David Lee Roth: Reunión “Eat’em And Smile” con Billy Sheehan y Steve Vai. “Shine a little more”.

Cualquier momento es bueno para hablar un poco de David Lee Roth. Un tipo que es capaz de condensar en su personalidad todo el reflejo de la industria del entretenimiento americana del último siglo no puede pasar desapercibido así como así. El vocalista de Van Halen o Diamond Dave, uno de los muchos sobrenombres que tiene este auténtico forajido curtido en mil y una batallas, alcanzó la fama mundial de la mano de Eddie Van Halen, aunque también es conocido por su interesantísima carrera en solitario; de hecho siguen los incesantes rumores sobre una posible reunión del grupo con el que grabó “Eat’em And Smile”, su primera obra en solitario y disco de platino en ventas.

Hace un par de años se anunció con un par de días de antelación un show en un club de Hollywood de un grupo formado por Steve Vai, Billy Sheehan y Gregg Bissonette –o sea, la formación clásica del primer disco de David Lee Roth en solitario–, acompañados por el cantante de Steel Panther y de un conocido grupo tributo a Van Halen llamado Ralph Saenz y con la sorpresa de la aparición de Diamond Dave para subirse a cantar un puñado de temas. El concierto fue suspendido por la policía local cuando el grupo estaba entre bastidores para subir a escena porque se había rebasado con creces el aforo permitido por la sala. No es broma, habían metido cerca de unas dos mil personas en una sala con una capacidad de algo más de quinientos asientos y se quedaron en la puerta sin poder pasar otros cientos más en una fila que rodeaba toda la avenida. La prensa abordó al propio David en la puerta de atrás de la sala para preguntarle sobre lo sucedido allí mismo, a lo que nuestro entrañable vocalista respondió con una broma y una sonrisa; eso sí, lamentándose por la gente que se había desplazado hasta la sala para ver la actuación sorpresa. Un día más en la vida de David Lee Roth. 

                         Steve Vai, G.Bissonette, David Lee Roth y Billy Sheehan. Formación original "Eat'em And Smile" Nov. 2015.

Hace unos escasos días Billy Sheehan volvió a hablar en los medios de comunicación sobre esa posible reunión, comentando que todo dependía de lo que dijese el propio Roth; por su parte estaba dispuesto en cuanto se produjese la llamada. Algo parecido comentó en su momento Steve Vai, otro tipo tan especial como Sheehan y que no necesita de ningún revival para brillar con luz propia, también ha declarado en los últimos tiempos que los músicos de la formación clásica que grabó ese álbum tan especial se suelen juntar cada año para rememorar buenos recuerdos y que solo es cuestión de tiempo y buena voluntad que se cuadren las agendas para subirse juntos a un escenario de nuevo. Estos tipos son tan buenos en lo suyo que se pueden permitir el lujo de hacer en la música lo que les apetezca y les diga su instinto… seguro que va a ser brillante.

                                                                Billy Sheehan y David Lee Roth.

Por su parte David Lee lleva años caracterizándose por no aparecer en absoluto en los medios de comunicación. Tras pasarse media vida expuesto a focos, se ha dado cuenta de que en estos tiempos de nuevas tecnologías y acceso tan inmediato a la información la mejor manera de publicitarse es permanecer en el anonimato. De este modo generan más expectación entre los fans. Y están en lo cierto: es más seguido por la prensa mundial un pedo que se tiren Dave Roth o Eddie Van Halen que los cientos de reportajes con los que a diario nos agobian una serie de artistas que no nombraré para evitarme problemas; da igual, rápidamente vienen a nuestra cabeza algunos de ellos.

Cuando hablamos de la música de David Lee Roth, tanto en solitario como con Van Halen, en seguida nos invaden unos cuantos títulos de esos que están grabados a sangre y fuego en la Historia del entretenimiento del último siglo. Sin embargo me apetece acordarme de alguno de esos otros temas, tan buenos o más que los archiconocidos, pero que no alcanzaron el estrellato. Hay canciones destinadas a reinar y otras encauzadas a ser degustadas por exquisitos paladares. De las primeras ya se encargan de contarnos cosas todos los demás, así que nos vamos a detener un poco en las segundas.

