Entrevista a Tony Hernando (Lords of Black, Saratoga, TH…).

“Creo que Lords Of Black tiene algunos elementos progresivos pero muy destilados porque no gustamos de exagerar las cosas innecesariamente, para nosotros la canción es siempre lo primero.”

“Desde que bajé del avión tras el último concierto de Saratoga en México me puse a trabajar en Lords Of Black. Ya entonces sentía que Ronnie Romero era mi compañero ideal, había experimentado junto a él una química excelente en el concierto homenaje a Dio, sabía de sus capacidades y registros.”

“Siempre seremos justos y agradecidos por lo que ha supuesto que Ritchie Blackmore contara con Ronnie, gracias a esta exposición Lords Of Black hemos podido avanzar en nuestro trabajo y objetivo más rápido que si no se hubiese dado esta circunstancia.”

“No sabría decirte qué será lo próximo en Lords Of Black. Este grupo está entrando en el panorama internacional y lo mejor es que no te puedo decir cuál puede ser el futuro del grupo, porque ahora mismo no hay límites.”

“Lo más importante de Saratoga es que la música que hicimos estuvo muy bien y aguantará el paso del tiempo mucho mejor que otras de sus épocas. Me entregué al grupo y a los fans al cien por cien. En mis siete años dentro del grupo siempre noté muchísimo cariño por parte de los fans.”

“Me siento muy orgulloso de conservar verdadera amistad con gente como JoeyTafolla, Andy Timmons o John Petrucci. Son personas muy buenas en lo suyo, muy profundas e inteligentes, con mucha energía creativa; no hay nada de personalidades tóxicas y envidiosas ahí.”

“Siento una especial atracción por estos personajes que a la vez son trágicos, gente muy artística y con mucho talento pero también con sus propios demonios internos y en parte me siento identificado. Componer y escribir me ayuda de alguna manera a entenderme, expresarme; es una catarsis, sin duda.”

“La gente no compra discos porque se los descarga gratuitamente. Hemos vestido todo esto de una falsa legalidad que no es cierta. Por un lado están los que directamente se bajan el disco gratis, pero luego tenemos esas plataformas digitales que en realidad le dejan al músico un porcentaje de beneficio sobre su obra ridículo.”

Recientemente tuvimos la oportunidad de entrevistar a uno de los guitarristas más de actualidad dentro del panorama del Rock en España. Tony Hernando tuvo la amabilidad de compartir parte de su tiempo con nosotros en una interesantísima y extensa charla en la que abordamos toda la rabiosa actualidad del grupo Lords Of Black y la inminente gira europea que les llevará durante este mes de Diciembre por las principales capitales del viejo continente en lo que será su primer tour fuera de nuestro país como cabezas de cartel. También repasamos su reciente gira como invitado especial de Axel Rudi Pell o la participación en el festival japonés Loud Park, así como todos los entresijos de la formación de este grupo mano a mano con el cantante Ronnie Romero.

Además Tony nos comentó todo su recorrido musical, desde los inicios en Salamanca hasta hoy, pasando por sus discos en solitario, su proyecto de Guitar Fest acompañado por músicos de primerísimo nivel o su estancia en Saratoga. También nos explicó sus opiniones e inquietudes artísticas y personales dentro del complicado entramado actual de la música. Os dejamos con una completa entrevista a uno de los artistas más interesantes y con más proyección internacional del Rock en nuestro país. Todo un caballero… y Señor de la Oscuridad.

LORDS OF BLACK.

- Queremos comenzar la entrevista por vuestra actualidad más inmediata. En Diciembre comenzáis una segunda gira por Europa, la primera vez que lo hacéis como cabezas de cartel. Hace unos meses realizasteis vuestra primera gira europea como Lords Of Black como artistas invitados de Axel Rudi Pell el pasado Septiembre ¿Qué tal ha resultado la experiencia, las actuaciones y la respuesta del público?

Absolutamente encantados con la experiencia. La respuesta del público ha sido increíble, haciendo incluso que agotáramos todo nuestro merchandise. En el plano profesional y personal también ha sido fantástica, pudiendo relacionarte y aprender de un grupo tan profesional y de tanta trayectoria como es el de Axel Rudi Pell.

- Axel Rudi Pell es un músico con una importante reputación en Centro Europa. ¿Cómo surgió la posibilidad de girar con Axel?

Al propio Axel le gusta mucho la banda y, como fan enorme de Ritchie Blackmore que es, estaba muy al tanto de Ronnie y de nosotros. Sabía que podríamos ser unos invitados ideales para su gira, para hacerla más atractiva y mejorar sus propios números; y así ha sido. Sin duda una gira muy provechosa para todos y una experiencia que no olvidaremos, el trato profesional y personal que se nos ha dado ha sido de primera.

- Supongo que cada concierto con Pell habrá sido especial, pero ¿recuerdas algún show en particular con especial intensidad?

Todos fueron muy especiales y diferentes, si bien se me viene rápidamente a la mente los conciertos de Ludwisgburg, Bochum o Vienna.

- Axel Rudi Pell lleva un grupo que tira de espaldas, con músicos de la talla de Bobby Rondinelli o Johnny Gioeli. ¿Cómo fue la relación y la convivencia de todos durante la gira?

Desde el primer día fue estupenda. Estuvieron pendientes de nosotros en todo momento de manera muy sincera y cordial, haciéndonos saber que podríamos contar con cualquier cosa que necesitáramos de ellos; pasando los días en la gira y yendo todo tan bien, la confianza entre todos fue pasando a ser de auténtica camaradería, pudimos compartir muchas anécdotas y experiencias en los múltiples ratos que compartíamos.

- Cada grupo tocaba su set. ¿Hubo algún momento en el que colaboraseis o realizaseis alguna jam con los otros músicos?

Si, en el último show en Nuremberg nos invitó a subir al escenario al final de su show para hacer “Long Live Rock’n’Roll”. Fue realmente divertido.

                                                  Tony Hernando y Axel Rudi Pell.

- Lords Of Black también habéis participado en el prestigioso festival japonés Loud Park, compartiendo escenario con grandes bandas como Masterplan, Queensryche, Dokken, Whitesnake, Uli Jon Roth o Scorpions. ¿Qué sensaciones experimentaste tocando en un festival de estas características?

Sin duda uno de los momentos más especiales que hayamos tenido Lords Of Black y seguro uno de los momentos cumbre como profesional o a nivel individual para cada uno de nosotros. Que un festival tan selecto y prestigioso como Loud Park cuente con nosotros es muy importante y dice mucho. El show en sí fue corto e intenso y no olvidaré nunca la reacción de bienvenida de los fans japoneses desde el primer momento, tampoco cuando tuvimos un montón de encuentros y firmas allí en el recinto o en el hotel donde nos esperaban ansiosamente. También fue muy gratificante compartir momentos y charlas entre camerinos y backstage con grupos tan legendarios como Dokken, Armored Saint o Scorpions entre otros. Inolvidable.

- ¿Era la primera vez que visitabas Japón? Es un país en el que el Hard Rock siempre ha tenido un seguimiento y un peso específico muy importante. ¿Qué te parece la cultura asiática y su relación con el Rock duro?

Si, era mi primera vez en Japón y quedé absolutamente enamorado de todo. Ya suponía que así sería por lo informado que siempre estuve sobre ese país, pero superó mis expectativas en términos de profesionalidad y seriedad en todo. Se respiraba respeto y educación; algo que debería ser lo normal y general en el mundo, pero que sin embargo no es así. Debido a esa idiosincrasia tan especial del país nipón es normal que su gusto y atención por el Rock sea tan importante y, en particular, que defiendan tanto estilos y artistas que sean más técnicos y virtuosos; eso es algo que ellos respetan y admiran como extensión o reflejo de lo que ellos son y hacen cotidianamente, siempre aspiran a hacer las cosas lo mejor posible. Aspirar a la excelencia, no a la mediocridad.

- Suponemos que realizar una gira fuera de nuestras fronteras implica una infinidad de cuestiones, tanto logísticas como humanas, que se plantean en el día a día. ¿Hay alguna anécdota o situación curiosa que os haya acontecido y que te apetezca comentarnos?

Si, como bien dices la gente puede no llegar a imaginar la cantidad de esfuerzo y trabajo previo que requiere hacer realidad este tipo de cosas, todo ello con meses y meses de antelación. Y tienes razón, anécdotas curiosas y divertidas –aunque algunas no tanto- están a la orden del día. Necesitaría un libro para contarlas.

- Finalmente, hace muy poco habéis estado también en el festival Frontiers Metal Festival en Milán, auspiciado por vuestro propio sello Frontiers Records, antes de iniciar vuestra propia gira europea como cabezas de cartel. ¿Cómo fue dicho festival en Italia?

Otra gran experiencia a todos los niveles. Poder estar junto a todo el staff de nuestro sello Frontiers y hablar de presente y futuro, compartir escenario con bandas tan increíbles como las que había fue algo fenomenal. Otro show que disfrutamos muchísimo y que es importante para volver en un futuro a Italia con un show más largo y completo.

- Como hemos comentado antes, iniciáis en Diciembre vuestra primera gira europea como cabezas de cartel, el Merciless Over Europe. Tenéis la posibilidad de presentar vuestro repertorio sin limitaciones de tiempo. ¿Nos puedes contar algo de lo que tengáis preparado para ese tramo de la gira?

Bueno, obviamente podremos hacer un show cercano a las dos horas, con lo mejor de nuestro repertorio y probar algunas sorpresas nuevas. Tocaremos por primera vez en Reino Unido, en muchas de las ciudades más emblemáticas, además de otras fechas en centro Europa pero en sitios diferentes a los visitados en la gira de Septiembre. Lo cierto es que estamos deseando ampliar todo el territorio en Europa donde presentarnos.

                                                          Lords Of Black.

- Ahora me gustaría que nos contases a todos los lectores de Púrpura Chess el proceso de formación del Lords Of Black. ¿Cómo surgió lo de contar con Ronnie Romero a la voz?

Lo cierto es que desde que bajé del avión tras el último concierto de Saratoga en México en Noviembre de 2013 me puse a trabajar en este nuevo proyecto. Tenía la idea de varios cantantes en ciernes para probar, incluso algunas sugerencias de Roland Grapow, al que ya le había comunicado la idea de montar este grupo y contar con su ayuda para la producción y mezclas. Ya entonces sentía que Ronnie Romero era mi compañero ideal, había experimentado junto a él una química excelente en el concierto homenaje a Dio y sabía de sus capacidades y registros, pero no sabía si estaba libre de compromisos o siquiera dispuesto a empezar de cero algo tan ambicioso. No sabía si sus proyectos o colaboraciones seguían en marcha y, por supuesto, no quería meterme en medio de nada de ello. Fue el propio Ronnie el que me llamó para comentarme que sabía que yo ya había salido de Saratoga y me dijo que él ya no estaba con ningún grupo en ese momento, así pues nos reunimos de inmediato para ver cómo darle forma a un grupo propio hecho por y para nosotros dos.

- Conectasteis en vuestras perspectivas desde el primer momento.

Cierto. Le presenté el nombre que tenía para el grupo y le encantó. Me hizo mucha ilusión que ambos nos sintiésemos identificados con el nombre y la idea del grupo. Empezamos a quedar en mi casa para tocar y practicar sobre riffs e ideas que tenía, quería ver cuáles eran sus registros de voz y timbres preferidos. Cuando empiezas a tocar con otra persona en esto de la música al principio es difícil, no conoces al otro de nada y te tienes que entender a un nivel muy profundo. No se trata de conocerse superficialmente para tomar una caña, hay que abrirse a un nivel personal para poder crear música. Lo cierto es que fuimos muy productivos, en apenas mes y medio ya teníamos el grueso de las demos del disco preparadas; fue hacia las Navidades y lo cierto es que trabajamos a destajo y casi diariamente.

- ¿Y con Andy C?

Precisamente por Navidades ya tenía convencido a Andy, no hacía ni dos meses de haber tocado juntos por última vez y creo que era bueno que hubiera un poco de distancia y espacio para presentarle la idea y ver si tenía ganas de hacer algo así. No le dije el nombre del grupo en aquel momento pero le presenté algunas de las demos iniciales que ya tenía y le gustó mucho la orientación de las mismas. Me enseñó sus ideas poco después y empecé a trabajar en las letras y melodías que les podían venir bien. Ya teníamos claro que yo iba a asumir la labor de productor del grupo y se trataba de aglutinar todo el material disponible para ir trabajando y dándole forma.

- Entonces el grupo se puso a rodar.

Comencé a mandarle demos a Roland Grapow y alucinó. Le gustaba mucho el material y me dijo que había acertado de lleno con el cantante.

- ¿Por qué el nombre de Lords Of Black? ¿Te sientes atraído por la estética oscura, tipo Gótico/Romántico o cosas así?

Tenía el nombre registrado tiempo atrás en secreto absoluto. No lo sabía nadie, ni siquiera la gente muy cercana a mí. Tenía varios borradores en mente, buscaba un nombre que sonase rockero, no necesariamente oscuro pero sí épico, con algo de enigma y con clase. Las palabras por separado me parecen bonitas y curiosamente resultó que, siendo una combinación aparentemente fácil, no estaba registrada por nadie ni como un título de libro, película, vídeo juego ni nada por el estilo. No podía dejar escapar esta oportunidad y lo registré cuanto antes. Afortunadamente a Ronnie le gustó inmediatamente cuando se lo presenté. Me parecía muy importante que se sintiese cómodo con el nombre, empezar desde el principio los dos en sintonía total con el concepto artístico en el que íbamos a trabajar.

                                                  Ronnie Romero y Tony Hernando.

- Prácticamente anunciado el grupo sacasteis vuestro primer disco. ¿Estaban los temas compuestos de antemano o los trabajasteis una vez formados?

Como te comenté antes, empezamos trabajando ideas Ronnie y yo, afortunadamente se creó una química especial entre nosotros. En poco más de un mes trabajando frenéticamente teníamos la mayoría del disco, a falta de letras finales y algunas de las nuevas ideas que tenía en marcha Andy. Luego quedaba todo el tema de pulir y dar la forma definitiva a esos temas antes de entrar al estudio de grabación. Aunque todo fue muy rápido, el proceso estuvo muy pensado y trabajado.

Mantuve el proyecto y todo el trabajo lo más en secreto que pude porque no quería alimentar especulaciones ni recibir comentarios o intentos de influencias por parte de nadie, ni prensa, ni fans, ni discográficas posibles; quería presentar el grupo, el nombre, los componentes y algunos adelantos audio visuales de golpe. Solo Roland Grapow era el único que estaba obviamente al tanto de todo y como co-productor, opinaba y aconsejaba.

- ¿Estaba el grupo completo en esos primeros días de Enero de trabajo y producción?

Casi, nos faltó el bajista hasta que prácticamente lanzamos el vídeo de presentación. En este disco trabajé con Roland Grapow grabando guitarras y bajos de modo simultáneo, por lo que me hice cargo de ello. En esta fase de la producción hice arreglos y grabé partes con otros instrumentos. Andy ya estaba plenamente integrado trabajando en los temas con nosotros pero ninguno de los tres teníamos en mente a nadie para el puesto de bajista, tampoco queríamos anunciar audiciones porque trastocaría el plan de llevarlo todo en secreto. Buscamos una persona dentro de un círculo muy reducido y hablamos con Víctor Durán, un antiguo alumno mío que estaba ampliando sus miras más allá de la guitarra, incluyendo el bajo y otras miras en el terreno de la grabación. Al proponerle que probara se mostró muy ilusionado con el proyecto. Parecía la elección obvia por cercanía y potencial pero, según avanzaba la banda y con ello las exigencias y presiones a mayor nivel, se fue desgastando la relación y decidió dejarlo.

- Vuestra presentación a los medios nos pilló a todos un poco por sorpresa.

Presentamos una especie de teaser, un adelanto con un par de trozos de canciones, antes de presentar un vídeo completo y después lanzar el disco propiamente dicho. Todo esto sucedió en el margen de un mes, entre Abril y Mayo aproximadamente, y creo que pilló a todo el mundo por sorpresa pero de manera positiva; los músicos que nos habíamos juntado para montar el grupo y los sonidos que presentábamos llamaron mucho la atención. Nada de especulaciones, el pack completo para que puedas sacar tu propia opinión.

- El disco constituyó un agradable soplo de aire fresco dentro de nuestro panorama musical.  Tras la intro se inicia con el tema que da nombre al grupo “Lords Of Black”. ¿Queríais que esta canción fuese algo así como vuestra tarjeta de presentación?

Presentamos un disco con un concepto musical que teníamos muy claro, digamos que es Metal moderno de influencias clásicas; la esencia armónica y melódica puede recordarte a grupos clásicos como Rainbow, Dio o Whitesnake. El tándem clásico de vocalista-guitarrista que hacemos Ronnie y yo está inspirado en los tándem clásicos de super vocalista junto a “guitar hero”, todo ello aderezado por una producción y sonidos modernos. En ese aspecto, por la co-producción con Roland Grapow y por el tipo de afinaciones, podrías encontrar similitudes en grupos como Masterplan, Pretty Maids o Symphony X, aunque fijándose un poco uno puede ver detalles de nuestras influencias de grupos como Journey o Queen; siempre bajo nuestro propio prisma. Al final nos sale una mezcla de lo que nos gusta porque es lo que hemos mamado, aunque teníamos claro que queríamos tener un sonido actual.

