Encuentros HUSH.
Este es un sitio musical, no nos engañemos, pero en el que nos vamos a acercar a la música que nos gusta desde distintos ángulos, cual prisma. Como ya dijo el añorado Jon Lord: la música es la forma de arte más elevada que existe; afirmación que, pese a disfrutar de otras manifestaciones artísticas, sostengo plenamente.
Clube de Adictos a Deep Purple
Clube de Adictos a Deep Purple
Púrpura Chess
This blog is basically a musical site. Here we talk about the music we like, using different angles. As dear and missed Jon Lord once said: “Music is the highest kind of Art that exists”. I think the same way too.
Una sección de “Cortadillo, el
encargado de la Renol”.
Chascarrillos sobre los
tiempos que corren a pie de obra… en la cadena de montaje… en los pensamientos
de una vaca, que al no saber qué hacer… con el rabo mata moscas.
Esta sección de collages responde a visiones,
percepciones y miradas muy personales acerca de lo que la vida expone a través
de sus diferentes canales de expresión.
Sin pretensiones… desde la humildad de quien no sabe y desde la
grandeza de lo que la vida nos ofrece… cada collage representa un
golpe de inspiración de quien se considera tan ciego en estas cosas del arte.
No hay títulos… no hay descripciones ni explicaciones por ese respeto
que siento por la libertad de expresión y por la mirada libre… sin colorantes
ni aditivos… de quienes su curiosidad les ha traído hasta estas imágenes.
Estamos de enhorabuena, parece que Aerosmith vuelve a resucitar
discográficamente hablando. De la mano del vocalista Steven Tyler y del
guitarra Joe Perry el mágico grupo que tan felices nos han hecho a sus
millones de seguidores a lo largo y ancho de este mundo loco se vuelve a reactivar, aunque no sabemos en qué nueva fórmula. En este caso se
trata del lanzamiento de un nuevo Ep en estudio en colaboración con el artista Yungblud.
Poco hace falta decir a estas alturas de la banda de Boston y de su binomio Tyler/Perry,
conocidos como The Toxic Twins en clara comparativa con los
famosos Stones Jagger/Richards. En cuanto a Yungblud podemos
comentar que es un joven multinstrumentista de origen británico que tras un Ep
y tres discos de estudio está pegando fuerte, sobre todo en Reino Unido.
Esta nueva colaboración en forma de disco con nuevas canciones en
estudio llevará por título “One More Time” -muy apropiado, por cierto- y
contará con cinco temas, cuatro de ellos nuevas composiciones y una versión del
clasicazo “Back in the saddle” de los propios Aerosmith. El disco
tiene prevista su fecha de salida para finales de Noviembre. Lo produce Matt
Schwartz y en el mismo han cantado el propio Yungblud además de Steven
Tyler y Joe Perry. Las guitarras corren a cargo de Perry y Brad
Whitford, mientras que el bajista es Tom Hamilton y el batería Matt
Sorum; vamos, todo Aerosmith menos Joey Kramer. Habrá que
investigar los motivos para que Kramer no se haya colocado tras los
tambores y hayan tenido que contratar a Sorum como músico de sesión. El
caso es que Aerosmith vuelven a la carga, al menos en estudio, de nuevo
-one more time- y eso siempre es una gran noticia.
Steven Tyler & Joe Perry: The Toxic Twins.
Por lo visto Yungblud conectó con el universo Aerosmith el
pasado año ya que, según comenta Joe Perry, estaba interesado en
trabajar con el mítico guitarra en algunas canciones. Perry escuchó
algo de la música de Yungblud y enseguida se dio cuenta de la visión y
potencial de la propuesta artística del joven británico. Surgieron unas cuantas ideas,
llamaron a Tyler y el resto es este nuevo Ep.
Todos tenemos presente la reciente historia de Aerosmith y de
su vocalista. El grupo anunció hace un tiempo su retirada definitiva de las
giras y los conciertos debido a los serios problemas de garganta que lleva padeciendo
Steven Tyler en estos últimos años, de hecho tuvieron que posponer
primero y cancelar después de modo definitivo su anunciada gira de despedida por
ese mismo motivo. Por desgracia quedó meridianamente claro para todo el que lo
hubiese visto el difícil estado vocal que mostró Tyler cuando realizó
una aparición ya pasada la pandemia como invitado en un concierto de los Black
Crowes. Ya lo comentamos y documentamos aquí en su momento.
Resignados y condenados a no poder volver a disfrutar de la genuina
agrupación que parió cosas tan delicadas, desgarradoras, potentes e inspiradas
como “Dream on”, “Janie’s got a gun”, “Rag doll”, “Seasons of wither”, “Toys
in the attic”, “Rats in the cellar”, “Draw the line”, “Mia”, “Jailbait”,
“Shela”, “Amazing”, “Ain’t that a bitch”, “Sunshine”, “Another last goodbye”,
“The oher side”… y así me puedo tirar todo el día, el bajón fue
considerable y duro; duro para muchos de nosotros. No bromeo. El que esto firma
ha escuchado -y lo seguirá haciendo- estos discos hasta quemarlos literalmente.Han sido y siguen siendo parte importante de
la banda sonora que me acompaña e incluso guía el camino a seguir en la vida.
