LA CULTURA EN EL ROCK.

Una sección de nuestro colaborador Thomas Anderson.

Ñu. El Medievo y la Épica.

Hablar de Ñu es hablar de su carismático fundador y líder perpetuo, Jose Carlos Molina. Si preguntáis a cualquier persona medianamente cercana a la esfera del Rock duro de este país cuál es el músico más controvertido y peculiar que ha dado el mundillo, con toda seguridad os contestará que "el Molina".

Con más ya de sesenta primaveras a sus espaldas, lleva más de cuarenta haciendo música de primera calidad. Bien, vale, lo admito, Ñu nunca ha sido un grupo que haya marcado tendencia como tampoco ha estado nunca entre el elenco de los más valorados y reconocidos (a saber, Barón Rojo y Obús). Sin embargo, la perfecta combinación entre coherencia compositiva y carisma interpretativo le conceden ese puesto de honor que tanto se merece.

Pero no estoy aquí para reescribir la biografía de un genio, ni para analizar taxativamente los aciertos y errores de una carrera de un prolífico que asusta; mi objetivo es haceros descubrir, a fondo, eso sí, de qué manera el mundo de la fantasía medieval ha sido el hilo conductor más reconocible en la trayectoria de un grupo que será recordado con letras de oro cuando llegue el triste momento en que ya no pueda dar más de sí (esperemos que ese momento aún se demore alguna que otra década).

Los primeros temas célebres escritos por nuestro héroe del mes lo fueron junto a otro personaje conocido por todos (en este caso, seguro que mucho más): Rosendo Mercado. De esta mezcla tan especial como breve surgieron diversas canciones y un himno inolvidable: “El Tren”. Eso sí, de momento, con textos poco relacionados con lo que nos atañe.

Una vez que Ñu consiguió su primer contrato discográfico, fue cuando Molina comenzó a dar rienda suelta a ese amor por la juglaría y por los mundos feéricos.

Todavía no os he contado cuál es el elemento que diferencia a este grupo de todos los de aquella época (que no de esta): la utilización de la flauta travesera, tocada con gran maestría por el propio Jose Carlos. Tal cuestión, dentro de un grupo de Rock, no tenía precedentes en España, aunque sí en Inglaterra, cuna de la explosión rockera de esos años. Todo el mundo conocía a Ian Anderson y su banda JethroTull, y desde su nacimiento Ñu tuvo que soportar la losa de las comparaciones, siendo acusado por muchos de ser una vulgar copia de aquellos. Molina, con el desparpajo del que siempre ha hecho gala, ya repuso en aquella época que era el propio Anderson quien se había inspirado en Ñu a la hora de concebir sus composiciones.

Lo cierto es que un sonido tan peculiar hace inevitable el establecimiento de comparaciones, pero no es menos cierto que el estilo de Ñu siempre fue mucho más duro, más consistente, menos Folk, para que nos entendamos. Eso sí, hay ciertos momentos concretos, sobre todo en los dos primeros discos, en los que es innegable la influencia ejercida por los ingleses en su sonido.

Que Jose Carlos Molina siempre ha disfrutado haciendo de su imagen la de un trovador medieval es una verdad a gritos. Ya en su primer álbum de 1978, “Cuentos De Ayer Y De Hoy”, existe un tema que lleva por nombre:

"El juglar"

Le dijeron

que era triste aquel lugar

y se puso en camino.

Se decía

que un mal duende descargó

su maldad en aquel sitio.

...

Recordaron con respeto

las palabras

de aquel señor mendigo.

Pues cantaba profecías

y hechizaba

a las gentes su sonido.

Le llamaron libertad

igual que a su canción.

¿Quién no advierte un absoluto tufo "hippiesco"? Resulta más que evidente en este disco en especial, aunque también en el segundo, "A Golpe De Látigo". Pero como no es en lo hippie en lo que se centra el artículo, no haré mayor hincapié en ello y os dejo otra pequeña joya.

"Paraíso de Flautas".

Las flautas de los duendes
dibujaban melodías.
Allí se deslizaban
serpientes plateadas,
damas que jugaban
con patos de cristal.
Las flautas de los duendes
dibujaban melodías.
La grandeza era el mar
y el poder el universo.
Pero un día hubo un error
y nació la evolución
...

Ahora hay un mago que rompe el hechizo
con una canción que aprendió de un amigo.
Halló con su magia el poder sombre el tiempo
y vio la verdad en volver al principio

AHí lo tenéis: duendes, magia, magos... todo inmerso dentro de un mensaje más mundano: la evolución, el progreso tecnológico es la lacra del hombre. casi todo está impregnado de un toque apocalíptico, un fin del mundo que llegará si no apostamos por la ecología. Cabe destacar que ese compromiso, esa crítica social también ha estado siempre presenta en los mensajes del grupo, aunque más adelante, en ocasiones, se abandonan los mundos imaginarios como instrumento de exposición.

Es momento de advertir que el proceso evolutivo de Molina como letrista ha sufrido muchos altibajos a lo largo de su carrera. Estos primeros experimentos eran prometedores, pero su cenit estaba por llegar. No tardaría mucho, eso sí. Disfrutad de:

"La galería".

Estuve soñando con una galería,

en que los cuadros se movían hacia mi.

Y una pintura, de yo no sé qué duende,

me miraba y se reía con pasión.