En cuanto al tema “Lords of black”, es un buen tema de apertura, conciso y directo. Tiene una letra a modo de resumen o presentación del concepto detrás de “Lords Of Black”, digamos una especie de sociedad secreta de superhéroes haciendo el bien pero desde las sombras -como los héroes de Marvel al estilo de Batman o Darevedil-, no sabes muy bien quienes son ni si tienen una doble vida pero son como esas personas anónimas que nos rebelamos contra las cosas que están mal en el sistema o en la civilización actual; esos son para mí los verdaderos héroes, los que logran verdaderos triunfos día a día. Me resulta importante mantener una integridad y una forma de pensar que sea genuina y humana, muchas de las cosas que veo ahí fuera me parecen amorales y, como en el mundo actual muchas veces parece que todo es gris, pues me gusta jugar con esa parte de ficción-realidad.

- Canciones como “Nothing left to fear”  o “Too close to the edge” ofrecen ese equilibrio melódico frente a la contundencia o potencia de vuestra música. ¿Os pareció interesante encontrar un balance adecuado entre potencia, virtuosismo y melodía?

Nos sale de manera natural por unos determinados elementos que tenemos: La voz de Ronnie es muy melódica, mi forma de tocar la guitarra está basada en riffs y solos muy melódicos puesto que vengo de la escuela de guitarristas que aunque muy técnicos siempre tenían un importante componente melódico. Por otro lado Andy no es un batería al uso, es también pianista y un músico muy completo, por lo que aporta también esa vertiente melódica. Se juntan elementos de fuerza, sonido y técnica junto a una faceta melódica que hacía tiempo que no se veía de esta forma y sentimos que se echaba de menos. Grupos como Queensryche o Savatage integraban el piano clásico en su música, piensa que el Hammond o el sintetizador se ha usado mucho en el Rock pero el piano como tal no tanto. El piano, pese a ser un instrumento de sonoridad tan limpia, hace una mezcla muy original con la densidad de la guitarra y eso creo que nos da un lado muy original a Lords Of Black.

- Desde luego que llama la atención vuestra propuesta musical.

Creo que fuera mucha gente se dio cuenta de ello desde el inicio, aunque aquí también estamos consiguiendo un importante núcleo de fans que valoran nuestra propuesta, pese a que no sea lo que normalmente  se ha hecho por aquí. No creo que se nos pueda considerar como Metal Progresivo, ni Power como tal; creo que Lords Of Black tiene algunos elementos progresivos pero muy destilados porque no gustamos de exagerar las cosas innecesariamente, para nosotros la canción es siempre lo primero.

- Es saludable que salgan grupos como el vuestro, con una propuesta diferente. Ahora estáis teniendo una impronta que hace que todo el mundo esté muy pendiente de vuestros pasos. Estáis en el punto de mira.

Estar en el punto de mira nos da mucha responsabilidad de cara a prensa y fans. Se nos exige cada vez más y es normal, para este segundo disco había un nivel de expectativas alto y supongo que de cara al tercero pasará algo similar. No tenemos problema, todos en el grupo asumimos ese reto con ilusión y con el deseo de seguir superándonos una y otra vez. Todo esto nos hace mejorar.

- “When everything is gone” es una canción especial para vosotros, la usáis para cerrar antes de los bises en los conciertos. Un tema denso y complejo. Cuéntanos algo más sobre este tema.

La tocamos siempre que disponemos de tiempo de actuación suficiente, es un tema de más de nueve minutos y cuando actuamos en un festival o de invitados de otros grupos el tiempo es limitado y hay que tenerlo en cuenta para elaborar el set list adecuado en cada ocasión. En nuestros propios shows tratamos de tocar esta canción porque pienso que es clave para nosotros, pasa por distintas fases y tiene un poco de todo lo que nos representa. Es un tema muy especial para mí, incluso cuando lo compusimos se fue haciendo así mismo de manera muy rápida. Me emocioné mucho cuando acabamos de grabarla y escuché que todos en el grupo habíamos conseguido llevar ese tema hasta dónde me había imaginado cuando compuse su estructura básica, todos aportamos desde nuestro terreno para lograr ese resultado final.

- Realizasteis vuestros primeros conciertos de presentación aquí en España, tanto con vuestro repertorio completo en algunas citas, como invitados de grupos de la talla de Unisonic o Gotthard. ¿Qué tal resultó esta primera experiencia de directo?

Fantástica. No nos precipitamos para las dar nuestras primeras actuaciones de directo, no se trataba de tocar enseguida y en cualquier sitio. Nos preparamos concienzudamente en el local, sonábamos muy sólidos y engrasados cuando realizamos nuestros primeros shows en vivo, meses después de haber editado el disco. Asumimos que tendríamos que auto editar el primer disco si queríamos mantener todo el proyecto en secreto y, al margen de influencias, sabíamos del sacrificio que supondría, Una vez  hecho el “producto”  había que presentarlo a nivel nacional e internacional para ver si tenía interés discográfico y de agencias de contratación. El disco y sus respectivos dossiers llegaron a gente de compañías internacionales que empezaron a interesarse y preguntar por el grupo a los medios especializados. Empezamos a trabajar con agentes cercanos al organigrama de algunas bandas europeas muy importantes y esto nos permitió realizar actuaciones abriendo para alguno de estos grupos. La incógnita era saber cómo reaccionaría el público con nosotros y nos agradó mucho comprobar que conectaron enseguida con nuestras canciones, esto nos dio mucha confianza y nos influenció de algún modo a la hora de componer los temas del segundo disco, buscando una vertiente más de directo. Nos ofrecieron abrir para Gotthard y posteriormente para Unisonic y Helloween, abrir para estos grupos era todo un reto. Recuerdo que en el primer concierto con Gotthard en Bilbao, tras los típicos nervios del inicio, salió todo muy bien y fue muy reconfortante que músicos tan experimentados como ellos nos felicitasen de tal modo. Me llamó la atención que alucinasen al enterarse de que éramos de España, no me gusta tomármelo como un halago porque podría resultar ofensivo para mí mismo y para mis compañeros de otros grupos, pero es desgraciadamente significativo. Aquí tenemos grupos como Ángelus Apátrida que lo están haciendo fenomenal y están consiguiendo salir fuera de nuestras fronteras. De cualquier modo, todo lo que sirva para que en diversos campos, Ángelus en el Thrash o Lords Of Black en un campo más melódico,  podamos animar a otros grupos a que intenten salir fuera, bienvenido sea.

También realizamos unas cuantas actuaciones nosotros solos con el repertorio completo, buscando obviamente madurar el grupo y la verdad es que los conciertos fueron muy bien, creo que fuimos logrando una base de fans muy leales. Pienso que ese feedback de los directos tuvo bastante que ver en la forma de componer el segundo disco, prácticamente sin darnos cuenta ni pensar mucho en ello, pero pienso que tuvo su influencia. Ya por entonces varias  compañías estaban mostrando interés en la banda y algunas nos pidieron adelantos en demo de las nuevas canciones.

- Es curioso lo que experimenta el público cuando el grupo toca sus canciones en directo. Muchas veces el músico piensa que ha grabado algo que va a conectar con el público de inmediato y luego resulta que no es así mientras que otros temas a los que no se les había dado tanta importancia son los que enganchan más con la audiencia.

Nunca sabes lo que pasará. Siempre intuí que iba a pasar algo con “Nothing left to fear” o “When everything is gone”, aunque nunca pensé en la relevancia que iban a adquirir temas como “Out of the dark” o “Man from beyond” del primer disco. Del segundo disco una de mis favoritas es “Insane” y sin embargo todavía no la hemos presentado en directo o como single. Por otro lado cuando compuse “Ghost of you” no pensé que iba a tener la repercusión que está obteniendo.

- ¿Os sentisteis apoyados por la prensa nacional con vuestro primer disco?

En líneas generales sí, aunque hubo algunas excepciones negativas que me sorprendieron mucho. Algunos medios entendieron la propuesta de la banda y la calidad desde el principio y no impusieron condiciones o criterios absurdos para entrar en sus publicaciones, mientras que otros nos cerraron la puerta en las narices como se suele decir.

- El mercado del Rock duro en España no deja de ser pequeño y esto puede influir en la postura de los medios de comunicación imperantes.

A veces se puede llegar al extremo de la manipulación, algunos pretenden marcar el camino por el que tienen que pasar los grupos, les guste o no, para que puedan ser publicitados. Aunque pienso que al final lo importante es la calidad de tu producto, si un grupo tiene muy buena música que ofrecer, tarde o temprano acabará saliendo.

- Muchas veces se pierde la perspectiva, todos los medios de comunicación realizamos una labor importante, pero aquí el fundamental es el músico. Esto es algo que tenemos muy claro en nuestro club de fans.

Puede que a veces determinados segmentos de todo el organigrama del negocio musical hayan perdido la perspectiva, se hayan pensado que son más poderosos de lo que realmente son y se hayan comportado de manera dañina a veces. Antiguamente se hablaba mucho de poder de las casas discográficas o los management en el sentido negativo de tiranía con los propios artistas, la prensa solía ser un aliado natural del artista y de su espíritu de rebelión; sin embargo, desaparecidas prácticamente las discográficas -o por lo menos su papel en el panorama musical como tales, convertidas casi en meras distribuidoras-  la situación deja prácticamente con todo el esfuerzo económico de la promoción al propio grupo y los medios han pasado a adoptar otros roles o papeles donde la situación en muchos casos se convierte en…perversa.

- No cabe duda que los músicos sois los que hacéis todo esto posible.

Gracias por decirlo, porque hace mucho que no oía esto. Me gustaría pensar que todo esto de lo que estamos hablando tiene sentido a partir de la propia música: sin música y sin músicos…ya sabes.

- Recientemente habéis publicado vuestro segundo disco, titulado “II”. El salto cualitativo con este segundo disco me parece espectacular. Desde el inicio con “Merciless” le dais una vuelta más a ese sonido poderoso y melódico a la vez. ¿Buscabais esa mezcla, ese determinado tipo de sonido?

Queríamos destilar un poco el sonido, sin hacerlo más sencillo tratamos de hacer que llegase al oyente de un modo más inmediato, pero nos salió de forma natural, la reacción del público en nuestros conciertos supongo que nos predispuso en esa dirección de algún modo.

- ¿En qué momento decidisteis que teníais los temas adecuado y que había que grabar?

Estábamos algo frustrados porque teníamos las canciones pero no recibíamos luz verde de ninguna de las compañías que estaban interesadas en nosotros. Nuestros contactos con ellas eran a base de terceros y nunca acababas de tener claro si la información circulaba de manera clara. Volvimos a valorar auto editarlo nosotros mismos y tampoco hubiese pasado nada, ciertamente. Ya teníamos quince o dieciséis canciones completadas dentro de las veintiuna o veintidós demos con las que trabajamos, además se me ocurrió la idea de añadir unas versiones de los grupos que más nos habían marcado. Al grupo le pareció bien y nos metimos en la grabación de una obra que iba a estar compuesta por catorce o quince temas originales más cuatro versiones, eso es mucho tiempo y dinero de grabación sin saber a ciencia cierta qué salida iba a tener. Pero bueno, como te digo, nos metimos en el estudio dispuestos a terminar lo que habíamos empezado -ya sin Víctor con nosotros, por lo que me tocaba volver a encargarme del bajo también- y con la corazonada de que habría una respuesta positiva por parte de alguna de las discográficas interesadas. Quizá al ver el producto final completo, mezclado y masterizado junto a la portada –fantástica, al igual que lo fue la primera- reaccionarían más rápido y apostarían por nosotros. Fue entonces cuando surgió la llamada de Ritchie Blackmore a Ronnie para ver la posibilidad de contar con él en una vuelta al Rock con el nombre de Rainbow de nuevo. Esto sería sin duda un as en la manga para nosotros una vez el anuncio oficial se hiciera en Octubre. Sabíamos que semejante noticia haría reaccionar a esas discográficas y así fue, junto a unas cuantas más, jaja.

- Con Ronnie en la nueva formación de Rainbow de Ritchie Blackmore la situación de Lords Of Black adquiría una nueva dimensión.

Totalmente, Blackmore anunció a Ronnie como cantante en Octubre de 2015 y aunque teníamos grabado el segundo disco no nos arriesgamos a anunciar una fecha de salida hasta ver cómo se concretaban las negociaciones con las compañías interesadas; de todos modos, publicamos un teaser de adelanto simplemente para que la gente supiese que el disco estaba finalizado pero a falta de una fecha de edición oficial.

- ¿Le pidió Ritchie a Ronnie que le mandase algunas demos cantadas por él?

Claro, antes de invitarle a conocerse y de alguna manera audicionar en persona, Ritchie le pidió unas demos muy concretas para ver en lo posible todo el carácter y potencial de su voz, así que le ayudé a presentar unas demos muy completas que creo que son fantásticas, con su voz totalmente cruda y clara sin efectos sobre mi guitarra.

- ¿Qué temas componían esa demo?

Si no recuerdo mal hicimos “Long live Rock n Roll”, “Man on the silver mountain”, “Mistreated” o “Perfect strangers” entre otras, también algunos trozos específicos de otras canciones y además quisimos añadir por gusto propio “Eyes of the world” o “Black Masquerade”; es que adoramos cualquiera de sus canciones, la verdad.

- ¿De qué fechas estamos hablando más o menos? Siempre hasta dónde nos puedas decir, claro.

Digamos que todo esto fue durante verano, obviamente se nos pidió discreción absoluta y todo se mantuvo en secreto hasta que Blackmore lo hizo público.

- ¿Ronnie y el resto de vosotros teníais claro desde el primer momento que se podían compatibilizar los dos grupos?

Podría ser una situación difícil y de doble doble filo si lo hubiéramos enfocado mal o si hubiera habido líos legales o participación de terceros con intereses egoístas, pero afortunadamente buscamos la parte positiva de todo e intentar compatibilizar intereses y agendas. Yo, como amigo y compañero de grupo, me sentía en la obligación de desearle todo lo mejor a Ronnie. Montamos Lords Of Black juntos e hicimos muchos sacrificios, pasamos situaciones muy difíciles y este cambio de situación podría traer muchas alegrías a todos, así que nos centramos en enfocar todo de manera positiva y de “sumar” en todos los sentidos.

- Supongo que cuando finalmente comprobasteis que se podía compatibilizar todo la sensación en el grupo sería de satisfacción.

Muy contentos y ansiosos por saber el momento en el que se anunciase el grupo definitivo que acompañaría a Ritchie en sus conciertos. Piensa que la reacción iba a ser a nivel mundial y sabíamos que en cuanto se supiese el nombre del cantante todo el mundo iba a poner los ojos sobre Ronnie y Lords Of Black. Desde el primer día de ese anuncio se multiplicaron las visitas de nuestros videos en Youtube y  nuestra tienda online no daba abasto atendiendo pedidos de todas las partes del mundo. Por otro lado, las compañías discográficas que llevaban meses pensándose fichar al grupo, de repente lo tenían claro, hasta la fecha de salida del disco y todo, jaja. Incluso otras con las que no habíamos hablado nos ofrecieron contratos igualando o mejorando lo que ya teníamos. Nos sorprendió muchísimo la rapidez con la que tenían todos los planes trazados de cara a fechas de lanzamiento del disco y otra serie de cosas e ideas siempre muy respetuosas con las ideas, concepto y estilo del grupo. Nos gustó más el plan y actitud de Frontiers finalmente y en tres o cuatro días nos entendimos perfectamente con ellos.

- ¿Piensas que el anuncio de la llamada de Ritchie a Ronnie acabó disparando todo?

Fue determinante, pero eso no quiere decir que solo se debiese a esto. Había ya dos discos hechos y mucho trabajo adelantado, una banda que tiene un producto de calidad y que puede seguir creciendo a un nivel superior. Si se hubieran fijado en nosotros y solo hubieran visto un cantante decente con una banda y canciones malas nada de esto habría sucedido. Comprobaron que se trataba de un cantante fantástico en un grupo fenomenal con grandes canciones y sonido.

- Esto cambia toda vuestra proyección internacional.

Lo cambia todo. Siempre seremos justos y agradecidos por lo que ha supuesto que Ritchie Blackmore contara con Ronnie y gracias a esta exposición Lords Of Black hemos podido avanzar en nuestro trabajo y objetivo más rápido que si no se hubiese dado esta circunstancia. Nuestra intención era que nos viesen fuera, sabíamos que lo que teníamos era muy bueno y si nos veían fuera les iba a gustar. De otro modo igual hubiésemos necesitado tres o cuatro discos, o igual no hubiésemos aguantado tanto sacrificio sin premio, quien sabe.

