió gracias a Chino y Kiskilla, que son excelentes músicos y hacen suyas las canciones, son como el sexto dedo que me hace falta en la mano.

-Me gusta el disco. Suena muy fresco.

Es que eso era lo que buscábamos. Desgraciadamente, hoy en día, estamos acostumbrados a grandes superproducciones y se ha perdido ese elemento de espontaneidad. Buscamos hacer algo que se pueda llevar al directo de manera fideligna, que cuando escuches el disco y nos veas en directo no notes los cambios, sino que veas a una banda interpretar música como suena en el disco. Se trata de volver a algo básico pero que suene bien, que esté bien hecho.

-¿Por qué las versiones de Alarma y de Mago, “Frío” y “La Canción De Los Deseos”?

“La Canción de los Deseos” es porque tiene una firma, un sello. Ese “tiritití” o aire festivo que se le dio en Mago nunca me acabó de gustar, la letra tiene otro sentido más profundo, más ético, buscando mejorar algo en este mundo cada vez más difícil. No me pegaba esa letra profunda con la música tan festiva, por eso le di una musicalidad nueva, buscaba algo más melancólico y profundo.

“Frío” representa la música con la que he crecido, desde mi adolescencia me he rodeado de Purple, Alarma, Leño, Mermelada y grupos así. Esta canción es de mi época de los parques, los litros y los casetes escuchando esas canciones. Esos domingos por la tarde en febrero mientras escuchabas “Frío” y, ciertamente, te estabas helando.

-¿Qué importancia le das a las letras? ¿Cuánto hay de autobiográfico o personal en el disco y las letras?

Las letras, las que debo, unas cuantas, ja ja. En serio, me importan todo y nada. Tengo un humor algo raro y atípico, puedo hacer una letra profunda o dura, cuando un padre ve nacer a su hijo, o hacer algo más desenfadado, como “Ni afilado ni medido”, que tiene que ver con una paranoia sobre no tener ni un duro y que la hice en la época en que tenía problemas con la compañía y muchas letras de las primeras que hemos hablado por pagar. Hay que saber equilibrar entre el cachondeo y la seriedad. Es muy importante ser capaz de reírte de ti mismo. “A Cubazos” es un ejemplo de cómo reírme de mí mismo, para no ser un idiota es mejor mirarte al espejo y ser capaz de reírte de ti mismo.

Claro que hay un matiz autobiográfico, algunas letras están hechas en el periodo desde el 2011 al 2012, por lo que representan mucho como estaban mis emociones por aquel entonces. Eran sensaciones muy encontradas, tenía mucha inquietud por saber si las decisiones tomadas eran acertadas o erróneas. Había bastante de mis vivencias personales que, por otro lado, es un recurso muy normal para escribir letras y canciones. Todo lo que te pase en la vida forma parte de tu bagaje, y es muy interesante usar todas estas experiencias para compartir transformadas en canciones.

-El grupo: Kiskilla, Juan Flores “Chino”, Pedro Díaz “Peri” y Juanjo Frontera. ¿Cómo se fue gestando su presencia en tu banda?

Ellos fueron mí única elección, lo tenía clarísimo. Aparte de ser excelentes personas son músicos excepcionales, con una base y unos conocimientos de cultura musical impresionantes. Son capaces de darle a cada canción, a cada ensayo, los toques o matices que les comentes. Vamos, son extraordinarios, tenemos una especie de conexión a la hora de culminar el sonido de las canciones.

-¿Cómo están resultando los conciertos con Uróboros?

Es mucho más fuerte el recuerdo de estos cuantos conciertos que he hecho con Uróboros que toda mi etapa en Mago de Oz. Por fin vuelvo a disfrutar en el escenario, improvisar y mirar a mis compañeros. Aparece ese elemento de espontaneidad que hace quince años que no experimentaba en un escenario.

Cuidado con la comparación que voy a hacer, estos bolos me recuerdan de algún modo a los directos de Deep Purple de la época del “Made In Japan”, esa posibilidad de improvisar o arriesgar. Ahora busco pasarlo bien en los conciertos, disfrutar de las canciones que tocamos y de cómo las interpretamos.

-¿Qué planes de futuro más cercano tiene José Andrea, grupo y persona?

El siguiente disco se llama “Resurrección”. Está prácticamente mezclado y te invitamos el fin de semana que viene a que te pases por el estudio para que escuches un tema en primicia del nuevo álbum. La letra, sin quererlo a propósito, viene a cuento del video que sacó Mago (N. de r: “Hechizos, pócimas y brujería”), incluso me lo comentó mi mujer.

-¿Qué nos puedes contar de este nuevo disco?