Allí me encontré escenas del pasado.

mi miedo allí pintado para siempre.

Y un viejo espectro que pinté hace ya algún tiempo

no paraba de reirse sugiriendo. 

Sencillamente maravillosa. aunque las joyas de la corona aún estén por aparecer.

Nos hallamos ya en "A Golpe De Látigo", año 1982. Un disco mucho más cañero, con unas letras más maduras con altas dosis de simboligía.

"El Expreso".

Hey, viajero, este no es tu tren, 

no hagas preguntas,

nadie va a responder.

...

Monstruos y dragones te van a acometer

y brujas medievales se van a aparecer.

Dulces danzarinas verás contornearse, 

duendes y demonios serán sus amantes.

¿Deseas tú ser su acompañante?

No las tendrás, si no eres comerciante.

Viajan en tu tren.

...

Si encuentras tu estación puedes bajarte,

yo debo conducir el tren, sigo adelante.

Puedo con su marcha llevarte donde quieres.

Si no te gusta el viaje me devuelves el billete. 

Bravo por “el Moli”, todo un ejemplo de forma y contenido en sus letras.

Aunque el paradigma de canción medieval por antonomasia lo encontramos en uno de los himnos más conocidos del grupo: “El flautista”, una peculiar visión del famoso cuento infantil de “El flautista de Hamelin”.

El flautista llegó por el horizonte,
dibujando su figura en el sol del Poniente.
Sólo os pedirá un poco de amistad
y a cambio limpiará de ratas tu ciudad.
Cruzaremos los ríos, lagos y montañas
y hallaremos un valle sin humos y sin ratas.
Él es el flautista de los cuentos de tu infancia,
matador de dragones gigantes y conquistador de damas.

En 1983 Ñu saca a la luz el que será sin duda el mejor álbum de su carrera: “Fuego”. Se trata de una joya muy cercana al Heavy Metal más poderoso. El culmen creativo de J.C. Molina lo encontramos en este disco. Jamás nos volveremos a encontrar con tales dosis de épica, fuerza y poesía. Una obra magistral, de cabo a rabo:

"La dama de la carroza"

Tu vuelo hacia el futuro es infernal,
montado en tu carroza medieval.
Los brujos del espacio te esperarán
sentados en planetas de cristal.
Larga galopada siempre sin final.
No hay hora en el espacio que dé igual.
En la carroza negra viaja tu dama,
con sus largos cabellos ella te arrastra.
Diosa del cosmos, ¿cuándo pararás?
Quiero contemplar tu cuerpo de metal.

…

Nessa, Nessa, Nessa,
Cabalgando hacia tus labios,
robaré tu velo negro.

Donde Nessa coincide con el nombre de una de los Ainur nombrados en “El Silmarillion”. De J.R.R. Tolkien. Molina siempre ha negado haber leído siquiera “El Señor de los Anillos”, pero, sinceramente…yo no me lo creo.

"El hombre de fuego"

Siluetas de vapor han surgido entre mis sueños.
El baño de mi señor está dispuesto.
Mira la oscuridad detrás de tu puerta,
le oyes silbar.

El hombre de fuego.

He encontrado un viejo libro en el desván.
Nadie sabe quién ha escrito tanta aberración.
Mira la llama como se esconde.
El ego de mi señor.

El hombre de fuego.

Fuera estúpido, te pueden abrasar.
Tus cuentos de locura contigo acabarán.

Simbolismo, magia, imaginación a raudales...Podría mostraros una canción tras otra, pero se trata de no extendernos hasta el infinito.

Llegamos a 1984. Por razones de industria, J.C. Molina se ve obligado a grabar un disco en menos de quince días y entra en el estudio con apenas unos pocos temas compuestos. Os hablo de “Acorralado Por Ti”, otra genialidad, sin duda, pero en él podemos encontrar los primeros atisbos de una mediocridad que tendría su culmen dentro de unos años. Algunas de las letras comienzan a tratar temas triviales, sin ninguna trascendencia, típicas canciones de amor, cosa que no había ocurrido hasta el momento. Un toque comercial, por qué no decirlo. Aún así, podemos degustar perlas como ésta:

"Romance fantasma"

Distinguida Dama, ¿dónde estás?
Perdiste tu guadaña, ¿cómo fue?
Tu mano te delata, ¿eres tú?
Te veo atormentada, ¿dónde vas?
Flotas en mi mente, no existes.
En mi corazón no te puedo ver.
Dulce veneno que me hace enloquecer.
Ninfa del infierno, muéstrate.

No, no existes (Romance fantasma)

Maleficio de tragedia y de placer
Inquisición del miedo, ¿cuál es tu poder?
Amor de las tinieblas, ámame.
Dónde está tu lecho, llévame

Con todo, en general, el toque fantástico-medieval está bastante menos presente en este disco.

En el año 1986 se grabará “No hay ningún loco”, el mejor directo de la historia del Rock en español, donde presentará cuatro nuevos temas, cargados todos ellos, ahora sí, de, posiblemente, el mayor toque trovadoresco hasta entonces.

"No hay ningún loco".

Entre la intensa bruma del castillo
se ve su figura  aparecer.
Puente, jinete y la luna con ojos atentos de mujer.
Es el héroe de paz, triste y solitario
que llega al atardecer.
Castiga brujas, duendes y villanos
que pagan con sangre su traición.