La canción “Shine a little love” es una versión de la ELO, convenientemente rebautizada aquí como “Shine a Little more”. No aparece en ninguno de los discos de Roth ni ha sido publicada oficialmente en ningún cd del artista. Sin embargo sirvió como parte de la banda sonora de la imposible película que nuestro insigne vocalista registró a principios del año dos mil bajo el título de “No Holds Bar-B-Que”. El imposible film tampoco llegó a publicarse oficialmente, únicamente se vendió como cinta de vhs en el merchandising de la exitosa gira conjunta que hicieron durante el verano de 2002 David Lee Roth y Sammy Hagar –el imposible Sam & Dave Tour– pasando a ser una de las piezas de culto del mercado coleccionista de aquellos años. Actualmente se encuentra en Youtube, aunque con menor calidad. Para más inri, el propio David estimó oportuno sacar otra edición de la película pero con su propia voz en off intentando explicar –o liar aún más– los diferentes sketches que conforman el metraje. Lo mejor de la cinta, además de algunos momentos impagables del propio Roth –un tipo cuya cabeza dejó de habitar este mundo hace bastantes años y que tal vez por eso sea tan especial–, es la música que esta contiene. Una banda capacitada para tocar Rock, Blues, Jazz, Swing, Pop, Soul, Blue Grass y lo que se le ponga. Todos los temas que se incluyen en el film fueron grabados para la ocasión, por lo que la banda sonora de la peli no tiene desperdicio… y que, por supuesto, tampoco está publicada. Ni que decir tiene que en las estanterías de mi habitación se encuentran las dos versiones de la peli más la BSO editada del propio metraje. En aquellos días los pasos de David Lee Roth eran más inexplicables que nunca y esto no fue más que otra deliciosa marcianada de nuestro encantador gigoló. Otro día hablaremos más en profundidad de este proyecto tan atómico. Solo como apunte diremos que con esta peli el bueno de David consiguió sacarse la espina que tenía clavada desde que se marchó de Van Halen en el año 1985 y se vino al traste el contrato que firmó con CBS Films para realizar una película en plan superproducción de Hollywood, por aquel entonces el film se presupuestó en unos veinte millones dólares. En aquellos años Van Halen eran los number one del mercado americano y David Lee Roth estaba en lo más alto de la fama y popularidad. Supongo que un ego tan grande como el suyo acabaría sacando de madre dicho proyecto. Para el casting del reparto femenino el propio David montó una fiesta de campeonato y los gastos se fueron sumando hasta que los altos ejecutivos de la compañía decidieron cancelar el proyecto. Curiosamente hace un tiempo acabó en mis manos el screenplay (o boceto del guion) definitivo de dicho film que, bajo el sugerente título de “Crazy From The Heat”, daría rienda suelta a toda la creatividad pasada de rosca del bueno de David. Finalmente Roth acabó publicando su autobiografía en el año 1996 bajo el mismo título. Lo dicho, toda esta fase cinematográfica tan peculiar de nuestro showman preferido habrá que retomarla más en profundidad en otro momento.

Pero quedémonos con “Shine a little more”, un estupendo ejercicio de Pop del bueno perfectamente llevado al terreno musical del irrepetible Diamond Dave. Parece mentira que un tipo que nació con una voz ideal para interpretar Blues –lo hace realmente bien, desde luego– tenga un gusto tan jodidamente bueno para las grandes melodías. Delirante una vez más el vídeo, extraído directamente de la propia película de la que hablamos al principio. Imposible de explicar con palabras, mejor verlo mientras cruzamos los dedos para que se decida a salir del anonimato de una maldita vez y nos haga cómplices de sus siguientes pasos en el mundo del show business.    

       

                                                   David Lee Roth: "Shine a little more". Versión extendida.

                                           David Lee Roth: "Shine a little more". Vídeo extraído del film "No Holds Bar-B-Que".