Su música está ligada a infinidad de recuerdos, vivencias, situaciones y gentes
que colorean el recorrido vital y dan sentido a cada amanecer y a cada
anochecer.
Pues después de este anuncio los componentes del grupo se separaron
para seguir con sus respectivos caminos musicales. Joe Perry resucitó su
Joe Perry Project -vamos, su grupo en solitario de siempre-, mientras
que el bajista Tom Hamilton montó el grupo Close Enemies y el
también guitarra Brad Whitford ha seguido realizando colaboraciones con
músicos como Joe Bonamassa, Joe Satriani, Kenny Wayne Shepperd o Eric
Johnson.
Tyler, Yungblud y Perry.
Así ha estado la cosa, con alguna presentación en vivo de Tyler como hemos comentado con anterioridad, hasta que el pasado Julio Steven Tyler
se subió de nuevo a un escenario. Fue uno de los invitados del mastodóntico
show de despedida de Ozzy Osbourne -D.E.P.- y sobre las tablas
interpretó los clásicos “Train keep a rollin” y “Walk this way”
-ambos clásicos de Aerosmith- unido al “Whole lotta love” de Zeppelin.
Por último, el pasado siete de Septiembre volvió a cantar en la gala de premios
MTV Video Music Awards como homenaje a la memoria de Ozzy Osbourne.
Tyler interpretó el conocido tema de Ozzy titulado “Mamma, I’m
coming home” junto al propio Yungblud; de paso aprovecharon para
anunciar en redes sociales un pequeño secreto… que no era más que este nuevo Ep
del que ahora estamos hablando. Conviene comentar que en ambas apariciones el
bueno de Steven ha demostrado estar en una excelente forma física,
moviéndose, dando saltos y giros mientras se llevaba de calle al público con su
carisma habitual… a sus setenta y siete años… casi ná. Pero lo más importante:
con una voz que daba motivos a la esperanza. No en vano han vuelto a surgir los
rumores, alimentados por los propios miembros de Aerosmith, de la
posibilidad de un último concierto de despedida. Veremos.
Así pues, os dejamos con la nueva pieza vocal del grandísimo grupo de
Boston comandado a la voz por ese cantante tan especial que tanto ha marcado e
influenciado a generaciones posteriores. Un nuevo tema que lleva gran parte del ADN de Aerosmith en sus surcos... y no es una balada. No está nada mal. Para su disfrute. Una vez más.
Una sección de nuestro colaborador Paul Martín Simón.
Hendrix, 55 años después.
Un viernes 18 de Septiembre fallecía en Londres el guitarrista norteamericano Jimi Hendrix; de camino al hospital desde el apartamento de su novia, Monika Danneman, que no pudo despertarle aquella mañana.
Hacía cuatro años que había llegado a Inglaterra, triunfando con su primer sencillo titulado "Hey Joe". En 1967 volvía a su país natal triunfando también en el Festival de Monterrey con su grupo, Jimi Hendrix Experience.
Hendrix había llevado la guitarra eléctrica a otro nivel, con sonidos inéditos hasta ese momento, revolucionando el mundo del Rock. Pero tras cuatro discos editados, Jimi se declaraba un tanto decepcionado de que el público no apreciase sus nuevas composiciones y poco menos que le exigiera que quemase siempre su guitarra en concierto; aunque de hecho solo consta que lo hiciese en dos ocasiones.
Su muerte se determinó como ahogamiento por su propio vómito debido a la ingesta de somníferos y unas copas de vino. Se especuló con el suicidio por depresión e incluso homicidio pasional por celos.
Sin embargo, hoy no vamos a especular más con su muerte, todo un mito que perdura hasta la actualidad, sino a soñar qué habría sido de Hendrix si no hubiese fallecido aquel fatídico día con tan solo 27 años de edad.
Jimi tenía grandes inquietudes musicales y quería ampliar su espectro sonoro, experimentando con otros músicos y estilos. Llegó a decir: "Quiero hacer música capaz de curar cualquier enfermedad".
Había hablado con músicos de Jazz, como el trompetista Miles Davis o el flautista/saxofonista ciego Roland Kirk, hacía los que profesaba una admiración recíproca.
Jimi Hendrix, Roland Kirk y Miles Davis.
¿Os imagináis a un maduro Hendrix tocando en alguno de los grandes festivales de los años 80/90 junto a Janis Joplin o el primer stone, Brian Jones? Estos otros dos músicos también fallecieron prematuramente en aquel fatídico "Club de los 27".