O, esta sí, una de las joyas de la corona:

"Los ojos de la Zíngara"

Ojos de pasión me hunden en tu magia,
casi sintiendo que mi vida es para ti.
Ahora estoy lejos de maldición,
haciendo de bufón, cantando tu canción.
Tengo en tus ojos todo lo que puedes dar.

...
Siempre contándome leyendas del pasado,
buhonera de los tiempos del horror.
Has oído el gong al atardecer,
tú serías capaz de darme terror.

Al año siguiente Ñu vuelve a la carga con nueva formación. Se me olvidó comentar que un tercio de los músicos de Rock españoles de la época pasaron por la banda en alguna ocasión. Molina siempre ha sido su único dueño y señor, haciendo y deshaciendo a su antojo. Si a ello le añadimos un carácter tan extravagante como arisco, es normal entender el constante tráfico de músicos que han formado parte del legendario grupo.

El nuevo Long Play se llama “El Mensaje Del Mago”, retomando así el título de una canción compuesta en los tiempos en que estuvo trabajando en un proyecto sinfónico, entre el segundo y el tercer disco, y que no vio la luz hasta el recopilatorio de 1995. Aprovecho para dejaros una muestra de la misma:

"El Mensaje del mago"

El mensaje del mago

 sonó y nos enseñó su cueva,

para borrar el hechizo anterior.

Su sublime gesto

venció la irrealidad.

y descubrí que yo estaba soñando.

Había escenas de pajes y doncellas,

de temor, de belleza y de añor.

Había duendes, bufones y serpientes,

y juglares entonando esta canción.

damas que jugaban

con patos de cristal.

Las flautas de los duendes.

Desde luego se percibe algo así como si Molina se hubiese dado cuenta de que la cosa comenzaba a tomar derroteros extraños y quisiera poner remedio. Es otro disco brutal, y aunque mantiene a ratos el tinte “comercialote”, vuelve a dejarnos muestras magníficas de imaginación compositiva a todos los niveles:

"Cautivos del placer".

Ciego por el sol, el cielo me oye gemir.

Medusas de sexo cruel esnifando mi aliento.

"Ninfómanos" del aferro me tenían a su merced

La danza de cada noche, un rito infernal,

cautivos del placer, decidimos entrar.

Destinado a enloquecer intenté escapar.

Dame tiempo, no es bastante para ti

Llegarás cautivo del placer y a su ídolo adorarás.

Beberás de su vino y naufragarás en un mar de satisfacción.

Amarás ese infierno y disfrutarás de ese fuego en tu corazón.

Matarás para poder recuperar tu alma de un paraíso de trampas

¡Huirás!

Pero por desgracia tengo que afirmar que este es el último gran (escrito con mayúsculas) disco de Ñu. A partir de este momento, Molina da la sensación de entrar en una especie de rutina, y comienza a componer letras que no sólo no resultan de gran interés, sino que llevan en su interior un aspecto que solo había dejado intuir muy débilmente hasta aquel instante: la comicidad. Sin duda, J.C. Molina, mientras no ha habido elementos que desataran su furor, siempre ha sido un gran bufón dentro del escenario; en aquel entonces comenzó a serlo también en sus discos. Solo tenéis que escuchar “La granja del loco”, de su siguiente trabajo, “Vamos Al Lio!” Los títulos lo dicen todo, ¿no os parece?

En todo caso, como estamos hablando de un genio, no podemos afirmar que sean álbumes que no merezcan la pena, porque en lo referido a lo musical siguen estando a un enorme nivel. Otra de las bondades que se puede decir del grupo (cosa que no se puede hacer con muchos de ellos), es que cada uno de los Lp´s que ha sacado al mercado es un ente en sí mismo, tanto en la producción como en la composición. Siempre fiel a un estilo muy definido, el buen hacer perenne de Molina ha conseguido que cada trabajo suyo tenga ciertos toques que lo hacen único y especial.

Pero no me enrollo más y paso al siguiente disco, pues del anterior no puedo daros muestra alguna que tenga relación con la fantasía.

"La Espada".

¿Dónde está la espada que tire el poder?
Sus dioses y su ley de propio peso caerán.
¿Dónde está el mensajero que llegue hasta ti?
Mi causa escudará y mi brazo estandarte será para ti

Estoy encarcelado y no te puedo ayudar.
Sé que mis mensajes no llegaron hacia ti.
Tu amarga agonía contemplo desde aquí,
las sombras de la noche guiarán tu lucha.
Señales del destino a la vitoria tuya.

Año 1988. El álbum se tituló “Dos Años De Destierro”, y aunque podemos volver a reconocer ciertos toques imaginarios, lo cierto es que el componente cómico adquiere aquí tintes que rayan lo grotesco. Por otro lado tiene el don de, depende del momento, ser el trabajo más reivindicativo que jamás haya sacado a la luz.

Pero no es la política lo que ahora nos atañe, recordad.

Al poco tiempo vuelven a grabar un directo (“Imperio De Paletos”) que, aun siendo magnífico, no puede competir con el anterior. También hay varios temas nuevos, alguno con mucha chicha:

"Conjuros"

Se han reunido para comenzar

una ceremonia que no puede esperar.

Sabios del tiempo cerca del fuego,

discuten un futuro incierto.

Joven iniciado de ojos exaltados,

¿qué esperas ver delante de tu cara?