- ¿Grabasteis el disco sabiendo ya lo de Ronnie con Ritchie?

Lo teníamos prácticamente grabado salvo algunos detalles y mezclas finales. Una vez firmado el contrato con Frontiers nos dimos prisa por acabar las mezclas finales Roland Grapow, ya que Frontiers había anunciado una fecha de salida para Japón del 1 de Marzo y para el resto del mundo el 18 de Marzo. Lo único que desechó Frontiers fue la idea de lanzar un disco doble como originalmente nosotros queríamos con todos los extras y versiones, porque para ellos era como un disco debut a nivel internacional y podía desconcertar a la gente tanto material. Los temas que no entraron y las covers las repartieron en distintos formatos: la versión de “Lady of the lake”, la de “Innuendo” y la versión alternativa de  “Insane” fueron para la edición japonesa, en el resto del mundo salió solo “Lady of the lake”, mientras que en formato digital pusieron a la venta “Innuendo”. Estamos aún pendientes de saber como y cuando saldrán el resto de temas extra.

- ¿De qué canciones hablamos?

 “When nothing was wrong”, “The Maker and the Storm”, canciones originales nuestras, más las versiones de Anthrax “Only” y de Bruce Dickinson “Tears of the dragon”. Supongo que podría haber una nueva versión doble en plan Tour Edition o puede que los vayan lanzando en diferentes promociones digitales.

- El primer single y video de este “II” fue “Everything you’re not”. ¿Por qué os decantasteis por esta canción?

Siempre es difícil elegir un primer single, y muchas veces es mejor decantarse por un tema que aunque no sea tu propio favorito tenga ciertos elementos o represente de manera directa el concepto del grupo y disco de forma más directa y que pueda llegar a la primera a un público más general. Muchas veces mis temas favoritos de un disco suelen ser los menos comerciales. Si me preguntas que single hubiera yo elegido del disco “Rising” de Rainbow te diría que el tema “Stargazer”, pero supongo que lo suyo era algo más sencillo como “Tarot woman” o “Run with the Wolf”. Aquí nos pasaba algo parecido, de todos los temas potenciales como single hemos escogido un tema más directo o comercial, si quieres llamarlo así, como puede ser “Everything you’re not” y por otro lado una canción más potente y cañera como “Merciless”, de este modo cubrimos las dos facetas.

                                          Lords Of Black: "Everything you're not". Vídeo oficial.

- Otro tema muy especial, al que le habéis dado cobertura de vídeo, es “Cry no more”. Dedicada a Phil Lynott. ¿Cómo decidisteis realizar este tributo? ¿Qué opinas de la figura de Phil Lynott?

Es el tercer single y el tercer vídeo clip publicado del disco. Lo escogimos nosotros. Es un tributo a la figura de Phil Lynott pero llevado hasta un punto más allá con la concepción del clip que rinde tributo a este mito y cuyo guion tuve el placer de elaborar junto a Ronnie, incluyendo la actuación de alguien que hiciese de Lynott en sí mismo y todo eso. Me dejé llevar y busqué un cierto guiño a las canciones de Phil, con ese Swing y ese atresillado clásico, aunque con el propio toque de nuestro grupo. La letra habla de este personaje, querido y malinterpretado muchas veces, que nos dejó demasiado pronto. Al grupo le gustó mucho el tema, es ideal para la voz de Ronnie y sus tesituras.

En cuanto a la figura de Phil, te puedo decir que soy el más fan de Thin Lizzy de los cuatro. Soy un seguidor acérrimo de Phil Lynott, todos sus guitarristas han hecho escuela de un modo u otro. Phil, pese a ser bajista, era el cantante y letrista con más carisma y talento de toda su generación y desde luego uno de esos nacidos para ser Rock Star al estilo de figuras como Freddy Mercury o el propio Ritchie Blackmore, gente que tiene ese carisma especial y que parecen nacidos para ello. Por otro lado, siento una especial atracción por estos personajes que a la vez son trágicos, gente muy artística y con mucho talento pero también con sus propios demonios internos y en parte me siento identificado, de hecho las letras del grupo son más autobiográficas de lo que se pudieras pensar a primera vista. Componer y escribir me ayuda de alguna manera a entenderme, expresarme; es una catarsis, sin duda.

- Pienso que no es solo una manera interesante de canalizar esos sentimientos, sino que es un estado ideal para la creación artística.

Supongo que hay gente que canaliza sus demonios internos de manera negativa, otros intentamos que no nos destruyan y lo intentamos canalizar de un modo positivo y artístico; y si le puede gustar a la gente, mejor. Resulta maravilloso que puedas componer un tema que para ti signifique mostrar tu interior y que alguien ahí fuera que no te conoce lo interprete, lo haga suyo y sienta que signifique algo también para él. Es algo increíble.

                                           Lords Of Black: "Cry no more". Vídeo oficial.

- ¿Qué importancia tienen para ti las letras dentro del concepto global de la canción?

Igual de importante que los demás elementos. Primero la música tiene que ser lo suficientemente interesante, enérgica y compleja para que me haga sentir de verdad;  luego busco las letras tengan algo de profundidad, magnetismo, imaginación, misterio e inconcreción. Aunque no me gustan las cosas negativas o blasfemas, se puede ser denso y oscuro pero de un modo positivo.

- Antes nos has hablado del tema “Insane”, otro potencial single. Además hay una versión extra solo con el piano.  ¿Por qué dos versiones?

Desde el principio Ronnie y yo estábamos enamorados de esta canción, nos parecía que era una composición de categoría, con unos arreglos y detalles de gran profundidad, mucho más próxima a la forma de composiciones de grupos como Foreigner o Journey; es decir, palabras mayores jaja.

 Roland Grapow también estaba loco con este tema en su versión demo, aunque para mi gusto la canción acabó de una forma diferente a como yo había imaginado. Mientras la grabábamos se nos ocurrió hacer alguna toma en acústico pero luego fui haciendo otros arreglos con Víctor Díez, un pianista y músico de sesión con el que suelo trabajar y sugirió algunos cambios que le dieron un toque muy especial; por supuesto, Ronnie tendría que re interpretar la canción por completo, dándole un carácter más íntimo y directo. Realmente quedó genial, habrá gente que prefiera una u otra versión, lo cuál está bien. Esta versión a piano de “Insane” se decidió finalmente como uno de los “extras” exclusivos de la edición japonesa.

                                                       Tony Hernando y Roland Grapow.

- Hay otro tema sobre el que te quería preguntar, sin duda es lo que más me ha impactado del disco y me impresionó desde la primera escucha. Te hablo de “Tears I will be”, un single perfecto. ¿Cómo surgió esta canción y qué quieres expresar con ella?

Resulta la favorita de mucha gente y es otra de mis preferidas también. Ese piano tan nostálgico y dramático es especial. La voz de Ronnie es espectacular en este tema, las diferentes fases del verso, el puente y el estribillo están en tonos distintos y Ronnie llega a unos registros y caracteres muy dispares. También me parece que tiene uno de los solos de guitarra más bonitos de todos los que he hecho. Me encanta ese tema.

                                                       Lords Of Black: "Tears I will be".

- ¿Qué tipo de evolución observas entre el primer disco de Lords of Black y este segundo?

En cuanto al sonido son similares porque la producción y el estilo de sonido de Roland lo iguala todo bastante, hay una continuidad en ese sentido que está bien. Seguro que seguiremos evolucionando y eso se notará más entre el primero y el tercero que entre primero y segundo o segundo y tercero. Ahora, los temas de “II” están algo más destilados y van más “al grano”, por decirlo de algún modo; eso no quiere decir que sean mejores ni peores. Como me gusta llevar algo la contraria, cuando un periodista me dice que el segundo le gusta más que el primero le digo que el primero es mejor y viceversa jaja. En realidad pienso que ambos son muy buenos y con sus características particulares, tal vez el segundo esté más en boca de todos porque es la novedad y además está teniendo una mayor exposición internacional, pero sería injusto dejar que el primer disco pasase desapercibido teniendo canciones como “Nothing left to fear”, “Forgive or Forget” o “When everything is gone”, que son un tipo de temas que no están en el segundo.

- Cada disco tiene su propia personalidad.

Si, son momentos diferentes en tu vida personal y artística y no tiene mucho sentido tratar de replicar un trallazo como “Nothing left to fear”. Es de esas canciones que solo te salen una vez, si la intentas repetir no te saldrá mejor, así que siempre es más razonable hacer algo nuevo y diferente.

- ¿Tienes noticias de la respuesta que pueda estar teniendo este segundo disco más allá de nuestras fronteras?

Todo el feedback que nos llega, ya sea directo a través de los fans como de los medios y los reportes regulares por parte de nuestra compañía son muy positivos.

- Habéis presentado el disco en Madrid, Barcelona y otras ciudades españolas, además de participar en algunos festivales como Leyendas y Ripollet. ¿Cómo resultaron estas actuaciones?

Si, primero presentamos el disco oficialmente con sendos conciertos completos en Bilbao, Madrid y Barcelona. Posteriormente, ya en verano, estuvimos presentes en el festival Leyendas del Rock y el Ripollet Rock, ambos fueron experiencias fantásticas por resultado, reacción de público. Obviamente en estos festivales tienes un tiempo más limitado y debes ir al grano, se deben quedar fuera canciones como “Ghost of you” o “Everything is gone” porque no hay tiempo. Nos encantó tocar en el Festival Leyendas del Rock y sentir todo ese ambiente, además es un festival en el que tuve la suerte de tocar años anteriores con Saratoga y he podido ver cómo ha ido creciendo y evolucionando hasta llegar a ser la referencia que es a día de hoy en cuanto a festivales de Rock en España. Por otro lado, un festival como el de Ripollet es todo un ejemplo también de cómo con trabajo e ilusión un colectivo va año tras año configurando un festival con grupos interesantes que no suelen ser los habituales en los festivales de siempre. En este caso tocamos junto a Myrath y Firewind y fue una gran experiencia, además de que sentimos mucho cariño y seguimiento por parte del público de Barcelona.

- ¿Cómo os arregláis para escoger el repertorio? ¿Es una cuestión interna, alguien lleva la voz cantante?

Es un aspecto que siempre estudié de los grupos que seguía, incluso desde pequeño, y me preguntaba el porqué de tocar unos temas u otros y del propio orden escogido. Normalmente suelo presentar el repertorio y el orden más adecuado según la situación, pero terminamos de definirlo entre todos. Siempre es más difícil cuando tenemos menos tiempo de actuación, por ejemplo esos festivales o la gira con Axel Rudi Pell conllevan una limitación de tiempo que te obliga a exprimirte pensando en la mejor combinación de canciones para que suene todo bien, presentes tus mejores bazas y el público disfrute. 

INICIOS. INFLUENCIAS.

- Si te parece, ahora vamos a retroceder al principio de tu recorrido en el mundo de la música. ¿Cuál es tu primer recuerdo musical? ¿Cuándo decidiste que te querías dedicar a la música?

Mi primer recuerdo trascendente en cuanto a música fue sin duda a través de la Música Clásica, aunque mis primer interés artístico fue el dibujo y la pintura, con la que me desenvolvía bastante bien. Tuve la suerte de crecer en una familia donde las cuestiones culturales o intelectuales eran bienvenidas y favorecidas por encima de otros valores más superficiales. Nos gustaba la Música, la Ciencia, la Historia y otras manifestaciones culturales. He sido muy afortunado en ese sentido, tuve el caldo de cultivo necesario para alimentar la imaginación y sentir el deseo de hacer cosas diferentes, sin ponerme límites… recuerdo mirar absorto los cuadros de Mapas mundiales que había por casa y pensar en lo inmenso e interesante que podría ser el mundo, más allá de mi barrio o mi Salamanca. Siempre tuve deseos de salir y conocer otras gentes, lugares y culturas. Cuando descubrí la Música Clásica fue como una revelación, una llamada, como si formase parte de tu ser o de tu propio ADN. No me valía solo con disfrutarla, sentía la necesidad de entenderla hasta un nivel tan profundo que te empuja a convertirte en músico para poder entender mejor la música que escuchas o incluso para poder interpretarla o crearla. Gracias al conservatorio y con mis hermanas tuve la suerte de disfrutar de este tipo de música. Desde el principio fue consciente que la música con detalles más complejos y virtuosos me llamaba mucho más la atención, me estimulaba mucho la imaginación y las inquietudes. Más allá de la clásica ya había escuchado música Pop y tradicional española, pero nunca me atrajo ni me interesó demasiado; hasta que un día escuché Hard Rock por la radio y enseguida noté un paralelismo con la Clásica, en términos de intensidad y dramatismo. Empecé a escuchar esa épica en las melodías de Deep Purple o Rainbow, Dio, Ozzy y me quedé sorprendido, estos grupos hacían una música que se llamada Hard Rock, Heavy Metal y me resultaba muy próxima a la Clásica. Fue “amor a primera escucha” y, como se suele decir, aquello fue el principio del fin. Sentía que esta música tenía que ver con mi carácter, incluso todo el aspecto visual me llamaba la atención, toda esa imagen rebelde y peligrosa me atraía y me estimulaba.

- ¿Qué canciones o discos fueron los primeros que te llamaron especialmente la atención?

Cuando escuché por primera vez el tema “Mr. Crowley” de Ozzy con Randy Rhoads aluciné. Era la quintaesencia de un guitarrista de Rock con tintes Neoclásicos. No se me olvidará jamás la primera vez que escuché la intro de Don Airey y todo ese dramatismo de la canción con los solos de Randy.

Igualmente me pasó con Rainbow. Cuando escuché el disco “Rising” fue algo revelador, con esos temas profundos y rompedores como “Stargazer” o “Gates of Babylon” del disco “Long Live Rock n Roll”.  Y el empujón definitivo para que me decidiese a tocar la guitarra se produjo cuando escuché a Yngwie Malmsteen y a Dio en solitario. El disco “The Last In Line” de Dio lo cambió todo, ahí conocí a Vivian Campbell, antes de saber que era como un Gary Moore con esteroides. Más tarde, cuando escuché el disco “Dirty Fingers” de Moore, me di cuenta de que prácticamente todo lo que toca Campbell en esos primeros años lo sacó de ahí.

También quiero incluir aquí a los Barón Rojo clásicos, la mejor banda que haya habido jamás cantando Hard Rock en castellano. La formación clásica se encontraba a otro nivel con respecto a los demás grupos del país por entonces. Discos como “Volumen Brutal” o “En Un Lugar De La Marcha” eran como religión para mí, me conocía toda la música y las letras de las canciones. Creo que ningún otro grupo ha conseguido llegar a ese nivel aunando Hard Rock con las letras en castellano haciéndolo tan bien, elegante y nada ordinario. Son y han sido los mejores en este sentido.

- Estoy completamente de acuerdo contigo. Con respecto a “Mr. Crowley”, al que te has referido antes. ¿Qué versión escuchaste? ¿El directo o la del primer disco?

Fue la del primer disco oficial en estudio. Recuerdo que compré el vinilo con mis ahorros de meses y, aunque la primera cara me gustó mucho, fue al pasar a la cara B cuando escuché esa canción y fue un momento revelador y especial.

- ¿Qué tipo de música te siguió interesando tras estos primeros momentos en el transcurso de los siguientes años?

A partir de esos primeros momentos abres la “Caja de Pandora” y te sumerges de lleno en ello. Recuerdo juntarme con los mayores del colegio, los malotes, que te empiezan a pasar cassettes de grupos como Iron Maiden o Accept, entre otros y resulta el principio del fin. Te das cuenta de que el mundo del Rock y del Heavy es muy amplio y apasionante. Cuando empiezo a tocar la guitarra me doy cuenta de que soy capaz de entender esa música y tocarla, comienzo con los primeros riffs de canciones de Ozzy, Maiden o Judas Priest , no paro de adentrarme más y más en Yngwie o Gary Moore en la distancia pero todavía sin atreverme siquiera a intentar tocar sus temas, te hablo de cuando tenía trece o catorce años. Suponía que debía cimentar una buena base con esos grupos de Hard Rock hasta que compruebo que puedo tocar las canciones más progresivas de Iron Maiden, de ahí salto a Queensryche y otros grupos similares hasta que aprendo la primera canción de Joe Satriani. En ese momento la cosa ya se pone seria, pienso que tengo unas ciertas aptitudes y que es el momento de buscar ayuda y guía por profesores o guitarristas más experimentados, ya que hasta ese entonces todo lo había adquirido de modo autodidacta. Aunque estaba en el conservatorio con la guitarra clásica todo era un mundo completamente aparte y muy cerrado, que no me daba respuesta a mis inquietudes de cara a ser un guitarrista que pudiera improvisar, componer su propio material, etc.