Entrevista a Bernie Torme. Nuevo disco: “Dublin Cowboy”

“Crecí con el Blues, lo quiero y me habla. Me parece estúpido cuando escucho a algún guitarrista sobre la simplicidad de la técnica del Blues, solo es simple si no lo tocas bien. Se trata de los tiempos y de cómo haces que suene cada nota, en el Blues todas las reglas están para romperse”.

“En lo que a mí respecta de repente la inspiración me viene, se trata de estar alerta cuando esto ocurre y estar preparado para atraparla. No busco un estilo en particular para componer, trabajo con las canciones y estas funcionan o no.”.

“El concepto de las grandes y ricas estrellas del Rock está muerto. La música sigue viva, que es lo esencial, pero actualmente no va bien”.

“Me encantaría que la formación clásica de Gillan nos volviésemos a juntar, aunque me parece poco probable; tendré que escucharlo del propio Ian. La verdad es que no me quita el sueño, él es un hombre ocupado dentro de una banda muy especial”.

“Creo que no hablo con Gíllan desde hace unos veinte años. De cualquier modo si volvemos a cruzarnos de nuevo será como si no hubiese pasado el tiempo. Somos hermanos, para siempre. Ninguno de nosotros va a ser joven nunca más, por lo que nada de lo que se pudiese volver a hacer sería comparable con la magia de aquellos años. No estoy seguro de que realizarlo por nostalgia fuese a funcionar”.

Siempre es un placer y un honor contar en estas páginas con la presencia de Bernie Torme. En esta nueva entrevista comentamos su nuevo triple disco, titulado “Dublin Cowboy”. De la mano de Torme repasamos su contenido, sus motivaciones para descolgarse con un triple disco en estos días en los que los grandes grupos tardan años en publicar nuevas obras y, en definitiva, pasamos un rato especial rememorando las mil andanzas de este auténtico cowboy del Lejano Oeste del buen Hard Rock.

-Tu última obra, “Dublin Cowboy”, contiene tres discos: uno de composiciones nuevas en estudio, otro nuevo en acústico y un tercero en directo. ¿En qué momento surgió la idea de lanzar un triple cd?

Además de ser una idea algo estúpida con la que lidiar, no fue algo que planease realmente. Quería hacer un álbum acústico, pero pensaba que nadie lo escucharía y mucho menos lo compraría, así que decidí hacer un nuevo disco en estudio también. De este modo el proyecto se convirtió en un álbum doble. Por otro lado me encontré con que tenía grabaciones de un concierto que ofrecimos en el norte de Reino Unido el pasado Enero de 2016 y empecé a pensar que por qué no realizar un triple álbum…

En realidad fue saliendo todo sobre la marcha, para nada un plan premeditado.

-¿Cuánto tiempo duró el proceso de composición y grabación del disco?

Bueno, algunas partes del disco de estudio eran temas sin finalizar de “Flowers & Dirt” y “Blackheart” (N. de R: Los dos discos anteriores de Torme), otras son incluso anteriores; si lo cuentas todo hay material de los últimos quince años, jaja. En realidad no es del todo cierto, tenía pistas de batería y algunos temas, en algunos casos las canciones fueron completamente reformadas a partir de las líneas de batería. Más de las dos terceras partes del disco son completamente nuevas. Las canciones del acústico son nuevas, aunque puedan llevar algunas pequeñas de ideas anteriores; suelo guardar riffs y fragmentos de temas que no se han terminado por los motivos que sean. Puede que en un principio no hayan acabado de funcionar, pero se quedan en tu subconsciente.

En términos de grabación y arreglos el proceso puede haber durado unos tres meses. No completos, trabajando de manera intermitente; por ejemplo, para el disco “Power Of The Blues” estuve trabajando durante casi todo el año 2001, regrabando voces o guitarras.

-El inicio del primer disco es clásico Bernie Torme con “Dublin cowboy” con esa guitarra solista en primer término. ¿Se puede considerar como una tarjeta de presentación de lo que el oyente se va a encontrar al escuchar el disco?

No estoy seguro de que el tema “Dublin cowboy” sea representativo del concepto musical de todo el disco puesto que el álbum es bastante variado, aunque definitivamente es bastante representativo de mí mismo.

-“Dublin Cowboy” es además del primer corte el título del Cd. Explícanos por qué escogiste este título para el disco.