Danzarina baila a la luz de la luna,

silueta sobre el fuego y magia nocturna.

Prohibido hacer conjuros

a espaldas del poder.

Te quemarán por brujo.

Inquisición de burros.

Frase esta última que sirve de buen ejemplo para que entendáis esa otra manera tan distinta de concebir las letras en la época en la que nos situamos.

A partir de entonces nos adentramos en un periodo complejo para Ñu. Son los años 90 y los vientos para el rock son enormemente desfavorables. Si hablamos de los grupos españoles, mucho más aún. El grupo trata de asomar la cabeza publicando un disco que pretende ser un regreso a sus orígenes. Es otra obra maravillosa, más seria, la más medieval de todas, aunque no la más mágica. Si el componente cómico no existiera (lo hay en menor escala, eso sí) estaríamos hablando de uno de los mejores trabajos de Ñu de todos los tiempos. Se trata de “La Danza De Las Mil Tierras”.

"Hechiceros"

Hechiceros que roban el tiempo,

vigilantes de tu inconsciencia.

Ellos crean en ti la discordia,

te roban el alma y luego tu cuerpo.

Hechiceros, hechiceros.

Por el metal sagrado, devuélvemela.

Antiguo mago astuto,¿qué es lo que soy?

¿Qué nuevo dios me traes?¿cuál es su color?

Ofrezco en sacrificio tu maleficio.

Os recuerdo que este tipo de letras no son gratuitas sino que están sujetas a posibles interpretaciones. En este caso es más que probable que los citados hechiceros no sean otros que los grandes mandamases de las religiones actuales.

"Campo yermo"

Tiempo de tregua, orgullo herido,
el campo está yermo, casi perdido.
Lágrimas sobre la tierra de promisión.
El cáliz sagrado se ha convertido

en sangre derramada y hierro fundido. 

Y los cantos de amor se han tornado 

en falsas promesas. 

Asaltando palacios me escucharán. 

Teniendo cerca el metal, 

al menos se asustarán. 

Nos han engañado 

y nos han vendido 

El campo está yermo, 

todo perdido. 

La fe sa he ahogado

en el último vaso de vino.

Esta que acabáis de leer es probablemente la mejor letra escrita por Molina desde los tiempos de “Fuego”.

A partir de aquí, un tiempo presidido por las versiones acústicas de los temas de toda la vida (se llevaba mucho por entonces), que en Ñu no hace sino dar un toque aún más grandioso a algunas de sus obras. Su título, “La Taberna Encantada”. No os perdáisla portada, por cierto.

Más tarde, ya en el 2000, Molina vuelve a sorprendernos con otra joya en la que trata de aunar acústica con eléctrica, sacándose de la manga, ahora sí, el disco más serio desde “El Mensaje Del Mago”. Se llama “Cuatro Gatos”. Qué pena de título y de canción que le da nombre. Todo lo demás, una maravilla. Qué pena también que a nivel compositivo esté un poco por debajo del anterior. Os dejo algunas pequeñas muestras de corrido:

"Batalla (amarga victoria)"

Llegando al límite del valor,

donde exaltamos códigos de honor,

hay alborada en el infierno:

es la leyenda del terror.

La Muerte cabalga y ella es la reina.

Tu sangre pintando una bandera,

haciendo historia, país sin fronteras.

Pactos oscuros y tú ni te enteras.

"La isla (noche de tormenta)"

Ves la isla y te llena de aprensión.

Visión retorcida y negra de temor.

Cae un trueno que parece iluminar

cuadros danzantes, sombras de la oscuridad.

Es noche de tormenta, en la isla te esperan.

Es noche de tormenta, en la isla están ellos.

Es noche de tormenta, en la isla te esperan.

Ninfas que danzan flotando sobre el mar

al son de un flautista, presagio de la tempestad.

Suenan lejos los cánticos del ritual,

te atraen con sus voces, su música, hasta el final.

Para terminar, os cuento lo que han dado de sí los últimos años. Dos discos casi seguidos en su publicación. El primero, “Réquiem”, lo más cercano a un álbum conceptual que nunca hiciera Molina. Se trató de un proyecto en el que venía trabajando años atrás y que hasta entonces, 2002, no pudo culminar por diversas razones. Su portada es la mejor de toda la carrera del grupo. Su música, la más oscura. No hay lugar para las coñas aquí. Las letras desprenden profundidad, poesía y dolor. Aun así, la manera de rematarlas no acaba de convencerme, no me preguntéis por qué.

"Aramundi"

Viejo maleficio de terror antiguo
Ecos del pasado, estás atrapado.

Fuego sobre tumbas de secretos.
Luves sobre el mundo de los ciegos.
Resurrección te exigimos, los actores de esta función.

Yo esoty en mi espectro y parezco tu ángel, 
y tu confías en mi, pero no soy nadie.
Soy el suave susurro de tu pesadilla.


"Dagas"

Mira fuera, yo no te miento.
Abre los ojos, convéncete, 
están ahí, los estoy oyendo.
Gritan, cabalgan, se oye el acero.

Vienen a vengar a sus muertos, 
saben que su voto siempre es eterno.
¿Te has dado cuenta cómo ruge el viento?

 Tienes un fantasma negro en tu triste vida .
La muerte reclama su suerte y esneña sus cartas.
Siniestro sonido el que escuchas cerca de tu casa, 
aura de jinetes en la bruma espectral

Así, leídas, son fabulosas, lo sé. Pero incrustadas dentro de la música pierden un tanto, os lo aseguro.