Bueno, te puedo decir que ya está hecho. Sin buscarlo, viene a cuento de lo que ha salido del último disco de estudio de Mago de Oz.

-Danos una rápida impresión de estos cantantes:

-          Ronnie James Dio: La técnica en grado sumo.

-          Ian Gillan: Calidad y cualidades.

-          Paul Rodgers: Gusto y feeling

-          Glenn Hughes: Uff, una bestia.

-          Little Richard: El principio de todo.

-          Joe Lynn Turner: Grandes cualidades para absorber lo que escucha.

-          David Coverdale: Perfecto discípulo de Paul Rodgers.

-          Steve Perry: Me gusta pero no me acaba de llegar, prefiero a Brad Delph de Boston, al primero de Survivor, o a Jon Anderson.

                       Jose Andrea y Uróboros: "A quien conmigo va" ("Uróboros")

Adrian Vandenberg - David Coverdale: “Sailing Ships”

Dentro de unas pocas horas la banda del rubio guitarrista Adrian Vandenberg, los Moonkings, iniciará su primer y único concierto español en la madrileña sala Arena. Cita obligada.

                                                      Vandenberg's Moonkings

El genial guitarrista holandés siempre va a estar ligado al grupo Whitesnake y a su singular cantante David Coverdale, con ellos disfrutó los días de gloria y ventas de platino de finales de los ochenta. No en vano es hasta ahora el guitarrista que más tiempo ha estado junto a Coverdale y a su Serpiente Blanca, catorce años (1986-99) con algún que otro intervalo. Participó en el superventas “1987”, “Slip of the Tongue”, “Greatest Hits”, “Restless Heart” y “Starkers in Tokyo”.

Lo cierto es que estos días no me los puedo quitar de la cabeza debido a la maravillosa canción que ambos se sacaron de la manga: “Sailing Ships”. Pasó totalmente desapercibida dentro del disco “Slip of the Tongue” y de las virguerías de Steve Vai (otro genio). Aunque no me estoy refiriendo a la estupenda versión de estudio, hablo de la interpretación que el dúo ofreció en el que constituye uno de los mejores discos de toda la carrera de Whitesnake: el delicado directo acústico “Starkers in Tokyo”. Lo grabaron en directo en un salón de la compañía de discos en la capital japonesa. Aquí no hay trampa ni cartón, ni efectos ni dobles voces ni ecos ni historias, solo una guitarra acústica y la increíble voz de Coverdale. A lo largo de los escasos cuarenta minutos que dura esta joya, David nos desnuda su alma demostrando que tiene la voz con más cuerpo y matices que este humilde escriba haya escuchado jamás, mientras Vandenberg le acompaña creando una atmósfera única con su elegancia y buen gusto a las seis cuerdas.

                                            "Sailing Ships". Versión "Starkers in Tokyo"

No me malinterpreteis, me encanta el David Coverdale de la furia desbocada y los agudos estratosféricos, lo que pasa es que ni esa es su verdadera voz ni puede defender esos agudos en directo. Sin embargo, cuando se deja de tonterías y baja el tono, sube la emoción gracias a esa deliciosa gama de matices con la que fue bendecido su registro vocal.

Este concierto acústico es una rara gema porque es único, solo ha repetido esta delicatessen cuando hizo una gira promocional por Europa para su directo “Still in the Night”. Vino a tocar a la FNAC del madrileño barrio de Callao. Concierto gratuito para unas afortunadas sesenta personas, yo me quedé fuera en la cola, claro, como otros cientos más. Pude ver en un cutre televisor casi sin sonido, cortesía de nuestro queridísimo centro comercial, algo del concierto hasta que, por motivos que no vienen al caso, tuve que marchar a una cita ineludible; recuerdo una interpretación acústica del tema “Ain’t gonna cry no more” que me puso los pelos de punta.

Adrian Vandenberg ha grabado bonita una versión de esta tema en su nuevo disco, titulado "Moonkings" como el nombre del grupo. Invitó al propio Coverdale a cantar las voces del tema, otro bonito detalle de alguien tan elegante como él. Debemos recordar que Vandenberg decidió un buen día dejar el negocio musical...para dedicarse a pintar... y ha regresado catorce años después!

La sola interpretación en directo de este tema justifica plenamente el precio de la entrada. Supongo que no la tocarán. Pero esto es marginal.

                                            "Sailing Ships". Versión Moonkings.

Solo espero que en el futuro se haga justicia y estos dos personajes vuelvan a juntarse en algún momento de sus vidas para ofrecer esa actuación acústica que saben que me deben, a mí y a miles de personas más.