Eso es porque realmente lo soy. Tengo un poco de cowboy en todos los sentidos y definitivamente de Dublín, así que pienso que todo esto me delata. Siempre quise ser un cowboy de los del salvaje Oeste, jaja.

                                                        Bernie Torme: "Dublin cowboy".

-Aparecen los elementos básicos de tu música y sonido característicos: Hard Blues, algo de Hendrix y tradicional irlandés, todo ello con tu guitarra solista al mando. ¿Buscas deliberadamente estos matices a la hora de componer y grabar o te sale de modo natural?

No los busco. No intento componer canciones pensando en eso, recuerdo que Keith Richards decía que siempre intentaba mantener su antena preparada en cuanto a tomar ideas, riffs o canciones. Me pasa un poco así. En lo que a mí respecta de repente la inspiración me viene, se trata de estar alerta cuando esto ocurre y estar preparado para atraparla. Siempre he compuesto mucho material, en el pasado podía resultar algo frustrante cuando estabas en un grupo y se trataba de tocar más que de componer. En el grupo de Gillan inicialmente fue así, se me contrató para tocar y no para componer. Esta situación fue cambiando, pero incluso entonces no había muchas oportunidades puesto que Colin Towns era un gran compositor. Conscientemente daba un paso atrás para dar oportunidades a las ideas de los otros. También he estado en la situación de escribir música para artistas que te lo demandan, aunque no está mal prefiero que las ideas fluyan de manera natural, sin ningún propósito específico. Creo que las buenas canciones surgen al margen de estos procesos.

No busco un estilo en particular para componer, trabajo con las canciones y estas funcionan o no. No se trata de algo inamovible, que una canción sea Rock, Folk irlandés o Blues. Por ejemplo, el tema “Shine” del disco acústico era originalmente una canción en eléctrico, con matices Blues y Hendrix. Sin embargo no me acababa de encajar y probé en acústico, con un punto psicodélico. El resultado me gustó mucho más.

-“Hair of the dog” me parece un gran corte con un sabor al Classic Rock de los años ochenta, me devuelve un cierto aire a la época de “Back to babylon”. ¿Qué nos puedes contar de este tema?

Muchas gracias. Estaba metido en las grabaciones de este nuevo disco y pensé que sería interesante recoger un poco de ese aire rockero, algo con sabor al Rock Sureño de gente como ZZ Top o con reminiscencias al “Sleeping on the job”; a las audiencias les encantan estas cosas. Después de realizar varios arreglos resulta que acabé volviendo a la canción que tenía en un  primer momento. Es una canción de amor… al alcohol.

-Sigues optando por componer y publicar nuevos discos, manteniendo un elevado nivel compositivo y defendiendo esos temas en tus directos. ¿Qué tal resultó la campaña de crowdfunding que pusiste en marcha para le realización de este nuevo triple álbum?

Agradezco tus palabras. Estuvo muy bien, muy divertido. Realicé varios vídeos para los mecenas que me preguntaban cómo tocaba algunos temas de mi etapa en Gillan, de hecho tuve que volver a revisarlos para acordarme, pero fue realmente divertido. También puse a su disposición algunas demos sin publicar, de temas como “Unchain your brain” y alguna que otra grabación desconocida de los primeros tiempos. Fue algo así como una fiesta de tres meses de duración. Me gusta estar de alguna manera estar en contacto; a otros artistas no les gusta, pero a mí sí.

-El sonido final es muy bueno, sobre todo en estos tiempos que corren en los que todo está bastante sobre producido. Te haces cargo de la producción. ¿Cómo resultó llevar a cabo esta tarea?