Llegamos a (a excepción del disco en solitario del año 1994) la obra más floja de la banda en todo su recorrido: “Títeres”. Después de una joya como “Réquiem” la verdad es que quedé bastante defraudado. Volvemos a las letras horteras encajadas con calzador dentro de la música. Un trabajo muy poco trabajado, valga la redundancia. También bastante reivindicativo, pero cualquier toque mágico pareció quedar agotado con el anterior. No existe nada interesante que os pueda ilustrar de este álbum.

En 2011 salió a la luz el último trabajo de Ñu hasta la fecha. “Viejos Himnos Para Nuevos Guerreros”, un título de lo más elocuente, antesala de lo que será, esta vez sí, otra joya discográfica sin parangón. Un disco carente por completo de desperdicio, otra vez cargado de una identidad irrepetible. Letras interesantes sobre una música repleta de melodías medievales pero sin abandonarla caña más rockera. En una palabra: maravilloso.

Cantarás sin fe

Has vivido en la ciudad que van a saquear

La semilla de la piedad no la verás, no crecerá

La espada te indicará, será tu señal

Palabras que revelarán única salvación.

Antiguos himnos cantarás sin fe

Viejas banderas quemarás.

Duerme conmigo el sueño dulce, que el mal está lejos,

Vive conmigo esta tregua que siempre fue igual,

Buenos y malos tiempos.

Hay una leyenda en un templo,

Termina de soñar que pronto nos iremos,

Termina de soñar.

Terminaré este humilde artículo, con la que sí considero la mejor letra de su historia.

Ánimo, nunca es tarde para descubrir un grupo que sin duda os ofrecerá momentos inolvidables.

Saludos.

"Flor de metal" 

Es difícl rozar tu piel
sin clavarme tus espinas. 
Flor de metal.

SOlo sufro de alguna forma
si estoy muy cerca de ti.
Flor de metal 

Solo en mi arca
esperando la tempestad
cada noche, el negro presagio
me hace pensar lo que 
puede ocurrir.

Si este es tu juego, 
amor es tu veneno. 
Fría como el hielo 
sufres un extraño fuego.

Empapada en purpurina 
tu cinismo te marchita.
 Flor de metal.
...

Sonriendo te columpias
en las cuerdas de tu guitarra. 
Flor de metal.

Y un arpegio sobre mi piano son tus lágrimas...

 

Lee Kerslake y los discos de platino por su participación en los dos primeros discos de Ozzy Osbourne. Se hace algo de justicia.

Seguimos con la familia Sabbath. Lee Kerslake, conocido batería de grupos como Uriah Heep, Ozzy Osbourne o Living Loud entre otros, acaba de recibir sendos discos de platino que conmemoran su participación en las grabaciones y composición de los primeros discos de Ozzy en solitario: hablamos de “Blizzard Of Ozz” y “Diary Of A Madman”, un par de obras maestras de la música que deberían estar en las estanterías de cualquier apasionado del Hard Rock. El propio Ozzy Osbourne se los ha enviado hace un par de días.

Conviene recordar que Kerslake está aquejado de un peligroso cáncer en estado terminal y que los médicos le han diagnosticado apenas unos cuantos meses de vida. El entrañable músico, al igual que otros artistas como es el caso de José Antonio Manzano en nuestro país, decidió hacer pública su batalla contra la temible enfermedad compartiendo con sus seguidores algunos de los datos de su estado de salud y recibiendo todo el apoyo de los mismos a través de las redes sociales; imagino que al final algo bueno deben de tener las nuevas tecnologías, permitiendo llevar no solo la mierda, el odio y las miserias humanas a través de la conexión de internet, sino también mensajes positivos y de esperanza. Desde aquí le deseamos todo lo mejor al entrañable Lee, que disfrute de su tiempo y que los médicos se equivoquen en sus estimaciones; no sería el primer caso que estira sus tiempos en este mundo que conocemos.