Un tiempo después empecé a estudiar en Madrid en el I.M.T., una escuela nueva en aquel entonces fundada por Chema Vílchez quien traía en parte la metodología del G.I.T. de Los Angeles, donde ya soñaba con ir algún día. Recuerdo que ese santuario llamado G.I.T. lo descubrí en el artículo de una revista de Metal Hammer del año 88 u 89 donde decía algo así como “la escuela de los virtuosos de la guitarra...con profesores como Paul Gilbert”; fue como un shock, en ese momento sabía que de algún modo tendría que ir a estudiar a esa escuela de Los Angeles. Mientras tanto, el I.M.T. estaba más enfocado al Jazz y Fusion, algo que me vino genial pues no conocía nada de aquello y era increíblemente técnico en todos los aspectos. Ahí empecé a interesarme muchísimo por guitarristas como Alan Holdsworth o Scott Henderson.

- Entonces tenías claro que debías abandonar Salamanca para seguir avanzando en tu formación e inquietudes musicales.

Sí. En Salamanca había una generación de guitarristas muy buenos, no te hablo de uno ni dos sino de un número importante pero, aunque había gente muy buena y con talento, el circuito era muy cerrado. Nos relacionábamos solo entre nosotros y no parecía que hubiese opciones ni perspectivas de salir de allí. Se trataba básicamente de un problema cultural y de tradición, algo que sabía que tenía que romper saliendo fuera de allí. Tenía esos sueños de viajar y conocer. Mis padres nunca me cortaron las alas, aunque es cierto que tenían los lógicos miedos que pueden generar estas situaciones.

- Eso es muy importante.

Sí, pero no lo tuve nada fácil, lo cual me ha ayudado a forjar una gran fuerza de voluntad y determinación. Pude vivir experiencias y lograr cosas impensables para un chaval de Salamanca: grabar ese primer disco o tocar con músicos tan brillantes sin que fuera por simple golpe de talonario fueron cosas que logré paso a paso, con tesón y determinación.

- ¿Qué recuerdos tienes de tu primera guitarra?

Al principio no tenía ni guitarra eléctrica y tocaba todo con la clásica. Por suerte uno de mis mejores amigos tenía por aquel entonces varias, unos buenos modelos de Fender, Gibson e Ibanez  que me dejaba, y pasaba todo el tiempo que podía en su casa, tocándolas como si fuesen mías. Después pude comprar una primera guitarra gracias a sacar buenas notas al final de curso. Esto se parece completamente al tema de Barón Rojo “Chicos del Rock” cuando Sherpa canta aquello de “comprará la guitarra a escondidas”; era totalmente mi caso, jajaja. Una guitarra baratita pero bien equipada y con una pinta estupenda, algo muy importante para nosotros en aquella de la época donde todo tenía además un componente muy visual y llamativo. Ya después conseguí ahorrar lo suficiente para una guitarra ya de cierto nivel, una Ibanez 550, que realmente usé y abusé durante muchos años y aún la conservo aunque casi nunca la toque.

- Fue entonces cuando te fuiste a estudiar a Los Ángeles. ¿Qué nos puedes contar de esa experiencia? ¿Cómo se materializó?

Lo tuve en mente durante muchos años y era el paso lógico para mi formación, sabía que allí tendría verdaderas respuestas a mis inquietudes y dudas por parte de verdaderos guitarristas experimentados y de éxito en el mundo real, no en el mundo amateur. Fue difícil a nivel personal y familiar dar ese paso porque solo a través de la responsabilidad, los estudios y las buenas notas podría tener el apoyo en casa; una cosa es que a mis padres le pareciese bien que disfrutara de la música pero otra cosa muy diferente era decirles que pensaba dedicar mi vida a ello. No sabían muy bien cómo manejar aquello, en esos años había mucho desconocimiento e ignorancia con respecto al Rock duro y todo esto genera miedo y desconfianza. Aunque finalmente, una vez vieron que llevaba una verdadera dedicación y estaba completamente determinado a lograr mis objetivos a cabo y empezaron a llegar tanto los resultados como el reconocimiento, comenzaron a entenderlo.

- ¿Cómo fue tu experiencia en Los Angeles como estudiante?

Mis planes no eran solo matricularme y sacar uno de los títulos de la escuela, de hecho escogí programas específicos que incluían varios profesores privados y que eran bastante más caros; pero para mí la asistencia a las clases era en el fondo una excusa para poder estar viviendo en Los Angeles, que era el lugar dónde estaban la mayoría de guitarristas que admiraba. Pensaba que podría conseguir clases privadas con algunos de ellos, pero hablamos de la época en la que no había internet y la información era mucho más difícil de conseguir. Conseguir un teléfono era complicadísimo, tenías que tener los contactos adecuados, moverte por los clubs y tiendas de música dónde quizá podrías encontrar a algún mánager, alumno o amigo que conociese a otro amigo y así. El caso es que acabé consiguiendo bastantes de esos contactos, logré el teléfono de Tony McAlpine, de Joey Tafolla o de Derek Sherinian entre otros y conseguí que algunos me diesen clases privadas y grupales. Fueron de verdad estas experiencias las que cambiaron mi mente y mi forma de tocar. Hasta ese momento había aprendido por mi cuenta y pensaba que tenía un cierto nivel, pero desconocía cuanta diferencia había entre esos guitarristas americanos -la mayoría de la del sello de Mike Varney con discos grabados- frente a todos los amateurs que teníamos aspiraciones. La diferencia era abismal, no solo en cuanto a técnica sino en todo lo referente a visión musical y artística, incluso con los músicos europeos. Ahora esta distancia es menor, muchos de los que hemos ido a estudiar allí hemos traído estas ideas a las nuevas generaciones. También está internet que permite acceder mediante canales como Youtube a toda una información a la que solo se podía llegar antes de una manera presencial. Desgraciadamente Youtube es más impersonal, todo el mundo aprende lo mismo y no hay interacción.

- Las clases personales tienen otro talante.

Desde luego, se genera una relación entre el profesor y el alumno como persona. Puedes incluso intimar y generar un lenguaje distinto. He estado sentado frente a frente con músicos como Joey Tafolla, Derek Sherinian, Brett Garsed, Scott Henderson o Frank Gambale entre otros y te aseguro que es todo muy distinto. Hay interacción, incluso puedes acabar alcanzando hasta una amistad como me pasó con algunos de ellos. Se transmite de maestro a alumno toda una mentalidad más allá de la técnica para tocar un instrumento. Me siento muy orgulloso de conservar verdadera amistad años y años después con gente como JoeyTafolla, Andy Timmons o John Petrucci. Son personas muy buenas en lo suyo, muy profundas e inteligentes, con mucha energía creativa; no hay nada de personalidades tóxicas y envidiosas ahí. Me contagiaron muchas cosas, entre ellas el respeto que se tienen entre ellos, nunca hablan mal entre sí, se ayudan y no hay envidias ni otras cosas que se ven mucho en la escena de aquí. Pienso que muchas veces esto ocurre por desconocimiento, viajar te permite conocer otras formas, otras culturas y te abre la mente. Viajar me ha hecho ser más respetuoso con otras personas y colectivos. Siempre va a haber alguien que sepa más que tú de algo y, en lugar de enfadarte o negarlo, tienes que aprovechar y aprender todo lo que puedas.

- ¿Esta etapa americana la viviste durante los noventa?

Concretamente a mediados de los noventa. Lamentablemente en esos años el Hard Rock ya no estaba de moda en Los Angeles, ya había desaparecido para dejar sitio al Grunge, a todo lo alternativo y a lo que más tarde llamamos Nu Metal o Crossover; una pena para mi, jaja. Cuando salíamos los fines de semana a pasarlo bien a sitios como el Roxy, el Rainbow o el Whisky a Go Go solo quedaban unos cuantos frikis con la estética de las botas de piel de serpiente, el pelo largo y todo eso; todos lo demás eran alternativos. No había una escena para buscar grupos en los que tocar Hard Rock. Recuerdo que hice algunas audiciones para alguno de estos grupos solo por probarme a mí mismo y ganar experiencia interactuando con músicos de allí. Llegaba con los temas muy bien aprendidos y lo hacía muy bien para ellos, pero mi estética y mis guitarras no encajaban nunca, jaja.

- ¿Te hubieses quedado en Los Angeles de haber encontrado un grupo en el que pudieses haber tocado la música que querías?

Claro, lo que pasa es que llegué muy tarde. Como decía Yngwie: el momento justo fue a principios de los ochenta, cuando se produjo la explosión del Rock y el Heavy en Los Angeles. Cuando yo llegué la escena estaba muerta y sentenciada, lamentablemente como hoy en día les sigue ocurriendo. En Europa o en Japón el Heavy sigue siendo importante pero allí no. Resulta curioso que EEUU haya sido una cuna para esta música y ahora solo tenga relevancia el Hip Hop o un tipo de Country Pop super “pre-fabricado”.

- Solo los grupos de Rock consagrados pueden seguir adelante en EEUU.

Pero date cuenta de que se trata de un tema nostálgico. Grupos como Van Halen y demás hacen giras o tocan en el Rocklahoma para un público de más de cuarenta años. Es un mercado nostálgico sin cambio generacional.

- Entonces te volviste para España.

Cierto, tenía unos veintidós o veintitrés años y aún era muy inmaduro en muchos aspectos. Tenía que seguir evolucionando en mi propio proceso personal para estar en posición de tocar o grabar mi propia música. No quería tocar con el primer grupo que fuese para perder el tiempo, se trataba de tocar con gente igual o mejor que yo para grabar música de la que sentirte orgulloso. Y tampoco quería tocar como músico de sesión música Pop que no me importara lo más mínimo. Si la música no me gusta no toco, eso es algo que siempre he tenido claro, para bien o para mal. Muchas veces lo pasas mal, es difícil tocar solo lo que tú quieres tocar, pero es importante que tu integridad se mantenga intacta. Precisamente por eso creo que he podido hacer cosas que me han llenado, tanto en mis discos en solitario como en Saratoga o actualmente con Lords Of Black. Respeto todo lo demás, pero tengo clara mi visión y por donde no quiero pasar.

PERFECT SYMMETRY.

- Háblanos de la primera banda que tuviste, que según mi información se llamaba Perfect Symmetry. ¿Qué nos puedes contar de esos inicios?

Imagínate de donde saqué el nombre! Fates Warning siempre ha sido uno de mis grupos favoritos y en especial aquel disco suyo de 1989 titulado “Perfect Symmetry”. Fue su primer disco de madurez en mi opinión, mucho de lo que luego harían y llevarían a las masas con más éxito Dream Theater estaba ya allí. Ellos quizá fueron pioneros pero no aprovecharon tan bien su momento. Volviendo a tu pregunta, Perfect Symmetry éramos un grupo local de gente con mucho talento e inquietudes, pero con diferentes aspiraciones. Me tomaban por loco cuando les comentaba mis ideas de montar algo totalmente en serio, salir de Salamanca y todo eso. Tocábamos muchas de las canciones que acabaron siendo maquetas de mis discos en solitario. También hacíamos otras versiones muy ambiciosas, cosas de Satriani, Tafolla, Dream Theater o Greg Howe. Podíamos tocar en clubs de la zona por las cervezas y cuatro duros pasándolo muy bien, pero no había ambiciones reales.

- Además de tu amistad con músicos como Joey Tafolla o Andy Timmons, has actuado con ellos o compartido escenario, incluso antes de los Guitar Fest. ¿Qué nos puedes contar sobre esto?

Sí, he actuado con ellos y en algunas ocasiones incluso he sido roadie o asistente para alguno de ellos,  por la amistad y confianza que teníamos. Aunque conviene tener claro que durante el trabajo, más allá de esa amistad, la responsabilidad es muy alta y la exigencia de ese tipo de músicos como Petrucci, Tafolla, Timmons o Steve Vai, es brutal; aprendes mucho a su lado. Me sirvió para entender que muchas veces un pequeño descuido, un fallo en los preparativos o en tus funciones como pipa puede arruinar su estado de ánimo y con ello el propio show. Los músicos tendemos a ser un poco especiales o peculiares con algunas cosas y eso es porque puede repercutir en el show. No se trata de comportarse de manera absurda o grotesca, ninguno de los músicos que he citado antes lo hace ni a mí tampoco me gusta, es más bien el deseo de que todo funcione correctamente. Los guitarristas somos un poco meticulosos y exigentes en ese aspecto.

- Es lógico intentar controlar las cosas para que todo salga bien. Luego el público se queja si el resultado final del concierto no es de su agrado.

El músico es el que sale al escenario y tu nombre es el que está en el cartel. Por eso exiges a la gente que trabaja alrededor tuyo que las cosas funciones a la perfección. Si algo falla el último responsable siempre va a ser el músico, que es al que va la gente a ver.

                                                    John Petrucci y Tony Hernando.

DISCOS EN SOLITARIO.

- Publicaste tu primer disco titulado “High” en el 2000. ¿Por qué decidiste lanzarte en solitario? ¿Cómo surgió la posibilidad?

No tenía compañía discográfica y también un desconocimiento total. Acababa de firmar como guitarrista de demostración de productos para Ibanez y otras marcas. Quería presentar ese disco como una maqueta, una colección de mis canciones para que los medios las escuchasen. Además necesitaba material que tocar en las presentaciones y ferias a las que acudía para promocionar los productos de estas marcas. Lo ideal es explicar el producto a través de un show con tus temas. “High” era la excusa perfecta para poder presentar las canciones, aunque fuese sin banda y usando los backing tracks del disco. Una cosa llevó a la otra y los temas interesaron a algunas discográficas, eran los últimos momentos en los que las casas de discos mostraban algún interés en la música instrumental. Lion Music, una compañía finlandesa especializada en guitarristas de gran nivel, se fijó en mí y me cogió a prueba tras escuchar el disco y en función de las maquetas posteriores que les presentase. No desaproveché esa oportunidad.

- Tuviste una gran oportunidad entonces.

Sí, la compañía me financió la producción del siguiente disco, lo que me permitió poder realizarlo con más medios y seguridades. Desgraciadamente esto ya se ha acabado hoy día, no hay un mercado para la música instrumental.

- El mercado musical necesita reinventarse, cada vez compra menos discos la gente.

Pero es como la pescadilla que se muerde la cola. La gente no compra discos porque se los descarga gratuitamente ahí fuera. Hemos vestido todo esto de una falsa legalidad que no es cierta. Por un lado están los que directamente se bajan el disco gratis, pero luego tenemos esas plataformas digitales que en realidad le dejan al músico un porcentaje de beneficio sobre su obra totalmente ridículo. Para el músico no queda nada, se lo están llevando crudo otros, las grandes corporaciones y anunciantes que no tienen nada que ver con la música y que obtienen sus beneficios vendiendo los soportes que te permiten acceder a lo que te quieras descargar. Las grandes compañías telefónicas y todo su entramado ofertan los sistemas que permiten descargarse la música a la gente. El artista tiene un producto y esas grandes compañías te lo cogen, sin remunerar nada, y lo ponen en sus plataformas a disposición para el consumo de la gente.

- De hecho hay toda una nueva generación de jóvenes a la que le resulta impensable que tengas que pagar por adquirir música. Ni siquiera hay un concepto de disco o cd como obra completa, la gente se baja discografías completas que no van a escuchar con la atención necesaria.

Por supuesto. No tiene sentido intentar explicar estas ideas a las nuevas generaciones que han nacido con el derecho a obtener gratuitamente todo lo que salga por el grifo de internet. Ni siquiera se degusta de la misma manera la música. Si a mí me hubiesen pasado “Mr Crowley” por primera vez en un archivo de una discografía completa en vez de descubrirla como lo hice, ahorrando y deseando escuchar el disco en cuanto lo pude tener entre mis manos, seguramente hubiese escuchado diez segundos de cada canción y me hubiese pasado desapercibida. Todo el esfuerzo para conseguir algo, al ritual de abrir el disco, colocarlo en el plato, mirar la portada, los créditos o las fotos, convierten ese momento en algo especial y te predisponen para disfrutar en su totalidad de lo que vas a escuchar.

- Todo eso ya se ha perdido.

Y si has perdido esto el siguiente nivel puede ser el de asistir a los conciertos. Hay gente que decide no ir al concierto porque al día siguiente lo tendrá entero por Youtube. Además, muchos de los que no asisten encima se permiten el lujo de especular sobre la calidad de la actuación solo por el video pirata que ven en Youtube. La experiencia de estar en directo en un concierto no tiene nada que ver con verlo por la pantalla de un ordenador, son dos mundos distintos.

- ¿Estaban las canciones de tu primer disco “High” ya compuestas  o las preparaste  para el disco?

Sueles tener cosas que revisas de otros momentos, lo que ocurre es que filtras mucho el material porque siempre estás en un momento vital y personal especial, distinto. Tienes mucho cuidado con la música que quieres mostrar, puesto que es la que te va a representar, la que va a hablar sobre ti en ese momento.

Generalmente empiezas con las demos pasadas y rechazas el noventa y cinco por ciento de las mismas, igual conservas alguna idea que modificas y mejoras. Lo normal es que acabes componiendo específicamente para el disco que tengas entre manos, buscas cosas nuevas porque estás en otro momento de tu vida, con otro nivel de exigencia.