Trabajo en mi propio estudio. Está a disposición de otros grupos, de hecho UFO han estado recientemente trabajando; mucha cerveza consumida, jaja. Pese a que lo uso de una manera comercial, tengo mucho cuidado de que no sea así al cien por cien. Me gusta disponer de tiempo para poder trabajar en mi propia música. No soy un especial amante del dinero, no necesito tener ningún Porsche ni nada por el estilo. Me gusta la música y lo que hago así que, pese a habitualmente me encuentro en un estado de potencial bancarrota, disfruto de la posibilidad de disponer del estudio cuando quiero componer o tocar. Habiendo dicho esto, también debo comentar que no me gustan demasiado los estudios de grabación, en seguida me pongo nervioso y no quiero que las grabaciones se eternicen. Colin Towns siempre me dice que no debo mirar al reloj cuando estamos trabajando en el estudio, la cuestión es que no quiero estar cuatro años para grabar y re grabar algo que al final nunca parce terminarse. De este modo el crowdfunding funciona bien, es como en los viejos tiempos: hay que terminar de grabar en una fecha determinada.

No es fácil producirse a uno mismo, ni hacer de ingeniero de sonido. La edad ayuda. Tengo claro cómo sueno y no se trata de sonar como otra gente. Llegar a estas consideraciones lleva su tiempo. Es difícil que te guste cómo suenas a menos que seas un narcisista y yo no lo soy. Nunca volví a revisar mis antiguos discos.

-El disco contiene dos piezas de carácter más lento, “Time (Has take its toll)” y “Already gone”, que cierra el primer cd de manera magistral. ¿Qué importancia tienen para ti los temas lentos y sinuosos en tu música?

Crecí con el Blues, lo quiero y me habla. Me parece estúpido cuando escucho a algún guitarrista sobre la simplicidad de la técnica del Blues, solo es simple si no lo tocas bien. Se trata de los tiempos y de cómo haces que suene cada nota, en el Blues todas las reglas están para romperse. Aquí la guitarra es una voz. Estoy especialmente orgulloso de “Already gone”, una guitarra directa al amplificador, sin pedales. Pienso que la emoción llega por sí sola.

-En este primer cd encuentro un interesante balance entre los temas más rápidos y otros más densos y calmados, decantándose la balanza tal vez hacia estos últimos. ¿Te parece haber logrado ese equilibrio entre cortes más rápidos y otros de menor cadencia?

Probablemente sea cierto. Me encanta el material rápido, el groove y el lento. Es como una buena comida preparada de diferentes maneras.

-“Power to the Blues” lleva una interesante base rítmica, algo así como una mezcla de elementos nuevos con la guitarra solista. ¿Qué opinas de esta canción? ¿Escuchas a grupos o solistas actuales que te gusten?

Me gusta este tema porque para mí fue diferente, de hecho era tan diferente que no lo iba a usar en un principio. Es algo antiguo y nunca encontré el lugar para ubicarlo en otros discos. Rehíce las voces y algunas guitarras, aunque esta canción ha convivido conmigo durante bastante tiempo antes. Es mi homenaje a Stax. Saxos barítonos y todo eso.

El único Hard Rock nuevo que escucho es el pinchan mis hijos; hablamos de Sabbath, Korn, Slayer o Rage Against The Machine, así que ni siquiera es tan nuevo. Puedo escuchar cosas más actuales que ellos ponen también, realmente escucho de todo. Aunque estoy más interesado en el material clásico y el Blues, para ser sincero.

-Me ha llamado también mucho la atención la canción “Janus Pt 1 & 2”, la primera es más contenida y el final es uno de tus solos marca de la casa con un cierto toque épico. ¿Cómo surgió la idea de grabar este tema con sus dos partes?

Esta canción trata sobre ser un outsider. Siempre feliz de serlo pero interesado en el actual referéndum de Reino Unido. Soy irlandés, no británico, pero he vivido en Reino Unido de un modo más o menos continuo desde 1974, con la excepción de un par de años en USA. Mi hermana me regaló un análisis de DNA hace poco por mi cumpleaños: parte escandinava, parte irlandesa, un poco del oeste europeo, ruso y finlandés; cien por cien perro callejero, jaja. Quizás trata de comunicar algo con la música. Más allá de nacionalismos, todos somos humanos, respiramos, vamos al baño y nos preocupamos de nuestros hijos.

La parte acústica es una cosa, la eléctrica intenta presentar de una manera más orquestal y en un modo no verbal lo que estaba sintiendo emocionalmente. La estructura del tema es similar a “Presences”, del disco “Electric Gypsies”. Me gusta esa estructura entre acústica y semi orquestada.