Esto de la creación y grabación de los primeros dos discos de Ozzy Osbourne lleva trayendo cola desde hace unos cuantos años, por lo que resulta interesante ponerse en situación. Cuando los Black Sabbath echaron a Osbourne, imagino que hartos de lidiar con los demonios del vocalista, Sharon Arden –actual mujer de Ozzy, más conocida como Sharon Osbourne– cogió a Ozzy bajo su regazo y se puso manos a la obra para montarle una carrera en solitario al díscolo vocalista de la banda oscura por excelencia. Como curiosidad se puede decir que Sharon era hija del famoso representante Don Arden, que para más inri era el mánager de Sabbath durante aquellos años; cuentan las malas lenguas que el padre no se tomó nada bien la decisión de su hija de acercarse a Osbourne, causando que padre e hija dejasen de hablarse. En cualquier caso formaron un grupo en torno al genial y tristemente malogrado guitarrista Randy Rhoads, un gran músico al que su prematura muerte convirtió en leyenda. Para el tándem Rhoads/Ozzy se reclutó la base rítmica compuesta por Bob Daisley al bajo y Lee Kerslake a la batería, grandes músicos de contrastada calidad y con habilidades compositivas. Randy venía de tocar con Quiet Riot, un grupo que en los años setenta funcionaba en el circuito americano de clubes a un nivel similar al de Van Halen y que llegó a publicar dos discos de estudio con el rubio guitarrista que antes de la era internet eran objeto preciado de coleccionismo, pero que tras la oferta de Ozzy se fracturó y se dislovió. Daisley y Kerslake habían estado prestando sus servicios en Rainbow y Uriah Heep respectivamente, por lo que estaba claro que sabían de qué iba esto de tocar Rock. Bob Daisley fue contratado en primera instancia y Kerslake se unió al equipo tras haber probado eventualmente con un par de baterías antes. De este modo Ozzy se rodeaba de un equipo de categoría especial y exponencialmente creativo; no olvidemos que las habilidades compositivas de Osbourne aún están por descubrir, en el improbable caso de que las posea, puesto que hasta en Black Sabbath era Geezer Butler el que se ocupaba de componer la mayoría de letras y líneas vocales. Con todo la banda en solitario de Ozzy empezó a rodar y sacaron al mercado un pedazo de disco titulado “Blizzard Of Ozz” que a día de hoy es un clásico indiscutible del Rock duro… un disco compuesto por Rhoads-Daisley, con la colaboración de Kerslake en un tema, puesto que se incorporó al equipo a última hora, y en el que se incluía a Ozzy en los créditos por contrato; algo normal: era su grupo. El siguiente “Diary Of A Madman” ya iba compuesto por el equipo Rhoads-Daisley-Kerslake.

                                  Ozzy Osbourne: Bob Daisley, Lee Kerslake, Ozzy y Randy Rhoads.

Poco después de grabar el segundo disco decidieron prescindir de los servicios de Kerslake y Daisley. Hasta ahí, nada que objetar. Es tu negocio, contratas a tus empleados y si estimas oportuno, respetando la legalidad de los contratos, prescindes de los mismos. Lo que dice mucho y nada bueno del asunto es que además decidieron borrar a Daisley y Kerslake de los créditos de dicho disco, sustituyéndolos por Rudy Sarzo y Tommy Aldridge; otros dos músicos como una catedral, pero que no tocan en el disco. El propio Aldridge comentó en su día al respecto que cualquiera que escuchase esas baterías del disco se daría cuenta que no las había tocado él. En cuanto a las composiciones, imagino que ese asunto es más complejo, puesto que cuando compones algo lo registras y eso ya no se mueve tan fácilmente; de hecho muchos nos sorprenderíamos si pudiésemos ver cómo se registran esas autorías, ya que no es solo la referencia que aparece en el disco en cuanto a la composición general de la canción. Muchas veces se pueden llegar a registrar hasta fragmentos, una línea vocal en particular o un riff bajo la credencial de diferentes autores, aunque en el libreto del disco la autoría de la canción aparezca bajo un solo nombre. A este respecto enseguida te viene a la cabeza el episodio del teclista David Rosenthal cuando colaboró en la composición de una de las canciones del disco “Bent Out Of Shape” de Rainbow, pero ese es otro tema.

                                                               Daisley & Kerslake.

Desconozco los entresijos de las desavenencias entre el campamento Osbourne y Kerslake/Daisley, habría que escuchar todas las versiones, pero la realidad es que se borraron del disco todas las referencias posibles de estos dos músicos. Y, si esto ya es bastante feo de por sí, las cosas no fueron a mejor con el paso de los años. En 2002 la entrañable pareja Sharon/Ozzy realizaron un nuevo gesto todavía más feo que lo antes comentado, si es que es posible hacerlo peor. No conviene olvidar que Sharon es una persona de armas tomar y lo ha demostrado en innumerables ocasiones, no en vano Lemmy Kilmister –un tipo al que tampoco se le tosía así como así– llegó a comentar que lo más inteligente era no meterse con la mujer de Ozzy porque tenía las pelotas muy bien puestas. El caso es que para una de las reediciones de esos dos primeros discos de Ozzy Osbourne la siempre amigable Sharon decidió borrar las pistas de audio de la base rítmica y sustituirlas por nuevas grabaciones que corrieron a cargo de Robert Trujillo y Mike Bordin; en fin, ¿quién sino Sharon para darle una nueva vuelta de tuerca a lo que ya parecía imposible de superar? Un gesto tan rastrero como deleznable que dice mucho más de este personaje que todas las letras que uno decida juntar sobre una hoja en blanco. Parece ser que todo viene por las demandas que interpusieron Kerslake y Daisley ante Ozzy por impago de royalties. En su día fue un asunto muy comentado y criticado en la prensa musical mundial; normal. Todo esto para que Bob Daisley y Lee Kerslake no recibieran los merecidos beneficios de unos discos… que ellos mismos habían ayudado a componer y a grabar. Demencial. En un mundo justo el autor de una obra de arte debería ser el principal beneficiario de lo producido por lo que él mismo ha creado, pero parece ser que las coordenadas cerebrales de Sharon Osbourne se estructuran de manera distinta. Imposible la defensa de algo que aparece y va firmado por el sello de Ozzy Osbourne, por lo que no conviene olvidar que nuestro adorable Prince Of Darkness no deja de ser el último responsable. A cada cual lo suyo.

                                                           Sharon & Ozzy.