- ¿Qué sensación tienes ahora, de manera retrospectiva, de estos inicios discográficos en tu carrera solista?

La sensación que me queda de mis dos primeros discos es un poco la de haber intentado mostrar muchos estilos musicales distintos. Quise incluir cosas de Blues, Fusión, Jazz, Hard Rock o Neoclásico y no lo haces del todo convincente porque no dominas a la perfección todos los estilos. Todo es un aprendizaje y, aunque incluyas distintos matices en cada tema, se trata de buscar tu propio sonido, tu propio tipo de música en el que puedas alcanzar el mayor nivel posible.

- Entonces ves tus dos primeros discos con ese punto de experimentación y búsqueda de tu sonido.

Siempre intento introducir matices de diversos estilos, pero si tocas demasiados palos corres el riesgo de no dar contundentemente en ningún lado. Siempre hay cosas de guitarra Clásica, de Jazz Fusión u otros elementos en mis discos porque me gusta retarme, aunque la esencia viene a ser ese Rock instrumental duro con tintes Neoclásicos.

- Para tu segundo disco, “The Shades Of truth”,  contaste con Mike Terrana. ¿Cómo se produjeron estas colaboraciones?

Me puse a trabajar para producir las nuevas demos. Llamé a mi amigo Mike Terrana para grabar las baterías. Conservaba una muy buena amistad con Mike desde cuando iba a verle actuar regularmente en Los Angeles cuando era el batería de Tony McAlpine. Con Mike intimé bastante y solíamos salir a tomar algo. Un día, entre bromas y risas, le dije que cuando tuviese el nivel y la posibilidad de grabar un disco bueno de verdad le llamaría; y llegó ese día. Terrana se había venido a vivir a Europa, lo que facilitó mucho las cosas. Vino a España, grabamos muy rápido sus partes y empezamos a tocar juntos. Por entonces compaginaba con Rage y Axel Rudi Pell, por lo que tenía que buscar huecos en la agenda para poder trabajar con él, pero todo salió adelante. Seguimos siendo grandes amigos. Su presencia le dio un gran empujón a mi nivel de exigencia, me motivé especialmente para poder entregarle grandes canciones.

                                                   Mike Terrana y Tony Hernando.

- El tema “Behind the catwalk” me llama especialmente la atención. Tiene un cierto aire a músicos como Satriani. ¿Qué nos puedes contar de él?

Tiene ese punto a lo Steve Vai o Satriani, que son algunas de mis principales influencias, lleva un toque funky. Me gusta mucho el título. Siempre he intentado poner títulos imaginativos y que den para pensar,  cuando escuchaba los discos de la factoría de Mike Varney los títulos de las canciones me resultaban intrigantes y hacían volar mi imaginación.

- “Broken Hero” es un bonito tema lento. Con ese toque elegante a lo Gary Moore. ¿Querías un tema lento en al álbum o fue como salieron las composiciones?

Es el tema suave del disco. Jeff Beck fue tal vez de los primeros en mostrar este tipo de composiciones en sus discos instrumentales. Su canción “Cause we’ve ended as lovers” marcó el camino a seguir para músicos como Gary Moore, que hizo su famoso “Parisienne walkways”. Más tarde músicos como Steve Vai, Satriani o Andy Timmons han hecho sus propias power ballads. A mí también me apetecía hacer mi propio tema lento por lo que esta canción me resulta muy especial.

- Luego llega el tercer disco “III” y el directo “TH III Live”. En tu anterior cd nos encontrábamos toques más Bluesy e incluso Funk, pero este es más rockero, más progresivo. ¿Escoges estas vertientes deliberadamente o surge durante el proceso compositivo?

Veníamos de hacer el primer Guitar Fest con Andy Timmons y Freak Kitchen, que me resultó una experiencia muy bonita y didáctica en cuanto a aprendizaje pero muy dura en el sentido de seguir caminando sin dar ningún paso atrás. Quería seguir avanzando a nivel musical, rodearme de gente que tuviese al menos el mismo nivel de ambiciones. Decidí hacer un disco en el que abordase principalmente el tipo de música en el que mejor me muevo y más domino, no se trataba de ir por las ramas tocando varios palos. Hice canciones más directas y concisas, mejor arregladas, producidas y compuestas, temas que contaban más cosas en menos tiempo y mejor. Necesitaba unos músicos con una base más poderosa. El bajo lo grabaron Pepe Bao y Álvaro Tenorio, Pepe los temas más Funk y Álvaro los más rockeros. Mike Terrana también hizo un trabajo espléndido, estaba muy contento con el nivel de las canciones que le había presentado. Teníamos mucha conexión en el estudio y notábamos que de ahí iba a salir algo importante.

- El disco tuvo muy buena acogida por parte de prensa y público.

Sí, vendió muy bien, la compañía estaba bastante contenta con los resultados comerciales. Esto nos dio pie a hacer más conciertos y a grabarlos en audio, incluso uno de ellos lo grabamos en vídeo para sacar un dvd. Realizamos otro Guitar Fest y vimos que el grupo sonaba perfectamente. Grabamos un par de shows y nos encontramos con material suficiente para publicar un disco en directo. En la grabación del dvd, pese a que el grupo tocó muy bien todos los temas, tuvimos un corte de luz por lo que hubo un par de canciones que no pudimos registrar. De todos modos teníamos el material necesario. El presupuesto que tenía para la realización del dvd era limitado, así que editamos un concierto de no demasiada duración pero con bastantes bonus y extras. Pienso que el conjunto final resultaba bastante interesante. A la gente le gustó mucho, el grupo estaba a un gran nivel, Mike y yo estábamos muy compenetrados. Por otro lado creo que el sonido final del directo es bastante bueno. Me parecía muy interesante tener en mi discografía algo visual, estamos hablando de la era pre Youtube y si querías mostrarte visualmente a las compañías o productores el dvd era el mejor medio.

- El disco en directo tiene el dvd con el concierto y los extras por un lado, mientras que por otro está el cd con algunos temas distintos. ¿Por qué esta disposición?

Quería hacer el directo lo más completo posible. Teníamos bastantes grabaciones de audio de los shows y además el vídeo de un concierto, así que lo que hice fue incluir bastantes extras, set list diferentes, temas extras, incluso unas canciones de estudio nuevas que estaba grabando. Se trataba de ofrecer un pack lo más completo y variado posible. Intentamos poner a la venta algo muy completo y con muchas cosas a un precio económico. El dvd resultó un éxito, funcionó muy bien. Entonces surgió lo de Saratoga.

- Tus discos son principalmente instrumentales. ¿Es una decisión premeditada? ¿No te planteas contar con un cantante o cantar tú mismo?

Estaba interesado en hacerlo instrumental. Mi nivel de exigencia con los cantantes es muy alto, piensa que mis cantantes favoritos son Ronnie James Dio o Freddy Mercury, por eso cuando estoy tocando ahora en Lords Of Black con Ronnie Romero la sensación es fantástica.  Por debajo de este nivel no disfruto. Yo mismo no tengo un gran registro pero puedo cantar, me manejo bien en determinadas tesituras, sin embargo no para hacerlo como verdadero cantante, así que la decisión de hacer mis discos instrumentales estaba clara.

- Sueles usar teclados. ¿Te parecen importantes o necesarios a la hora de exponer tus ideas musicales?

Suelo componer  bastante con piano y órgano pero en los discos tocan otros. Contar con gente como Vitalij Kuprij o Víctor Díez es todo un placer. Son instrumentistas fabulosos. Me interesa más el papel del teclado en mis discos en solitario. Si hablamos de Lords Of Black, aunque hay determinados momentos o pasajes que lo tienen, pienso que su peso específico en el sonido global no es tan importante.

- “Actual Events” es tu último disco en solitario hasta la fecha. Lo empezaste a producir en los estudios eslovacos de Roland Grapow y lo publicaste en 2009. ¿Qué nos puedes contar de la grabación?

Lo hice en medio de toda la vorágine con Saratoga. Puede que sea el disco en solitario del que esté más orgulloso. Lamentablemente no pude realizar una gira de presentación con Terrana porque Saratoga ocupaba todo mi tiempo. Lo que hice fue tocar algún que otro tema del disco en el siguiente Guitar Fest que organicé. El batería que me acompañó en esta ocasión fue Jeremy Colson, que ha tocado con Steve Vai entre otros.

- Jeremy Colson es otro grandísimo batería. ¿No pudiste contar con Mike Terrana?

Como te decía, en aquellos momentos tenía un agenda muy ajustada por Saratoga. Terrana por su parte tenía otros compromisos y además me apetecía cambiar y probar con otro grandísimo batería para ver como cambiaba la dinámica de mis canciones. Colson es un tremendo batería y aún resaltaré más su persona, llena de vitalidad, buena energía y humanidad. Disfruté mucho tocando con él. Espero poder volver a hacerlo en el futuro.

- “Signals of agression” o “State of mind” siguen aportando esa vertiente afilada y densa. Aunque el gusto por la melodía está presente en todo el disco. ¿Qué papel juega la melodía en tus discos?

El disco es más denso que los anteriores.  Pero la melodía es esencial para mí, si no hay melodía no me interesa la música, por muy potente o técnica que sea. Me gusta mucho la densidad y la oscuridad, en este disco hay mucha guitarra de siete cuerdas y por eso impacta bastante. Lo que hago ahora con Lords Of Black también tiene esa oscuridad, es como los discos de Heaven & Hell o algunos más densos de Dio como “Strange Highways”. Sin embargo necesito que haya melodía, un buen cantante que tenga ese toque melódico o un guitarrista en los solos. Sin melodía es demasiado oscuro para mi gusto. Por ejemplo la música de Beethoven es muy densa pero siempre se abre entre esa oscuridad una serie de melodías de gran belleza y dramatismo. De otro modo, como sucede en algunas bandas muy modernas y técnicas, si falta el componente melódico entonces me resulta todo muy machacón, al cabo de una canción ya he acabado saturado.

- ¿Estás contento con la grabación y el sonido obtenido en estos discos en solitario? ¿Cambiarías algo si pudiese hoy en día?

Los músicos no soportamos nada de lo que hayamos hecho el día anterior y lo cambiaríamos todo de nuevo, jaja. Me pasaría todo el día mejorando todas mis canciones, pero es muy propio de casi todos los músicos. Lo que si me hubiera gustado al principio hubiese sido tener alguien con experiencia para producirme los discos. Todo lo relacionado con la producción lo tuve que aprender más lentamente a base de ensayo y error, de otro modo hubiese aprendido más rápido cosas que ahora me resultan obvias. Esto lo tenía muy claro Mike Varney, cuando descubría a un nuevo talento le metía en un estudio con productores experimentados que sabían muy bien lo que tenían entre manos. Puedes ser un gran músico y no saber siquiera dónde está el botón de record en el estudio así que, si tienes a alguien que sabe a tu lado, puedes aprender mejor y más rápido.

- Muchas de las presentaciones de tus discos las has llevado a cabo de la mano del Guitar Fest. Se trata de un concierto/festival que organizaste en el que compartes cartel con otros guitarras y músicos de primera fila. ¿De qué manera surgió la posibilidad de montar este tipo de festival? ¿Está inspirado en el G3 de Satriani?

Tenía muy claro desde hacía tiempo que quería poner en marcha algo así. Por entonces solo existía el G3 de Satriani y pienso que nos inspiró a todos. No en todos los países había una réplica parecida a esa, creo que la que organicé fue una de las más originales, incluso diría una de las primeras. Pero debo decir que usar el término “Guitar Fest” era adecuado, además de por ser “genérico” y por ello no estaba sujeto a derechos, por lo que me parece muy poco ético y de mal gusto cuando he visto usar en alguna iniciativa similar el cartel “G3”, marca que está registrada por Joe Satriani.

- Esta iniciativa tuya nos ha permitido poder ver actuar en directo a grupos o artistas que, de otro modo, hubiese sido más difícil verlos por aquí en esos momentos.

Resultó un importante esfuerzo por mi parte para poner en marcha esos festivales. Creo que de alguna manera ayudé a la escena y a que el público de aquí viese en directo a algunos guitarristas que de otro modo no vendrían a España. La idea me pareció muy buena y puede que en la actualidad la respuesta hubiese sido mayor. El único sentimiento agridulce es que no creo que se acabase de corresponder con el suficiente cariño por el mero hecho de hacerse desde aquí, si lo haces en cualquier otro país la respuesta es más positiva, se te aplaude y ayuda. Aquí encontré mucha resistencia y muchos problemas en líneas generales. Creo que se debe en parte a la naturaleza de este país.

- ¿Fue difícil de organizar el festival?

Una locura. Piensa que, además de ser uno de los artistas que actúa, eres el promotor que se juega el dinero y el tour manager que tiene que estar al cuidado de atender a los demás grupos y que nada falle. Entendí pronto por qué todos los grandes artistas tienen manager, representantes y un grupo de personas que se encargan de sus cosas, así el músico no se mancha las manos con estas presiones y se puede concentrar en la música que es como debe ser. En mi caso tenía que salir a tocar después de haber solucionado todos los problemas de mi banda y de los demás grupos. Mucha presión.

                                                    Andy Timmons y Tony Hernando.

- La primera edición se celebró en 2003. ¿Cómo conformaste el cartel con Andy Timmons y Freak Kitchen?

A Andy le conocía de hacía bastante tiempo, había tocado con él e incluso había sido su técnico en otras ocasiones y fue relativamente sencillo contar con él. En cambio Freak Kitchen y Matthias Eklundh eran toda una incógnita para mí, tenía algún disco y los conocía pero no había profundizado en ellos. Fue mi guitarra rítmico de entonces, muy fan de ellos, el que me recomendó e insistió en que contase con ellos. Fue un acierto porque se portaron de manera fenomenal, ofrecieron grandes actuaciones y en la carretera fueron muy buenos compañeros. Resultó muy divertido estar con ellos. Les traje por primera vez a España y el público pudo conocerlos, les sirvió para encontrar una audiencia que le ha permitido seguir viniendo en ocasiones posteriores.

- Esto mismo ocurrió también con Richie Kotzen en la siguiente edición de tu festival.

Es verdad, la primera vez que Richie actuó en España fue con el Guitar Fest. También fui el primero en traerlo a nuestro país, igual que a Andy Timmons o a Joey Tafolla; pero no pienses que te lo va a agradecer alguien, eso ya es otro tema.

- ¿Traes a estos músicos asumiendo el papel de promotor tú mismo con todo lo que ello conlleva? ¿Intentaste buscar algún  copatrocinador entre las casas de música con las que trabajas?

Siempre intentas buscar la ayuda de algún copatrocinador o de algún otro promotor porque el riesgo es evidente.

- En otra edición contaste con William Stravato.

Es otro de mis mejores amigos, compartí con él parte de mi estancia mientras estudiábamos en Los Angeles. Es un guitarrista mucho más orientado a la Fusión y al Jazz que al Rock, es un grandísimo guitarrista y como un hermano para mí.

- ¿Tienes intención de volver a retomar el Guitar Fest en el futuro?

Nunca se sabe, por el momento mi prioridad está en Lords Of Black. Eso ya está ahí, por lo que habrá que ver en el futuro.

                                                     Tony Hernando y Richie Kotzen.

SARATOGA.

- Háblanos de cómo y porqué entraste a formar parte de Saratoga ¿Os  conocíais, habíais  tocado antes juntos en otros grupos?

Esto fue tras la gira de mi disco en solitario “III” y la publicación del dvd en directo. Fue entonces cuando conocí a Niko Del Hierro, que se encontraba a la búsqueda de cantante y guitarrista para poder rearmar la banda y continuar tras el abandono de Leo y Jero. Esto significaba dejar mi carrera en solitario parada hasta nuevo aviso, pues la misión de volver a poner en marcha y consolidar una banda que llevaba varios años funcionando a gran nivel iba a ser, cuanto menos, ardua; de hecho no fue hasta el 2008 o 2009 que tuvimos un descanso en el grupo y pude encontrar un hueco para lanzar mi siguiente disco en solitario. Lo grabé en Eslovaquia con Roland Grapow y nuevamente con Mike Terrana.