-Has recibido buenas críticas en la prensa especializada. ¿Cómo valoras la acogida que está teniendo por ahora el disco?

Está fenomenal. La verdad es que no esperaba que la respuesta fuese tan positiva.

-¿En qué estado te parece que está actualmente la industria musical? ¿Cómo la ves en el futuro?

Me disgusta bastante. Los grandes sellos musicales buscan desesperadamente hacer dinero con esa basura Pop barata o con esas reediciones sin fin. No invierten en grupos de Rock o en cualquier otro tipo de bandas en general. El concepto de las grandes y ricas estrellas del Rock está muerto. Esto es algo que realmente no me importa demasiado. La música sigue viva, que es lo esencial, pero actualmente no va bien. No obstante me agrada ver que el último disco de Deep Purple está funcionando tan bien en Europa. Gran álbum.

ACÚSTICO.

-Esto ha supuesto una agradable sorpresa y te tengo que felicitar. Siempre has tocado piezas en acústico en tus anteriores discos pero este es tu primer disco completo acústico. ¿Por qué hacerlo ahora?

Siempre quise hacer un disco acústico, solo se trataba de encontrar el momento adecuado.

-Este segundo disco comienza también con el tema “Shine”, largo, denso e intenso. ¿Qué nos puedes contar de esta canción? ¿Se puede considerar como una declaración de intenciones?

Como comenté antes, la tenía desde hacía tiempo. Originalmente era una pieza con esa onda Hendrix y Blues, pero algo no me acababa de encajar. La probé en acústico, encontré ese rever genial y ocurrió. Me hubiese encantado grabarla con una duración de cuarenta minutos, para ser honesto.

-El sonido del acústico es desnudo, directo, áspero e intimista. Si me permites es como la esencia de tu sonido en eléctrico pero llevado a la guitarra acústica. ¿Buscabas este tipo de sonido deliberadamente?

No estoy del todo seguro, demasiada desnudez me puede llegar a aburrir. No es como me gusta escucharme, soy muy crítico conmigo mismo. Siempre suena distinto en tu cabeza que en la grabación. Al final del día pienso que he grabado lo mejor que he podido, a la gente que está a mi lado le gusta. Pienso que funciona.

-¿Se compusieron todas las canciones específicamente para este disco o conservabas alguna cosa ya compuesta antes?

Hay cosas del pasado, como “Shine” o “Circus”. Todo lo demás es mucho más actual.

                                                      Bernie Torme: "Shine". Official Video.

-¿Hay alguna de las canciones que sea especial de alguna manera por encima del resto de temas que componen este nuevo disco tuyo?

Te podría nombrar “Shine”, “Wolf girl”, “Demons” o “Death of dreams”. Todas ellas significan algo importante y personal para mí

-¿Tienes intención de realizar conciertos en acústico para presentar este cd? ¿O incluir algunos de estos temas durante alguna parte de tus actuaciones en eléctrico?

Me gustaría hacer algún concierto acústico, pero no hay planes actualmente. En el anterior tour tocamos un set acústico en la mitad de la actuación, pero no tengo claro que algo así acabe de funcionar en los clubs de Rock en los que solemos actuar; la gente quiere gritar y beber, jaja.

-Ian Harris and Christian Heilmann colaboran contigo en el disco. ¿Es esta tu banda de directo?

Ian y Chris han tocado en mis últimos tres discos -“Flowers & Dirt”, “Blackheart” y “Dublin Cowboy”- y han sonado matadores. Grandes músicos y personas. Desafortunadamente Chris y yo separamos nuestros caminos antes de este último tour por Reino Unido, por su parte Ian se ha retirado porque no quiere hacer giras en directo. De este modo te puedo decir que son mi ex banda. Actualmente me acompañan Sy Morton al bajo, que realizó un gran trabajo en la última gira, y estoy buscando a un buen batería.

-También has contado con la presencia de antiguos músicos que ya habían tocado antes contigo como Phil Spalding o Simon Jeffrey. ¿A qué se han debido estas colaboraciones?