Tras años y años de batallas legales que no favorecieron a Kerslake/Daisley, es de suponer que una persona tan fría y calculadora como demuestra ser Sharon Osbourne ató y consideró todos los aspectos legales de su jugarreta, nuestros protagonistas no tuvieron más remedio que aceptar la injusticia de la situación. Gracias a esto pusieron en marcha el estupendo proyecto llamado Living Loud, acompañados por Jimmy Barnes, Steve Morse y Jon Lord, para revisar y volver a regrabar algunos de los clásicos que aparecieron en esos discos de Ozzy y que ellos mismos compusieron. Nos legaron un disco de estudio y un directo que son oro en paño.

La vida siguió y ambos músicos siguieron trabajando en lo que mejor saben hacer. Un día triste saltaba la noticia en los medios sobre los serios problemas de salud de Lee Kerslake, dejaba a Uriah Heep y bajaba el pistón en lo que a actuar se refiere. Recuerdo que la última vez que me crucé en el camino del entrañable Kerslake fue en la convención de fans de Uriah Heep que se celebró en Granada hace unos años y de la que ya hablé en su momento en este mismo foro. Un fin de semana mágico en el que Kerslake nos reconfortó con su habilidad musical, su simpatía y su terrible sentido del humor. Este pedazo de músico, gran batería y cantante excepcional -metía los agudos en Uriah Heep cuando se marchó David Byron-, ha participado en un buen número de los discos de cabecera de muchos de nosotros. Hace poco declaró que nada le haría más ilusión que tener en su salón los discos de platino que representan el éxito en ventas de los trabajos que compuso y grabó en el grupo de Ozzy Osbourne, que sería un bonito gesto por parte del campamento Osbourne mientras todavía esté con vida en nuestro mismo plano. No sé cómo de ennegrecidos estarán los corazones de Sharon/Ozzy, ni es asunto mío, pero con esta donación al menos uno siente que la injusticia de esta historia pesa un poquito menos. Nuestras oraciones y un brindis por Lee Kerslake en estos momentos difíciles.

                                    Lee Kerslake orgulloso con lo que le pertenece por méritos propios.

                                                          Ozzy: "Diary of a madman".

"Emerald Sabbath's Ninth Star". Próximo tributo a Black Sabbath con la colaboración de hasta diez ex miembros del grupo.

Acaba de ver la luz el primer tema de presentación de este nuevo proyecto tributo a Black Sabbath. La canción se titula "She's gone" y viene acompañada de un sugerente vídeo clip. Este tema, perteneciente al disco "Technical Ecstasy", cuenta con la presencia del bajista Neil Murray y del vocalista Dave Walker; los seguidores más exhaustivos del grupo lo conocerán, puesto que Walker llegó a ser el sustituto provisional durante un corto periodo de tiempo de Ozzy Osbourne antes de que Ronnie James Dio ayudase a dar forma a quella obra maestra que responde al nombre de "Heaven & Hell".

                                                Emerald Sabbath: "She's gone". Vídeo oficial.

Este proyecto parte de la idea de Michael Suilleabhain, un inspector de seguridad de construcciones nucleares que a su vez es un fan declarado de la banda de Birmingham. Comenta el bueno de Michael que conoció a Sabbath en el año 1983 -entendemos que a partir del disco "Born Again" en el que puso su voz Ian Gillan- y que desde entonces ha visto al grupo en directo un total de ochenta y dos veces; vaya, esto es un seguidor fiel y lo demás son tonterías. Comenta como curiosidad Suilleabhain que la única formación que se ha perdido desde entonces es la que contó con Ray Gillen a las voces. Esto es una auténtica putada, puesto que en la gira que hizo Sabbath con Gillen a la voz para presentar el excepcional disco "Seventh Star" -otra obra maestra del grupo de Iommi- el grupo sonaba que te cagas y el cantante todavía más. Hay que recordar que ese disco lo grabó Tony Iommi como un proyecto en solitario con Glenn Hughes a la voz y la compañía de discos -o el propio Tony, vaya usted a saber- acabó tomando la decisión de publicarlo bajo el apelativo de Black Sabbath featuring Tony Iommi. Como quiera que fuese este disco pasa por ser para este humilde servidor de lo mejorcito y más inspirado que el guitarrista de la lesión en las yemas de los dedos haya registrado jamás. La historia es muy conocida para cualquier seguidor de Sabbath/Hughes. Iommi ofreció el puesto de vocalista a Glenn para un disco en solitario que se alejaba de la música típica del combo británico. Hughes, que estaba en plena batalla contra sus demonios personales, aceptó el proyecto y volcó toda su creatividad en unas melodías y líneas vocales de otra galaxia... pero que poco o nada tenían que ver con el universo Sabbath. Al final el disco salió como Black Sabbath y, de pronto, se vio metido en la gigantesca pre producción de una gira mundial en la que tendría que cantar el catálogo de los Sabbath Ozzy/Dio. Glenn Hughes no llegó a ofrecer más que cinco conciertos. Un tipo con la sensibilidad de Glenn se encontraba terriblemente incómodo teniendo que defender en directo unas canciones con las que no sentía ninguna conexión. Por otro lado sus problemas con las adicciones no ayudaban, había ganado mucho peso y el hecho de sentirse en un lugar que no era el suyo hizo que la situación desembocara de manera abrupta abandonando la gira. Fue en ese momento cuando Ray Gillen asumió el puesto y nos volvió locos a muchos de nosotros con unas interpretaciones soberbias de las canciones que conformaban el set list de la gira. Para el recuerdo queda un poderosísimo "Danger zone" del directo de San Antonio, por citar algún ejemplo. De hecho grabaron algunas maquetas de las canciones que acabaron dando forma al siguiente disco de Black Sabbath, titulado "The Eternal Idol" con Tony Martin a las voces. Estas tomas se pueden escuchar para deleite del oido en la reedición que lleva por nombre "The Eternal Idol. Deluxe Edition". De estos años tan convulsos como excitantes de Sabbath habrá que hablar más detenidamente en otro momento.