Volviendo a tu pregunta. Entré en Saratoga oficialmente el 1 de Enero de 2007. Ese grupo necesitaba mucha dedicación porque había que levantarlo desde cero, se había quedado Niko solo y se apoyó mucho en mí al principio. Andy estaba estudiando en Holanda, seguía interesado en participar en el grupo pero iba a permanecer allí mientras Niko encontraba un guitarra y un cantante. Para el puesto de vocalista llegamos a probar a más de treinta chicos y estábamos desesperados porque no encontrábamos a nadie adecuado. Me pasé un mes escuchando demos y vídeos de cantantes, a algunos los probamos presencialmente tras pasar ese primer filtro de la primera escucha. Finalmente hicimos una selección de siete u ocho cantantes y empezamos a ensayar con ellos en estos mismos locales (N. de R: Lugar en el que nos encontramos realizando la entrevista). El asunto quedó reducido a dos vocalistas pero seguíamos sin tenerlo nada claro. Niko tenía mucha presión porque se trataba de sustituir a Leo y no podía cagarla, toda la prensa y el público iban a estar muy pendientes. El último día y contra todo pronóstico apareció por allí un chaval con pinta desenfadada y super simpático, pero que así, a primeras, no me parecía que fuera cantante ni nada parecido, jaja. El caso es que en cuanto empezó a cantar fue algo inmediato, Niko y yo nos miramos y supimos que era el adecuado. Era el cantante que mejor cantaba y más cercano estaba a Leo en cuanto a timbre y actitud en la voz de todos a los que les realizamos una audición. Más tarde supimos que Tete había sido alumno de Leo y le admiraba mucho, tenía influencias suyas pero también pensamos que con el tiempo iría desarrollando su propia personalidad. El grupo en esos momentos necesitaba un cantante así. Podíamos haber buscado a otro tipo de vocalista y haber montado un grupo con nombre distinto, pero Niko no podía si quería seguir teniendo una cierta continuidad para Saratoga. Sin duda acertamos en la elección de Tete.

                                                            Saratoga.

-Así que el grupo ya estaba montado.

Andy volvió de Holanda, empezamos a tocar y a ensayar para presentarnos de la mejor manera posible frente a la gran presión y las altas expectativas que todo el mundo tenía en nosotros. Actuamos en el ViñaRock, un festival muy importante al que asistíamos como cabeza de cartel presentando a la nueva formación. Ese día pasamos una gran presión, sobre todo Tete y yo, pero nos conjuramos entre todos y nos salió un gran concierto. La gente nos recibió muy bien, obviamente Leo y Jero tenían sus fans acérrimos pero, salvo contadas excepciones, todo el mundo aceptó y reconoció al nuevo grupo. Piensa que nadie echó a Leo o a Jero, ellos mismos se fueron y ahora había un nuevo grupo.

-Realizasteis varios conciertos, tanto en España como en Sudamérica. ¿Cómo te sentiste tocando dentro del grupo en esos primeros momentos?

La gente fue muy respetuosa con nosotros, se nos dejó trabajar y demostrar que éramos una banda fantástica en directo y, en cuanto pudiéramos, demostrarlo con nuevos discos también. Realizamos nuestros primeros conciertos, incluso la primera gira en Sudamérica del grupo se hizo con esta formación. Son recuerdos que guardaré en mi memoria para siempre con mucho cariño. Grabamos el disco “VII” y después, lo digo sin tapujos y de modo sincero, con “Secretos Y Revelaciones” pienso que hicimos uno de los mejores discos de Heavy Metal en español; a la altura de esos primeros discos de Barón Rojo y el que honestamente me parece mejor disco de toda la carrera de Saratoga, con grandes canciones, una producción y sonido del que la banda adolecía hasta entonces. Sin embargo, ya con la salida de ese disco en 2009 empezaron a cambiar la dinámica y las relaciones personales. La crisis económica se notó mucho, nos pegó de lleno a todos en general. El grupo estaba tocando mejor que nunca pero la respuesta era cada vez menor. Pienso que Niko no fue capaz de adaptarse a esta nueva situación, no intentó apoyarse en nosotros. Él venía de la época en la que las contrataciones anuales de Ayuntamientos y festejos era muy potente por lo que tenía muchos conciertos al año, además de sacar los discos de manera regular y estable con una compañía. Con la crisis se pasó a un número de actuaciones muy baja, las contrataciones de tipo público prácticamente desaparecieron y el circuito empresarial privado casi desapareció; si a eso le añades temas personales importantes y la muerte repentina de Javier Gálvez, el mánager de toda la vida, te puedes imaginar. Te hablo de la tormenta perfecta, todo esto unido a la crisis económica fue llevándose por delante al grupo.

-Si ya me parece complicado poner en marcha un grupo nuevo y que llegue al éxito, es igualmente difícil o más que ese mismo grupo sufra bajas importantes y los nuevos músicos consigan reflotar de nuevo el nivel. Pienso que lograsteis darle a Saratoga esa impronta.

Gracias por tu opinión. Creo que la mayoría de la gente vio ese esfuerzo y el mérito de volver a levantar aquello. Durante un tiempo todo marchó perfectamente, éramos una piña y Niko confiaba mucho en mí para tirar con la banda. Siempre fui muy profesional, dejé todo mi sudor y esfuerzo para lograr el máximo del grupo. Sin embargo, la situación cambió y vinieron los problemas. Imagino que Niko dejó de intentar que lucháramos todos juntos contra las adversidades y empezó a pensar en aflojar todo el asunto, para retomarlo más adelante con la formación antigua.

-¿Entonces piensas que Niko no se comportó todo lo correctamente que hubieseis deseado? 

Podría haber sido un poco más sincero con nosotros puesto que lo que sabíamos que iba a suceder, sucedió; y no mucho después, de hecho no llegó al año de habernos “tomado un descanso indefinido”. Yo creo que ya estaba todo claro con respecto a Dani y a Jero pero, por las razones que fueran, Leo declinó la oferta y tuvieron que llamar a Tete.

-Tete habló contigo al respecto de la oferta del grupo.

Sí, Tete y yo teníamos mucha amistad. Vino a mi casa a decírmelo y pedirme de algún modo mi aprobación, ya que sin duda era un poco raro que Andy, Tete y yo viéramos morir el grupo juntos y ahora él solo fuera a volver; bueno, era su decisión y me pareció bien, yo ya estaba al cien por cien con la mente en Lords Of Black.

-Los discos que sacasteis con Saratoga me parecen realmente buenos. En particular “Secretos Y Revelaciones” me parece que sobresale del resto.

Son obras muy dignas. Era una banda con muchas ambiciones en la que Andy y yo le dábamos un perfil muy moderno a su música ya que las producciones, los riffs o las letras anteriores estaban muy anticuadas. Le dimos un gran enfoque nuevo y moderno a partir de “Secretos y Revelaciones”.

-Tu primer disco con el grupo fue “VII”. El disco tiene muy buenas canciones ¿Puede ser que la nueva formación estuviese buscando su sonido?

En este primer cd el grupo estaba aún conociéndose, es un buen disco aunque la banda no está todavía conjuntada y no exprime lo que mejor sabe hacer cada uno. Ya para “Secretos Y Revelaciones” nos conocemos perfectamente y componemos específicamente para potenciar nuestras respectivas virtudes, por lo que conseguimos una selección de canciones realmente fantástica.

-Uno de los temas que más me llamó la atención en su día del disco “VII” fue “Dueño del aire”. ¿Qué nos puedes contar de esta canción?

Si, era uno de los dos mejores temas de ese disco, junto con “Sigues estando en mi vida”. Ambas eran composiciones en las que ya tanto Andy como yo avanzábamos una nueva dirección musical. Pese a ser grandes canciones, cuando se decidió lanzar el primer single, se escogió “El vuelo del halcón”. Era como disparar la munición en la dirección errónea. “Dueño del aire” me parece una gran canción de Heavy Metal, muy melódica.

-La presencia de teclados se acentúa algo más en estos discos. En vuestro siguiente cd “Secretos y Revelaciones” también se nota. ¿Qué papel te parece que debían jugar los teclados en el grupo?

No es que esté presente, es que esta formación por primera vez incorpora los teclados o el piano en su música. Tienes a Andy que, además de tocar la batería, es un gran pianista. A partir del disco “VII” empezamos a usar ese perfil de orquestación y piano como instrumento principal en el tema “Sigues estando en mi vida”, resultando todo un éxito entre el público y en los directos. Para “Secretos Y Revelaciones” volvimos a echar mano de ese perfil musical en algunas canciones como “El planeta se apaga”. Algunas de mis composiciones estaban pensadas para que Andy aportase esos matices con el piano, como por ejemplo un tema del que estoy orgulloso y que es “Lágrimas de un ángel”. Esta canción tiene ese toque épico y lleva esos arreglos con los teclados, de hecho aquí ya aparecen detalles de lo que sería mi estilo compositivo en Lords Of Black.

-Para la producción contasteis con Roland Grapow, con el que habías trabajado en tus discos en solitario.

Si, incorporé a Roland para aportar al grupo algo de lo que adolecía. La banda tenía buenos músicos y buenas canciones pero le faltaba una producción buena, grande y poderosa, de esas que cuando pones el disco te da un subidón. El sonido es una de las principales diferencias entre la mayoría de cds nacionales con respecto a muchos de los grupos de fuera, a veces pones discos que parecen maquetas y eso desvirtúa el resultado final.

-“Secretos y Revelaciones” supone un salto cualitativo dentro de la música del grupo.

Se produce ese salto a todos los niveles, una especie de antes y después. El problema fue la irrupción de esos otros factores que comentaba antes y que no estaban bajo nuestro control. La llegada de la crisis económica, la muerte de Javier Gálvez y otra serie de cuestiones personales se nos metieron en medio.

-El último cd en el que trabajaste con el grupo fue “Némesis”. Este disco tardó un poco más en salir. ¿A qué se debió esto? ¿Influyó todo el tema de la crisis y el bajón en los conciertos?

Absolutamente. De hecho, me asombra que ese disco llegara a salir. No me malinterpretes, es un disco buenísimo, lo que pasa es que ya estaba más o menos claro lo que iba a suceder con del grupo, era solo cuestión de tiempo. El disco se grabó sin ganas de realizarlo por parte de nadie del grupo. Te aseguro que soy de esas personas que cuando empiezan algo lo acaban, además de hacerlo siempre con convicción y dedicación porque es tu nombre y tu música la que va a quedar ahí para siempre; así que ya que iba a haber un disco más, quise asegurarme de que saliera bien al menos. Me tuve que volcar completamente para sacarlo adelante, realmente lo produje yo y me tuve que encargar de mezclarlo con Roland Grapow. Tuve que hacer verdaderos malabarismos para acabar ese disco, nadie del grupo parecía interesado en que el cd saliera siquiera a la calle. El disco cuenta con canciones muy interesantes como “Juicio Final” o “Hasta el día más oscuro” entre otras, pero de nuevo se optó como single por una de las peores.

 

-Ya veías que la cabeza de Niko estaba en otro lado.

Absolutamente.

-¿Cómo está la relación con Niko a día de hoy?

No hemos vuelto a tener ningún tipo de contacto, pero yo me quedo con las cosas buenas y prefiero recordarle cuando se apoyó en mí para sacar Saratoga de nuevo adelante. Entonces fue muy valiente queriendo llevar la música a otro nivel, con ciertos cambios o ampliaciones estilísticas que conllevaban ciertos riesgos para él.

-La gira de “Némesis” tuvo unos cuantos puntos álgidos, como el concierto XX Aniversario en 2012 que hicisteis invitando a antiguos miembros. ¿De quién fue la idea de aquello?

Se invitó a todo el mundo. El ambiente fue muy bueno, se trató de un concierto especial y tocamos muy bien. La única anécdota negativa supongo fue la ausencia de Jero. Ya que era un concierto veinte aniversario, lo suyo es que hubieran asistido y participado todos los miembros del grupo. Hubiera sido lo mejor para el show y para el público, pero bueno, así fue.

Por mi parte, desgraciadamente tengo el recuerdo amargo de que, justo al acabar el concierto, tenía que ir urgentemente a Salamanca porque mi madre había ingresado en el Hospital en estado grave. No me imaginaba que en cuestión de veinticuatro horas fallecería. Fue realmente muy duro.

-¿Qué recuerdos tienes del último show que ofreció esta formación de Saratoga en la sala Arena en 2013 y de los conciertos de despedida en México?

Estuvo muy bien, tocamos muy bien y a la gente le gustó mucho. La sala estaba llena y pienso que el público disfrutó con la actuación. Luego fuimos a México para ofrecer nuestros cuatro últimos conciertos, también sonaron bien y el público se volcó con nosotros. Recuerdo que en el último show de todos en México DF la sensación fue algo rara, en el tema final sabías que eso se iba a acabar y durante los últimos compases la sensación era extraña. Lo que ocurre es que, sabiendo cómo estaba todo el tema, en el fondo lo sentí como un alivio. En cuanto acabó todo, justo al bajar del avión en Barajas, me puse a poner en marcha todo acerca de Lords Of black.

 -¿Cuál es tu sensación y tu recuerdo de tu estancia en Saratoga?

Me quedo con toda la gente que conocí, todo el público para el que tuve la suerte de tocar tanto aquí como en Latinoamérica mereció la pena. Lo más importante de Saratoga, aunque acabase todo de una manera un tanto amarga, es que la música que hicimos estuvo muy bien y aguantará el paso del tiempo mucho mejor que otras de sus épocas. Yo fui un completo profesional, me entregué al grupo y a los fans al cien por cien; no creo que Niko tuviera ninguna queja mía a nivel profesional, ni los fans tampoco. En mis siete años dentro del grupo siempre noté muchísimo cariño por parte de los fans.

CONCIERTO TRIBUTO A DIO.

-En Abril de 2013 organizaste un concierto para homenajear a la figura de Ronnie James Dio. ¿Cómo salió la idea de montar este homenaje?

Lo cierto es que soy una persona muy inquieta y siempre estoy pensando en llevar a cabo diversos proyectos que me estimulen y me hagan crecer, incluso si algunos de ellos son una locura. Un tributo a Dio, con veintidós músicos involucrados es una tarea de cuidado. Sin embargo me siento muy orgulloso y satisfecho porque soy un gran admirador de Dio y el hecho de tocar más de veinte temas de toda su discografía con ese elenco de cantantes y músicos espectacular fue algo muy especial.

-Primero actuó  Rainbow In The Black y luego el All Star Band. ¿Os repartisteis de algún modo los temas a interpretar?

El grupo de Gabi Boente lo hizo fenomenal. Les propuse que se ocupasen un poco más de la etapa de Ronnie en Rainbow y Black Sabbath para que el grueso de su carrera solista lo hiciera yo con el grupo “All Star” montado para la ocasión, todo el material clásico con Vivian Campbell o Craig Goldie.

 

-Además de interpretar los clásicos que todos conocemos, tocasteis temas de “Dream Evil”, “Sacred Heart”, “Lock Up The Wolves”, “Strange Highways” o “Killing The Dragon”. Te felicito porque no es habitual que un homenaje se salga de lo esperado y esto ofrece un plus a los seguidores. ¿Fue complicado equilibrar el show teniendo en cuenta la cantidad de canciones de Dio?

Sí, intentamos realizar un set list en el que, además de los clásicos que nunca pueden faltar, pudiésemos tocar una serie de pequeñas joyas que no eran tan habituales ni siquiera en los propios conciertos de Dio. Queríamos sorprender al público con todo ese abanico de temas. Incluso hicimos un par de canciones de discos de Dio más oscuros como “Strange Highways” y cosas así.

-Ya puestos y buscando el detalle, siempre desde el cariño. ¿No pensasteis tocar algo de “Magica”, “Angry Machines” o “Master Of The Moon” para cerrar el círculo y tocar algún tema de todos sus discos de estudio?

Lo cierto es que esos tres discos que me citas me resultan los más irregulares de la carrera de Ronnie Dio en solitario. Puede que “Master Of The Moon” tenga alguna canción más poderosa, pero en los otros dos no encuentro ese tema que te ponga arriba. Incluso el propio Ronnie en su última gira no tocaba ningún tema de esos discos anteriores. Es mi opinión.

-El final con “Stars” fue de traca, con los músicos juntos cantando. ¿Te parecía el tema perfecto para cerrar es show?

Exacto. Todo el set list estaba muy pensado y me parece que resultaba bastante equilibrado además de representar prácticamente toda su discografía.

-Recuerdo que Leo estaba anunciado pero tuvo problemas de voz, no obstante asistió y subió al escenario para cantar a capela “Rainbow eyes”. Fue otro momento emotivo. ¿Insistió Leo en subirse aunque no tuviese voz ese día?

Primero estuvo ensayando con nosotros, iba a cantar “Neon Knights”. Ya a pocos días del show recayó con una faringitis y nos dijo que no iba a poder asistir, pero en el último momento apareció y salió al escenario a cantar unas estrofas a capela de “Rainbow eyes”. Estuvo muy bien que viniera al menos, como quien dice para “dar la cara” y agradecer al público.

-El elenco de músicos que participó fue impresionante. Rainbow In The Black y la banda All Star contigo al frente acompañado de una serie de vocalistas que quitaban el hipo: Gabi Boente, Manuel Escudero, Ignacio Prieto, Ronnie Romero, Tete y Leo. ¿Te quedas con algún momento o canción interpretada que fuese realmente especial para ti?

Todos los recuerdos en sí mismos me resultan vibrantes. El hecho de que todo ese plantel de músicos nos encontrásemos ahí, codo con codo para una misma causa como amigos, era una sensación muy gratificante. Todos los que participaron lo hicieron porque eran fans de la música de Ronnie Dio, nadie sintió que estuviese por ningún tipo de compromiso. No hubo ningún tipo de problemas de egos ni nada de eso. Todo el mundo estuvo brillante ese día y los exiguos beneficios fueron a la fundación contra el cáncer que gestiona Wendy Dio.