Siempre han sido grandes camaradas. Perdí el contacto con Phil por que tuvo problemas con las drogas, pero hemos retomado la conexión ahora que está solucionando ese problema. Es un increíble músico, magnífico bajista y probablemente mejor guitarrista que yo mismo. Ha tocado con toda la gente de este planeta, de Jagger a Roger Daltrey y pasando por Ray Charles. Ha grabado bajos en muchas sesiones. Hizo coros en mi anterior disco “Blackheart”. Definitivamente le quiero. Se invitó él mismo; típico en Phil. No pude decirle que no.

DIRECTO.

-El tercer cd es un directo de la gira de presentación de tu anterior disco “Blackheart”. El grupo suena poderoso. ¿Estás contento con el sonido final de la grabación?

Sí, estoy muy contento con el sonido. Me gustan los discos en directo, es una realidad.

-Comentas en los créditos que no os distéis cuenta de que teníais el disco en vivo hasta que no lo escuchasteis tras haberlo grabado. ¿Nos puedes explicar esto? ¿Qué tuvo ese concierto de especial?

Claro, ese fue un concierto para una obra de caridad con unos cuantos buenos amigos y que pertenecía a una fiesta de cumpleaños. Lo cierto es que estuve todo el día enfermo con gripe, esperando a ver si finalmente podía llevar la actuación a cabo. De ese modo no sabía que el show se estaba grabando hasta que nos lo dijeron después, incluso cuando nos lo comunicaron no supe que se trataba de una grabación con un multipistas hasta que me lo enviaron un par de meses más tarde. Cuando lo escuché no podía creer que sonase tan bien pese a que durante la actuación sentía como si me estuviera muriendo.

-Además de repasar temas de tu grupo solista, recuperas un par de canciones de GMT. ¿Mantienes el contacto con John McCoy?

Estamos en contacto. No hablamos a menudo puesto que John se ha convertido actualmente en una especie de ermitaño, pero hablamos hace un par de meses. Siempre es igual, es un viejo compañero. No necesitas hablar habitualmente, somos hermanos.

-La versión que hacéis aquí de “Turn out the lights” o el inicio con “Wild west” suena realmente bien, así como las nuevas canciones. ¿Es difícil encontrar el balance adecuado entre los temas clásicos y las nuevas composiciones?

La verdad es que sí. Siempre es agradable incluir nuevas canciones, aunque también lo es tocar las antiguas. Pienso que tengo un balance adecuado en este aspecto. “Trouble” y “New Orleans” siempre son temas que suenan fenomenal en directo.

-El disco en vivo es sencillo, esto es una constante en tu discografía. ¿No valoras la posibilidad de editar un doble disco en vivo que repase con más intensidad los distintos momentos de tu prolífica carrera?

Bueno, el set de la actuación duraba unos noventa minutos. Dejamos fuera cuatro canciones que de todas formas están incluidas en el Dvd para los que participaron en la campaña de crowdfunding. En este momento de mi carrera se trata de intentar satisfacer a los fans, a mí mismo y no morir en el intento. Incluir un repaso completo a mi discografía no es algo que vaya a ocurrir en estos tiempos; demasiadas canciones. Tal vez cuando vuelva a actuar en el Madison Square Garden de nuevo.

-El disco en directo termina como un cañón con las dos versiones de “Trouble” y “New Orleans” recuperando tu estancia en Gillan. ¿Cómo está la relación con Ian actualmente? ¿Alguna posibilidad de juntarse la formación clásica de Gillan para algún show conmemorativo a algo similar?

Me encantaría que la formación clásica de Gillan nos volviésemos a juntar, aunque me parece poco probable; tendré que escucharlo del propio Ian. Aunque la verdad es que no me quita el sueño, él es un hombre ocupado dentro de una banda muy especial. Creo que no hablo con él desde hace unos veinte años. De cualquier modo si volvemos a cruzarnos de nuevo será como si no hubiese pasado el tiempo. Somos hermanos, para siempre. Ninguno de nosotros va a ser joven nunca más, por lo que nada de lo que se pudiese volver a hacer sería comparable con la magia de aquellos años; y realmente fue un momento mágico en el tiempo. No estoy seguro de que realizarlo por nostalgia fuese a funcionar.