                                      Black Sabbath feat Tony Iommi: "Danger zone" (G.Hughes voz).

                                        Black Sabbath: "Danger zone". San Antonio 86 (R.Gillen voz).

Pero volvamos a Emerald Sabbath. Michael Suilleabhain decidió allá por el año 2015 que debía aunar sus dos pasiones: Black Sabbath y la Música Clásica, por lo que empezó a trabajar en este proyecto. Tras conseguir colaborar con el teclista Adam Wakeman en la versión del tema "Changes" la idea comenzó a cobrar forma. Según comenta el propio Michael, se propuso regrabar las canciones de Sabbath con el mayor número posible de ex componentes del grupo... y logró involucrar a diez de ellos. Pasamos a mostrar la sorprendente lista de colaboraciones:

-"Embryo": Adam Wakeman (tecl), Beb Bevan (perc), Laurence Cottle (baj), Anneka Sutcliffe (vi) y Sarah Tobias (f).

-"Die young": Ron Keel (v), Vinnie Appice (bat), Rudy Sarzo (baj), DC Cothern, Pete Rinaldi (g) y Ellen Morgan (tecl).

-"Fluff": Sarah Tobias (f), P. Rinaldi (g) y el Cuarteto de Cuerdas Ardeton.

-"Trashed": R. Keel (v), Vinnie Appice (bat), B. Bevan (perc), L. Cottle (baj) y P. Rinaldi (g). 

-"Stonehenge": A.Wakeman (tecl), L.Cottle (baj), P. Rinaldi (g) y S. Tobias (f).

-"She's gone": Dave Walker (v), Neil Murray (baj), Bill Dwyer (bat) y el Cuarteto Cuerdas Ardeton.

-"In for the kill": Tony Martin (v), L.Cottle (baj), Bobby Rondinelly (bat), P. Rinaldi (g) y A. Wakeman (tecl).

-"Orchild": N. Murray (baj), P. Rinaldi (g), S. Tobias (f) y el Cuarteto Cuerdas Ardeton.

-"Hole in the sky": R. Keel (v), B. Rondinelli (bat), L. Cottle (baj) y P. Rinaldi (g).

-"Changes": M. Suilleabhain (v), A. Wakeman (tecl), L. Cottle (baj), B. Bevan (perc), A. Sutcliffe (vi) y S. Tobias (f).

-"Supertzar": A. Wakeman (tecl), Terry Chimes (bat), L. Cottle (baj), P. Rinaldi (g) y el English Chamber Choir. 

Puede el lector observar que el asunto tira de espaldas. Todo tiene pinta de que habrá que ir haciendo un hueco en la estantería por la letra "B" (de Black Sabbath)... o por la "T" ( de tributo); según cada gusto.

                                 Neil Murray, Mike Exeter (ingeniero), Michael Suilleabhain y Bev Bevan.

REFLEXIONES METÁLICAS.

Una sección de nuestro colaborador “Metálico”.

Rosendo… sólo Rock n’ Roll.

Hace unos días Rosendo finalizó la gira "Mi tiempo señorías" con la que parece quere poner fin a una carrera de 45 años en el mundo del Rock. Está muy cerca de la edad de jubilación y pretende hacer eso, jubilarse como uno más.

Y es que Rosendo en su dilatada trayectoria siempre ha querido mantenerse como una persona normal, muy alejado de los clichés más típicos de una estrella del Rock; porque, aunque lo fuera, él se veía como un currito del Rock que tenía el privilegio de ganarse la vida haciendo y tocando la música que le gustaba.

Rosendo representa a ese Rock "sin lentejuelas que brillan demasiado" (que dirían Barricada), a ese que únicamente da importancia a la música y a las letras, por eso sale al escenario con vaqueros y una camiseta sin necesitar nada más. Coherencia con su mensaje.

Ese Rock sin más, el auténtico para algunos, pero que es necesario para todos, ese Rock que parece guardar las esencias y que renuncia a una parte importante del espectáculo porque ese es su Rock. Su coherencia.
Creo que Rosendo fue evolucionando con los años, sus primeros discos en solitario mantenían la rabia y los mensajes más directos, pero poco a poco estos fueron desapareciendo para dejar paso a una mayor elaboración de las letras que las dotaron de una complejidad que fue en detrimento de su frescura; y con su música ocurrió un poco tanto igual. está claro que con tantos años en un escenario se debe buscar algo más... pero manteniendo la coherencia y regalándonos alguna composición sublime de tanto en cuanto. 
Después de unos años alejado de Rosendo, seguramente por mi concepción de su evolución, el otro día volví a recuperarle, a vibrar con su música, a vovler a tener 20 años, a dejarme los pulmones "navegando a muerte" y, en definitiva, a valorar enormemente su trayectoria, su coherencia. Grande Rosendo!!!

Metálico.