-Recientemente se ha publicado un disco homenaje a Dio por parte de Leyenda Records. Han anunciado segunda y tercera parte. Tú apareces con la anterior formación de Saratoga tocando “We rock”. ¿Qué opinión tienes sobre este cd?

La verdad es que no he escuchado el disco, no lo tengo. La canción “We rock” la realizamos la formación de Saratoga conmigo y Tete. Ese tema lo produje, lo grabé y lo arreglé yo mismo casi al cien por cien. Es uno de mis favoritos, de hecho lo sigo haciendo con Lords Of Black en muchos de los conciertos.

                                             Dio Tribute Concert. Madrid. Sala Cats. 27.4.13

VOCES DEL ROCK.

-Me gustaría que ahora hablásemos de los conciertos que ofrecisteis bajo el nombre Voces Del Rock. ¿Qué nos puedes contar de este proyecto? ¿Cómo se fraguó?

Esto lo monté simplemente para desfogarme. Se trataba de idear un set list con algunas de las canciones de la historia del Hard Rock pero para que brillasen los cantantes, no el guitarrista. Elegí a los tres mejores cantantes de la escena aquí para ese tipo de proyecto: Ignacio Prieto, Manuel Escudero y Ronnie Romero.

-Háblanos del concepto. ¿Reparto de temas entre los vocalistas y todos juntos al final?

El set list lo monté en función de los distintos estilos de sus voces. Entre ellos había además un ambiente fenomenal así que mientras uno cantaba como solista los otros hacían coros. Hubo mucho compañerismo, muy buenas sensaciones y nos lo pasamos en grande. Ya en esos conciertos me doy cuenta que “la voz” que siento dentro de mí en sintonía absoluta conmigo es la que tiene Ronnie, sobre todo en el material de Dio o Jorn Lande; es la voz que me hace vibrar. Luego tienes a Escudero que por supuesto también es fantástico y Nacho, que tiene otro tipo de registro y también lo hace fenomenal.

                                                                 Voces del Rock.

-Se hicieron varias fechas. ¿Cómo fue la respuesta del público?

Creo que es una de las pequeñas giras de las que más orgulloso me siento. Lamentablemente, supongo que por la crisis y demás, no tuvo la respuesta que esperaba y me decepcionó un poco el asunto. Salvo un par de fechas que sí tuvieron una acogida y respuesta muy positiva en los otros shows me quedó esa sensación agridulce. Incluso leí en internet algún comentario algo despectivo sobre que no éramos más que otra banda de versiones y me pareció injusto, porque no éramos la versión de ningún grupo y la propuesta que llevábamos no era la de tocar temas típicos y fáciles de siempre sino que nos pensamos muy bien ofrecer un listado de temas con enjundia y nada habituales. Además contábamos con unos cantantes y un grupo que éramos capaces de hacerle justicia a versiones como las que tocábamos.

-Recuerdo que en el concierto de Madrid tocasteis material poco conocido de grupos como Toto o Queensryche..

El concierto de Madrid me gustó y lo disfruté. Si, tocamos “Revolution calling” de Queensryche, toda una delicatesen y cosas desde Foreigner, Survivor, Ozzy, Dio o Whitesnake entre otros. Mucha variedad y calidad.

-El repertorio era de temas de Purple, Rainbow, Dio, Whitesnake, Survivor, Ozzy, Toto, Bon Jovi o Europe. ¿Algún tipo de criterio para seleccionar los temas? ¿Los vocalistas estuvieron en ese proceso de selección?

Más o menos el repertorio lo escogí yo. Traté de repartir entre cada cantante los temas que más se adecuasen a sus virtudes, al ser muy distintos entre sí había determinadas canciones que simplemente le vendrían mejor a uno u otro.

-Los temas de Coverdale le vienen perfectos a Manuel Escudero. 

Fabuloso, desde luego. Otros temas de Mr. Big o Bon Jovi le venían al pelo a Nacho. Era una propuesta musical que buscaba darle el principal protagonismo a los cantantes, se trataba de que los vocalistas brillasen y por eso se llamaba las Voces Del Rock. Yo me quise mantener en un segundo plano, dedicado a la guitarra y a dirección musical del proyecto. Una grata experiencia.

-Finalmente el destino ha querido que Ronnie Romero interprete algunos de esos temas al lado de su compositor original. Sabes que esto es un Club de Fans de Deep Purple. ¿Viste los conciertos de Rainbow con Ronnie? ¿Qué te parecieron?

Sí, no iba a perdérmelo por nada del mundo. Fui a los conciertos de Alemania no solo como fan, sino como compañero de Ronnie en Lords Of Black, sabiendo que mucha gente del negocio musical europeo, artistas o representantes de sellos discográficos estarían presentes y sería muy bueno tener ese contacto personal; y así fue, pudimos compartir muy buenos ratos con todos los músicos y staff de la organización de esos shows, promotores, etc. Había mucho interés en todo lo relacionado a Ronnie y Lords Of Black y nos trataron fenomenal en todo momento.

Al margen de todo eso, como asistente a los shows…siempre he sido fan incondicional de Ritchie, le admiro y he seguido toda su trayectoria, así que me encantó que volviese al Rock y más con Ronnie encima del escenario cantando. Es cierto que me sorprendió que hiciese tanto material de Purple, sé que tenían más material ensayado. Lo que vi fue algo único y maravilloso. Puede que si siguen actuando varíen el repertorio hacia algo más cercano a Rainbow, lo que me parecerá perfecto. También vi a Rainbow con Doogie White en Los Angeles cuando vivía allí y fue un concierto que me maravilló. Después Ritchie desapareció de la escena del Rock, su primer disco acústico me gustó pero no me interesó mucho su producción posterior. Pensé que iba a ser algo puntual pero siguió ahondando en esa dirección y le perdí la pista porque me interesaba más el Ritchie rockero de Stratocaster, gruñón y polémico. Me gusta su carácter y muchas veces he simpatizado o comprendido algunos de sus gestos y declaraciones mal interpretadas como polémicas. Creo que me identifico mucho con él por ser también Aries, jaja.

- ¿Qué  depara el futuro más próximo a Lords Of Black?

Buena pregunta…y ¿sabes qué? No sabría decirte. Este grupo está entrando en el panorama internacional y lo mejor es que no te puedo decir cuál puede ser el futuro del grupo, porque ahora mismo no hay límites. En otras situaciones o grupos te podría decir que el futuro sería como mucho los siguientes afrontar los mismos conciertos en las mismas ciudades a 100 kms y, quizá ir a Sudamérica. Sin embargo, con Lords Of Black acabamos de girar Europa, ir a Japón, anunciar nuestra próxima presencia en el prestigioso Prog Power Festival de Atlanta USA; incluso podría ser que llegáramos a tocar en Australia –curiosamente nos compran muchos discos por allí-. Las posibilidades son enormes porque el grupo no tiene techo, lo cuál creo es lo más fascinante que podría decirte. Nosotros seguiremos trabajando como hasta ahora, con la simple premisa diaria de hacerlo lo mejor posible y seguir mejorando. Esperamos que esa “siembra” constante siga dando y mejorando sus frutos.

- ¿Qué  planes o proyectos de futuro tiene Tony Hernando?

No sé si retomaré algún disco instrumental, tengo material para hacer un par de ellos. Lo que pasa es que ahora mismo el mercado para los discos instrumentales no existe realmente, hoy en día no hay un mercado para los discos instrumentales de guitarristas y ningún interés dentro de la industria discográfica, así que si lo grabase puede que lo acabase regalando gratis por internet o algo así. Es una pena pero el asunto está así.

No hay un único culpable, pienso que todos tenemos una parte de responsabilidad. Incluso el músico, aunque quizá tenga menos culpa, es responsable de haberse bajado los pantalones frente a todo el tema de las descargas ilegales. Cuando Lars Ulrich hace años denunció todo el tema de Napster la gente se le echó encima, pero resulta que tenía su parte de razón. Unos años después te puedes dar cuenta de que no lo decía por sí mismo, puesto que tenía su futuro más que asegurado, sino por todos aquellos músicos y bandas que no van a poder salir adelante, o un nuevo Elvis Presley, Yngwie Malmsteen o John Lennon no va a poder salir de la habitación de su casa porque a nadie le interesa. En una línea similar a la denuncia de esa situación por parte de Lars Ulrich también se han pronunciado algunos músicos importante y relevantes, como por ejemplo Gene Simmons, pero ha menudo ha sido malinterpretado o incluso vilipendiado porque en el fondo se quiere mirar para otro lado y no es políticamente correcto decirlo. En su momento, los músicos deberían haberse unido y no haber permitido que la música terminara siendo un producto basura gratis, pero ¿cambiarlo ahora? Ya tienes a toda una nueva generación de chavales que estas cosas ni se las plantea, no van a comprar un disco jamás porque se descargan las discografías enteras en mp3 que luego apenas escucharán y no van a conciertos porque prefieren verlo en Youtube cómodamente en su ordenador o Smartphone; como si eso pudiera compararse a la verdadera experiencia de asistir a un show en directo. Hoy día la gente se queja por todo, que si los precios, los horarios de actuaciones o los transportes…pues se quedan en casa que ya lo verán en Youtube. Nosotros hacíamos auténticas locuras o sacrificios por ver el concierto de nuestro grupo favorito, sin importar donde había que ir, como volverías a casa, etc.

-Esas cosas hacían que valorases mucho más la música, eran otros tiempos.

Si, ha habido un cambio brutal en que es la música y que puede significar para los chavales de hoy en día.

-Para ir finalizando, nos puedes dar tu breve opinión sobre estos músicos:

Andy Timmons: Genial, único, maravilloso y, además, uno de mis mejores amigos.

Ritchie Kotzen: Otro talento increíble y un tío muy especial.

Jeff Beck: Inigualable, todos le hemos intentado imitar y solo él suena a Jeff Beck.

Ritchie Blackmore: Único, carisma, talento, ha escrito gran parte del manual de los guitarristas.

Michael Schenker: Genio alemán, impredecible.

Paul Gibert: uno de los mejores de una generación única. Un técnico maravilloso pero aparte de todos los técnicos. Siempre tiene algo que decir por sí mismo y tiene un sentido del humor maravilloso.

-Muchas gracias Tony por tu tiempo, tu paciencia  y por atendernos de esta manera tan fabulosa.

Gracias a vosotros, ha sido sin duda un rato estupendo y espero que sea una de esas entrevistas interesantes y llenas de curiosidades. Un saludo a todos.

                                                 Lords Of Black: "Insane". Piano version.

Ian Gillan: “Sounds Spectacular”. Los discos fantasmas. VI.

Durante este mes de Noviembre Ian Gillan pone en marcha una serie de conciertos en solitario por algunas de las ciudades más frías de Europa. Este pequeño tour se inició el pasado día cuatro de Noviembre con la actuación en Sofía y se alargará hasta casi finales de mes, terminando el día diecinueve en la polaca ciudad de Varsovia. Nuestro querido vocalista se presenta con el acompañamiento de una orquesta y un grupo de Rock dirigido por el incombustible teclista Don Airey. Estos conciertos representan sus primeras actuaciones en solitario desde las que hiciese en el año 2009, si exceptuamos sus participaciones en el proyecto Rock Meets Classic que reúne a distintos cantantes, y que sirvieron de promoción al cd “One Eye To Morocco”, su último disco en solitario hasta la fecha. El propio Gillan, como ya anunció antes de comenzar esta serie de conciertos, interpreta algunas canciones de Deep Purple que no suelen tocar en directo como “Anya” –toda una exquisitez y seguramente el último gran clásico que compuso la formación clásica de Purple antes de separarse para siempre- o “Razzle dazzle”; además suenan algunos de los clásicos de su catálogo en solitario, pequeñas gemas como “Hang me out to drive”, “No more cane on the brazos”, “A day late and a dollar short” o “No lotion for that”, de su último disco en solitario. Al final resulta que Gillan toca en esta pequeña mini gira hasta trece canciones de Purple, incluyendo temas habituales del repertorio púrpura como “Perfect Strangers”, “Smoke on the water”, “Lazy”, “Hush” o “Black Night”; incluso deja estas dos últimas como bis, igual que con Purple. Resulta bastante curioso que incluya tantas canciones de Deep Purple en el set list de la gira por tan pocas de su carrera en solitario. 

También es especialmente llamativo el hecho de que no haya incorporado ninguno de los temas representativos de esos años dorados de su grupo en solitario llamado Gillan y que tan tozudamente se niega a reformar con sus antiguos ex camaradas para alguna gira o, aunque sea, algún concierto conmemorativo. Curiosamente en estos días sale a la venta una nueva y lujosa reedición en vinilo de esos mágicos discos que nunca llegaron a alcanzar el éxito que merecían y que cada año que pasa demuestran lo bien que han superado el test del tiempo. Este nuevo lanzamiento consiste en una caja que recoge los discos “Mr Universe”, “Glory Road”, “Future Shock”, “Double Trouble” y “Magic”. Aquellos cinco maravillosos e irrepetibles años comprendidos entre 1978 y 1982 en los que Ian Gillan, John McCoy, Colin Towns, Mick Underwood, Steve Byrd, Bernie Torme y después Janick Gers redefinieron lo que significa el estilo de vida del Rock n Roll en cada grabación, cada gira y cada actuación que ofrecieron. Estos entrañables forajidos exprimieron la vida tan intensamente durante esos años y compartieron tantas experiencias y sensaciones, tantas alegrías y decepciones, tantas ilusiones y esfuerzos, que forjaron unas marcas en sus corazones –para lo bueno y para lo malo- que todavía persisten de una manera u otra. Desgraciadamente cuando el ser humano convive y comparte de una manera tan vital, las heridas que quedan permanecen profundas; puede que por eso Ian Gillan siga sin querer reunir a sus antiguos compañeros, pese a que la mayoría de ellos han manifestado en determinados momentos que estarían abiertos a juntarse para conmemorar esos años de la Gillan Band. Resulta muy curioso que Gillan participase el año pasado en el concierto reunión del cincuenta aniversario de la publicación del primer single de Episode Six, el grupo en el que militó a principios de los años sesenta y en el que conoció a su compañero Roger Glover, pero no quiera saber nada de homenajes ni reencuentros con el que fue su grupo en solitario de principios de los ochenta; incluso en el dvd conmemorativo de sus cuarenta años en el mundo de la música, acertadamente titulado “Highway Star – A Journey In Rock” y publicado en 2007, pasa de puntillas por esa etapa tan importante y representativa de su música en solitario. En fin.

Habida cuenta de estos acontecimientos se dan los factores ideales para recuperar una nueva entrega de los discos fantasmas de nuestra adorada Garganta de Plata. Los primeros fríos y los delicados colores otoñales propios de este mes aseguran el caldo de cultivo necesario para recuperar la discografía en solitario de uno de los cantantes más influyentes y representativos de la Historia de la Música moderna; desde las maquetas que salieron a la luz del proyecto de musical infantil que nunca llegó a materializarse conocido como “Cherkazoo” hasta esa joya llamada “One Eye To Morocco” con la que tan acertadamente ha sabido mostrar al público su madurez como artista, Ian Gillan atesora un ramillete de discos en solitario más que recomendables para cualquier seguidor del Rock en sus distintas vertientes.

Igual de interesante que su discografía resultan los discos en los que ha participado a lo largo de todos estos años y que, por un motivo u otro, nunca llegaron a ver la luz del sol otoñal. Afortunadamente muchas de esas maquetas se han ido publicando, con mayor o menor presencia de los escrúpulos de los distintos editores participantes. Algo bueno debían de tener estos tiempos en los que la gente se descarga mayoritariamente los discos de modo gratuito, puesto que las compañías sacan maquetas y demos que hace veinte años sería impensable que viesen la luz. Hay que saturar el mercado para conseguir vender un puñado de cds más y eso permite que lleguen a nuestros oídos casi todo tipo de grabaciones, lo que para algunos de nosotros constituye una bendición, una especie de pequeño oasis dentro del árido desierto en el que se ha convertido el sufrido negocio musical.

Esta vez le toca el turno a un disco del que prácticamente no se ha sabido nada hasta hace relativamente poco tiempo, de hecho los datos que tenemos del mismo son escasos y poco concluyentes; vamos, que nos movemos en los parámetros propios de Ian Gillan. El disco en cuestión se llama “Sounds Spectacular” y estaba destinado a pertenecer a la saga de discos que salieron en los setenta bajo ese título. Se trata de una serie de discos recopilatorios en los que aparecen distintos artistas, las compañías de discos suelen ofrecer licencias a filiales o directamente negociar los derechos de determinadas canciones de éxito para publicarlas en estos recopilatorios. Este tipo de discos llevan apareciendo toda la vida y suelen ser de variada enjundia, tenemos desde cosas hechas con un cierto gusto o criterio hasta artilugios infumables e incomprensibles, tanto por la selección de artistas, canciones o estilos. Algunos de ellos se convierten en éxitos mundiales y la mayoría acaban en los expositores de las gasolineras y bares de carretera. Hay para todo. A mediados de los setenta aparecieron algunos volúmenes de esta serie "Sounds Spectacular" en particular, por lo que puede ser que Gillan se refiriese a uno de ellos que al final no llegó a materializarse.