-Se anunció hace un tiempo la posibilidad de realizar unos shows conmemorativos de los días de la Gillan band contando con McCoy, Underwood y contigo. ¿Qué nos puedes contar de esto?

Los periodistas muchas veces hablan de fantasía. En mi opinión no creo que vaya a ocurrir. Hay muchas razones, gente muy ocupada con sus proyectos, sin el tiempo necesario o simplemente sin el deseo de llevarlo a cabo. Hay muchas vivencias acumuladas y muchas rencillas todavía sin resolver, pienso que esto es triste y ridículo. Lo cierto es que hay motivos válidos para no hacerlo, principalmente que no sería tan bueno como antes. Éramos jóvenes y hambrientos, incluso Ian, teníamos química y sentíamos la necesidad de probar algo. Actualmente no somos jóvenes ni estamos tan hambrientos, no existe esa química ni el deseo de reconstruir lo que dejamos. Lo hicimos en su momento y fue salvaje, ¿por qué hacerlo de nuevo si no va a ser tan bueno? Desde luego el dinero no es la razón, no creo que nos fuésemos a hacer ricos. No soy nada nostálgico, estaría muy bien hacerlo aunque no lo suficiente si lo comparamos con el esfuerzo mental que probablemente nos llevaría.

-Has realizado ya una gira por Reino Unido con motivo de la publicación del nuevo cd. ¿Qué tal han resultados estos shows? ¿Cómo ha sido la respuesta del público?

Los conciertos y la respuesta del público han sido muy buenos.

-¿Hay planes de actuar en el resto de Europa? ¿Alguna posibilidad de visitar España de nuevo?

No hay planes de momento. Me encantaría tocar de nuevo en España, bonito país con gente encantadora a la que le gusta el Rock.

-Muchas gracias por tu tiempo y amabilidad. Si hay alguna cosa más que le quieras decir a tus fans españoles.

Muchas gracias a todos mis fans españoles. Espero veros de  nuevo pronto.

 

REFLEXIONES METÁLICAS.

Una sección de nuestro colaborador "Metálico". 

FESTIVALES DE MÚSICA. ¿Quién mucho abarca poco aprieta, o no?

La época estival en la que nos encontramos está jalonada por numerosos festivales de música. Hay para todos los gustos y estilos. En sus carteles se amontonan nombres de grupos de primer nivel que permiten hacer realidad el sueño de ver a varias grandes bandas en un par de días. Ahora bien, en estos festivales los grandes grupos –sobre todo si no son cabeza de cartel- no realizan un show tan completo como cuando actúan en solitario o con un telonero. Suelen tocar un set list más reducido, el espectáculo visual se minimiza bastante y algunas veces no ponen toda la carne en el asador. Por lo que sí es una oportunidad de ver a varios grandes combos juntos y poder compararlos, pero ¿realmente presenciaremos todo lo que la banda en cuestión puede dar de sí?

A parte de esta aspecto, los festivales per se tienen unas características singulares que provocan que disfrutar los conciertos sea sensiblemente diferente a cómo se hace en las actuaciones individuales. La acumulación de directos, muchos de ellos en horarios intempestivos; la concurrencia de diferentes instrumentos y elementos del espectáculo en el mismo espacio, la ‘comodidad’ del recinto, el desgaste personal de los músicos y sobre todo del público, etc. Pero también hay que tener en cuenta la ocasión que tienen los grupos de tocar ante audiencias numéricamente muy importantes, la posibilidad que se otorga a ciertas bandas de interpretar su música en el mismo festival que primeros espadas y la que permite al público ver a grupos que de otra manera no disfrutaría en directo; además de un ambiente que puede ser fenomenal al darse cita mucha gente amante del mismo tipo de música; y cómo no un aspecto crematístico ventajoso, pues sale más económico pagar la entrada de un festival que los diferentes tickets para presenciar las actuaciones individuales de los integrantes del cartel

Por todo ello, se plantea la disyuntiva de si los festivales pueden llegar a ser, o no, una alternativa a las actuaciones individuales de los grupos.

 Metálico.