Pues parece ser que a finales del año 1977 la entonces Ian Gillan Band, el interesantísimo proyecto musical de fusión progresiva que presentaba Gillan al mundo con poco éxito, había sido invitada a participar en una serie de conciertos junto a otros artistas entre los que se encontraba el tristemente fallecido Randy California. El objetivo era grabar estas actuaciones para publicarlas posteriormente en una especie de disco recopilatorio. Este proyecto supuestamente estaba patrocinado por una empresa de desodorantes; sí, como se puede leer. A priori el mundo de las empresas que se encargan de asegurar el buen olor de nuestras axilas y el Rock n Roll no parece que tengan mucho que ver, aunque matrimonios más extraños se han visto en el mundo de la música.

                               Randy California.                                            Ian Gillan.

El caso es que por lo visto durante el mes de Octubre de 1977 se llevaron a cabo esas actuaciones y parece ser que los conciertos se grabaron para su futuro uso. Lamentablemente nada más se supo del asunto. Conviene comentar que Randy California estuvo bastante ligado al universo púrpura durante esos años setenta, de hecho para algunos puristas debe ser considerado como miembro de los propios Deep Purple. Randy tuvo el honor de sustituir a un Ritchie Blackmore aquejado de hepatitis durante un tramo de la gira americana que realizó el grupo en 1972, dejando su impronta para siempre en el seno de la familia Purple. Finalmente solo actuó con el grupo en el show que se ofreció en Quebec el seis de Abril de ese año. En su día comentó Gillan que durante esa única actuación en el canadiense Coliseo de Quebec el grupo realizó una bonita interpretación del tema “When a blind man cries”, añadiendo Randy su propio toque bluesy de la escuela de Hendrix. Desgraciadamente no hay grabaciones de esas actuaciones –por favor; si alguien las tuviese o conociese dónde buscarlas, que lo haga saber YA-, por lo que constituyen una pieza de museo. Resulta curioso que Gillan comente que tocaron “When a blind man cries”, una canción compuesta por Ritchie Blackmore pero que el grupo nunca interpretó con él en directo porque parece ser que el propio Blackmore la detestaba. Puede ser que al tener la posibilidad de sustituir al malhumorado Man In Black para esa actuación la ensayasen previamente o que estemos una vez más ante el retorcido humor del querido Ian Gillan, siempre dispuesto a meterle una puyita de las suyas a Ritchie en cuanto tiene la oportunidad.

Volviendo al disco fantasma, no tenemos muchos más datos de los que acabamos de comentar. Pese a no haber logrado encontrar más información al respecto durante todos estos años, la fuente es fideligna: hablamos de la página web “Highway Star”, una de las más importantes y reconocidas dentro de toda la familia púrpura, por lo que habrá que darle el crédito que siempre se ha merecido. Según unos comentarios realizados por el propio Ian Gillan, su grupo realizó una serie de cinco conciertos en un paquete en el que se incluía Randy California junto con otros grupos; de hecho argumenta Ian que se grabaron los cinco conciertos, por lo que puede que estén pululando por ahí unas cuantas bobinas con las susodichas grabaciones. De cualquier modo, el siempre impredecible en aquellos años Randy California realizó poco después una gira por Europa junto con la Ian Gillan Band, por lo que la conexión está ahí y perfectamente se podría haber dado la circunstancia de los conciertos de Octubre grabados por el empresario contra los olores corporales.

Aunque no hay mucho más para cotejar los datos concuerdan y se corresponden, tenemos que señalar que existen cinco actuaciones realizadas en Octubre del 77 que están registradas en el histórico de conciertos en directo de Gillan. Durante ese mes la Ian Gillan Band realizó una serie de cinco shows en Reino Unido. Estas son las actuaciones:

04.10.77 Portsmouth.UK. Guildhall.

06.10.77 Glasgow. UK. Apollo.

07.10.77 Manchester. UK. Apollo.

09.10.77 Birmingham. UK. Odeon.

13.10.77 London. UK. Rainbow.

Curiosamente no aparece reseñado ningún concierto más durante ese mes. Está documentado que en el primer concierto también estaba incluido Randy California, por lo que es razonable pensar que actuaría en las siguientes fechas, pero no conozco más informaciones contrastadas al respecto. Estos son los datos conocidos, desgraciadamente no sabemos nada más de esas supuestas actuaciones, ni del resto de bandas implicadas, ni de la estructura del show, ni del repertorio u orden de temas interpretados… nada más. De este modo el terreno de las conjeturas queda completamente abierto a nuestras suposiciones e imaginación. Si la Ian Gillan Band realizó un set list típico de esa gira la cosa seguro que estuvo curiosa, pero si llegan a hacer otro repertorio distinto o junto a Randy California el asunto tomaría una dirección distinta: pasaría a ser la única vez en la que esta formación de Ian Gillan interpretase en vivo otras canciones más allá de los temas que solía llevar en sus directos, lo que tendría el plus de escuchar los toques Jazz fusión preparados para esa supuesta ocasión por parte de este grupo caracterizado por la habilidad instrumental de sus integrantes.

                                        Ian Gillan Band: "Rock n' Roll medley". Osaka. 12.9.77.

Si algún día el camino de Ian Gillan se cruza con el mío y se dan las condiciones para que podamos charlar durante unos minutos esta será una de las cuestiones que le plantearé… la otra será que me desvele el lugar en el que se hizo la foto promocional en la que se encuentra apoyado contra una pared y que apareció en el libreto promocional de su estupendo disco en solitario titulado “Naked Thunder”. Tonterías de fan descerebrado, supongo.

Leonor Marchesi: “Nessun Dorma”. Qué barbaridad.

Hace unos días se celebró la fiesta de presentación del Festival Culebra Rock en la madrileña Sala The Rockers de Fuenlabrada. Entre los músicos que actuaron en esta gala participaron la cantante Leonor Marchesi y el guitarrista Luis Romero presentando en formato acústico un pequeño puñado de canciones. Además de la música y el sorteo de merchandising, esta fiesta presentación estaba aderezada por cuatro mini actuaciones en acústico de varios músicos de los grupos Leyenda Rural, Asfalticca, Universa y los antes citados Leonor & Romero.

Cada grupo disponía de entre quince y veinte minutos de actuación. Cuando le llegó el turno a Leonor & Romero ambos se acomodaron en el sobrio e íntimo escenario mientras acababan de ecualizar sus guitarras y Leonor Marchesi realizaba las presentaciones y agradecimientos a los organizadores del evento. Sin tiempo de reacción Leonor presentó el primer tema comentando que nos íbamos todos a Italia para inmediatamente después sorprendernos a todos los allí presentes con una soberbia y estremecedora interpretación del clásico “Nessun Dorma”, aria del acto final de la famosa Ópera titulada “Turandot” y que fue compuesta por Giacomo Puccini hace unos cien años.

Giacomo Puccini.

Los escasos dos minutos que duró el tema bastaron para que nuestra querida Leonor sentara cátedra con una demostración de poderío y técnica vocal tan abrumadora como efectiva. Nos demostró su dominio y capacidad para deslizarse jugando con distintas tonalidades, alcanzando unos agudos impresionantes y llevándolo todo a cabo con una naturalidad pasmosa; vamos, una barbaridad.

Esta pieza musical es realmente difícil de ejecutar, muchos músicos han realizado versiones y adaptaciones de esta gran canción. Artistas como Jeff Beck, Sarah Brightman, la gran Aretha Franklin, Andrea Bocelli o Uli Jon Roth han grabado su personal visión de esta gran melodía; incluso grandes tenores como el tristemente fallecido Luciano Pavarotti la interpretaban en directo como uno de los momentos álgidos de sus representaciones. Una gran canción que pone de relieve de nuevo la privilegiada voz con la que ha sido bendecida Leonor Marchesi.

Leonor Marchesi y Luis Romero.

El vídeo que presentamos a continuación recoge el inicio de la actuación de Leonor & Romero, con los temas “Nessun Dorma” y “Templario”, título del que fuera el último Lp de ese grupo tan especial que apareció en nuestro país a mediados de los ochenta llamado Santa. Repito: así comenzó su mini acústico; para no echar gota. La calidad de imagen no es demasiado buena, pero el audio suena realmente bien; está recogido con uno de estos móviles con los que hoy en día inundan el mercado y nos lavan el cerebro. Esperando para volver a verla en directo.

                                Leonor & Romero: "Nessun Dorma" y "Templario". Sala The Rockers. 15.10.16.

Episode Six: “Something’s gotten hold on my heart”.

El grupo de principios de los sesenta en el que se conocieron Ian Gillan y Roger Glover se volvió a reunir a finales del pasado año dos mil quince. Gillan, Glover, Sheila Carter, Tony Lander, Harvey Shield y  John Kerrison se volvieron a subir a un escenario para conmemorar el cincuenta aniversario de la publicación del primer single del grupo, titulado “Put Yourself In My Place” y bastante conocido para todo fan afín a la familia Purple aunque prácticamente desconocido para el gran público. Incluso para esa única actuación contaron con la presencia en una gran pantalla por skype desde Nuevo México de Graham Carter, hermano de Sheila y miembro fundador de Episode Six.

                                                 Episode Six: Reunión Diciembre 2015.

Este fue el primer grupo que podríamos definir como profesional dentro del recorrido de nuestro querido Garganta de Plata. Los Episode Six fueron uno de esos tantos grupos de Rock n’Blues que pulularon por las Islas Británicas durante los años sesenta. La banda formada alrededor de los hermanos Carter publicaron unos cuantos singles y realizaron bastantes conciertos en aquellos años, llegando a realizar una gira navideña por Beirut. La mayoría de sus canciones eran versiones de clásicos de Rock y Rhythm n’Blues que tanto se llevaban durante esos años, aunque también hay que comentar que compusieron algunos temas propios. Fue en esta etapa cuando Gillan y Glover realizaron sus primeros pinitos dentro del mundo de la composición, dando forma a algunos de los temas que más tarde el propio Ian recopiló para un inconcluso proyecto del musical infantil denominado “Cherkazoo”. Conviene tener en cuenta esta inquietud por componer música dentro de una escena la de aquellos años en la que lo habitual era realizar versiones de estándares y clásicos de otros artistas famosos. Supongo que el principal valedor de esa inquietud debió ser Roger Glover, uno de los compositores y arreglistas más infravalorados de la saga Purple, siempre colocado de manera elegante a la sombra de Blackmore y Lord pero con unas capacidades fuera de toda duda como bien ha demostrado en otros proyectos en solitario como el fabuloso musical “Butterfly ball & The Grasshoper’s Feast”; de hecho me jugaría algo a que parte del material de “Cherkazoo” pudo acabar por allí o, al menos, la idea original. No en vano Ian Gillan ha reconocido que casi empezó a escribir canciones “obligado” por el propio Glover.

Pero volviendo a Episode Six, el pasado Diciembre se reformaron para una única actuación en directo que tuvo como público a cerca de un centenar de personas invitadas personalmente por los propios músicos. Un evento privado y por el que muchos hubiéramos hecho lo que fuese preciso para poder asistir. Esperemos que las hadas se pongan de acuerdo, vuelvan a hacer algo por el estilo y esté abierto a todo el público que desee pagar por asistir.

Parece ser que el single más reconocido de aquellos Episode Six es la versión que realizaron del tema “Morning Dew”, desde luego una gran canción y una buena interpretación por parte de los músicos del grupo. Episode Six se caracterizó durante sus años de existencia por realizar una música con muchos matices rockeros y con la mezcla piano/guitarra en primer plano. Sin salirse de la escena Pop y Beat imperante en aquellos años, podemos decir que su música tenía parte de esa garra que tanto nos atrae a todos los que disfrutamos cuando suena una guitarra eléctrica distorsionada acompañada de una base de bajo y batería contundente. 

Sin embargo nos vamos a detener en otra canción menos conocida de su repertorio pero no por ello menos significativa, hablamos de “Something’s Gotten Hold On My Heart”. Este tema es original del dúo David & Jonathan, aunque la hizo popular unos pocos meses después el solista Gene Pitney; de hecho, pese a no ser original suya, ha quedado como el intérprete reconocido de dicho tema. En los años sesenta -y actualmente también- era bastante habitual realizar versiones de canciones que habían sido publicadas previamente, incluso en el mismo año de la aparición oficial del tema original. Eran otros tiempos y no existían los canales de comunicación e información de hoy en día, por lo que era posible grabar versiones de canciones y que el gran público casi desconociese que no eran los originales. Pat Boone sin duda le debe mucho a esta coyuntura, se pasó media vida aprovechándose vilmente de las composiciones de Little Richard durante los años de la América profunda de segregación racial.

                                        Little Richard.                                                   Ian Gillan.

El caso es que alguien dentro del seno de Episode Six decidió que sería interesante realizar una versión de la canción que hizo famoso a Gene Pitney y la llevaron a cabo. Hay que señalar que dicho tema no llegó a salir en ninguno de los singles que publicó el grupo durante sus años de existencia, lo que resulta extraño porque la versión es excepcional. Tanto el original de David & Jonathan como el que regrabó Pitney presentaba una canción que se iniciaba con un arreglo inofensivo y, pese a contener el potencial de gran clásico que es, se movía con dulzura sin explotar el componente dramático que aportaba la melodía que salió de la cabeza de sus compositores Roger Greenaway y Roger Cook. Incluso recientemente la ha vuelto a revisar Marc Almond, invitando al propio Gene Pitney para llevar a cabo uno de los dúos más edulcorados de la historia. Impagable el vídeo clip de presentación en el que se ve a un Almond intentando aparecer como un crooner cool cuando no parece ser más que un inofensivo pobre diablo disfrazado de chuloputas amorfo mientras suena su irritante voz, solo superada por la de un Gene Pitney en plena decadencia.

                                 Marc Almond/Gene Pitney: "Something's gotten hold on my heart".

Episode Six revisó la canción aportándole unas dosis de dramatismo que encajaban a la perfección con esa melodía ganadora. Plantearon el tema para la voz solista de Sheila, dejando a Ian Gillan como apoyo en los coros y como segunda voz en la parte intermedia de la canción, otorgándole al tema una nueva dimensión con esos gritos desagarrados de los que debieron tomar buena nota Blackmore y Lord a la hora de ofrecerle el puesto de vocalista en Deep Purple posteriormente. Por otro lado decidieron ralentizar brevemente el tempo de la canción, vistiéndola de una elocuencia que conjugaba perfectamente con la voz densa y solemne de Sheila Carter además de los doblados estratosféricos de un Ian Gillan que ya parecía destinado a comerse el mundo. Suprimieron el inocente inicio original por un pantanoso órgano que te introduce con una tenue pero intensa suavidad en la amalgama de emociones que le espera al oyente. Por otro lado adecuaron la melodía a la voz de Sheila, sonando con un empaque y una solemnidad idóneos para llevar la canción hacía esa zona de peligrosidad y riesgo que estaba pidiendo a gritos una composición de esa categoría. El resultado es un tema dramático, denso y tortuoso, ideal para incluir en una futura entrega de “La Canción más Triste de la Historia”. Nuestra mujer declama cada verso con una rotundidad tan sobrecargada como grandilocuente y efectiva, creando una atmósfera tenebrosa que realza todavía más esa maravillosa e inquietante sensación que te invade a medida que avanza el metraje del tema. Impresionante.

Durante estos años muchos más artistas se han acercado a mostrarle sus respetos a este tema en forma de versiones. Lamentablemente todos se han basado en la versión que grabó Pitney, por lo que nos hemos perdido esa dimensión salvaje que aportaba Episode Six quedándonos con el descafeinado e irritante soniquete del inicio; ni siquiera un tipo con el carisma de Nick Cave acertó con su versión del tema. El amigo Nick nos vuelve a ofrecer toda su alma en cuanto abre la boca, pero no llega a dar de pleno en el arreglo que hace que esta canción se transforme y  se sobredimensione. Esperemos que al menos el inútil de Almond se fije un poco en Cave, a ver si saca algo en claro. Aunque no es el atómico dúo Amnold/Pitney el que ha realizado la versión más agobiante de esta gran canción. A la cabeza de la ñoñería nos encontramos con Robson & Jerome, este par de eunucos  tienen el dudoso honor de haber facturado la versión más hortera de este tema; siempre hablando en cuestión de gustos, claro. Resulta increíble cómo una misma canción puede expresar cosas tan distintas según quién y cómo la interprete.

                                               Nick Cave: "Something's gotten hold on my heart".

Por lo que a mí respecta, volveré a disfrutar una vez más de la versión de Episode Six mientras cruzo los dedos para que Ian Gillan cualquier día de estos encuentre divertido e interesante volver a subirse a un escenario con sus antiguos compañeros.

                                                Episode Six: "Something's gotten hold on my heart".