Solo podemos imaginar dónde habría llegado con su música Jimi, aunque creo hay algo de su influencia en todo guitarrista eléctrico... incluso sin siquiera haberle escuchado directamente.
Hace apenas un par de días que se lanzaba a las redes el primer tema adelanto de lo que será el nuevo disco de la Steve Morse Band. El vídeo clip de "Break Through" nos sirve para presentar la nueva música en estudio de nuestro querido guitarra Steve Morse. Por su parte la nueva obra musical de este grupo de virtuosos llevará el nombre de "Triangulation" y tiene prevista su llegada a las tiendas -tanto virtuales como físicas, si es que todavía queda alguna de estas últimas- para el próximo catorce de Noviembre. Un título inquieto para alguien de mente inquieta, con talento inquieto y que ejecuta una música inquieta de mucho calibre. La cosa promete y mucho.
El grupo que acompaña a Morse vuelve a estar formado por Dave LaRue al bajo y Van Romaine tras la batería. Su formación de siempre, vamos. Un súper trío de esos que suenan que te cagas y que en cuanto enchufan sus instrumentos te ponen firme. Su última referencia discográfica como Steve Morse Band llevaba por título "Out Standing In Their Field" y data del ya lejano 2009; dieciséis años, muchos años huérfanos de nueva música en estudio de este trío. Para este nuevo cd además anuncian las colaboraciones de músicos como Eric Johnson o John Petrucci. Todo gente que juega en otra división.
Steve Morse pasa por ser uno de los músicos más reconocidos y reputados dentro del circuito de guitarristas, de hecho tiene en su haber un buen número de nominaciones y premios de esos que otorgan las academias y agrupaciones con más pedigrí; por algo será. Por nuestra parte, se aseguró además un rinconcito en nuestro corazón púrpura tras ser la persona que asumió el papelón de sustituir al díscolo guitarrista Ritchie Blackmore en Deep Purple cuando su última espantada en 1993. Tras contar con Joe Satriani para cumplir los compromisos contractuales del grupo púrpura, Gillan, Lord & Co se decantaron por el rubio guitarrista para sustituir de manera definitiva a Ritchie. Steve Morse asumió el dificilísimo papel de calzarse las botas de todo un Blackmore... y lo sacó adelante con matrícula. Por todos es sabida lo alargada que siempre ha sido la sombra de Ritchie Blackmore en Purple y Morse consiguió convencer a base de buena música, excelente interpretación e inspirada composición hasta a los más incrédulos de su capacidad, talento y valía musical. Estuvo en el grupo desde el año 1994 hasta el 2022, abandonando la nave Purple para cuidar y acompañar a su mujer, Janine, por aquel entonces en una fase terminal de cáncer; pareja a la que conoció gracias a formar parte del grupo, todo sea dicho, y con la que contrajo matrimonio durante una de las actuaciones de directo del propio grupo. Si todo esto no constituye una genuina historia de amor, que venga el que se atreva a tirar la primera piedra. Steve tomó la decisión de dejar al grupo y acompañar el día a día de su mujer hasta el final de sus días. Según sus propias palabras ambos fueron bendecidos con dos años plenos de vivencias, experiencias, cariño y acompañamiento hasta que falleció el cuatro de febrero del pasado año. El propio Steve publicó en redes un emotivo mensaje personal anunciando el fallecimiento de su esposa que todavía hace que se me erice la piel, me recorra un frío escalofrío y se me encoja el corazón. Ejemplos vitales que tienen lo esencial muy clarito, con unos principios, unos valores y una actitud ante la vida que nunca estuvieron de moda y de los que ya quedan muy, muy pocos.
Celebremos esta nueva canción de un grupo especial, celebremos la vida y celebremos los nobles sentimientos hacia nuestros seres queridos.
El cantante Rick Hughes acaba de publicar en single la versión del clásico de The Who titulado "The Real Me". El vocalista de grupos como Saints & Sinners o Sword tiene previsto publicar un disco en solitario que lleva por nombre "Redemption". Como adelanto ha salido hace apenas tres días este single con una poderosa versión de esta no menos poderosa canción compuesta hace más de cincuenta años por Pete Townshend. Apareció en el disco "Quadrophenia" del año 1973.
Este single adelanto tiene además como curiosidad y reclamo que sirve para reunir de nuevo tocando juntos al guitarrista Brad Gillis, el bajista Ruzy Sarzo y el batería Tommy Aldridge; vamos, la formación que acompañó a Ozzy Osbourne en la parte de la gira del disco "Diary Of A Madman" poco después de la trágica muerte del guitarra Randy Rhoads. Un bonito guiño y homenaje a la reciente muerte de Osbourne, que llevaba ya unos años luchando contra la enfermedad de Parkinson. Conviene recordar que Rhoads falleció de modo trágico en un accidente de avioneta el 19 de Marzo de 1982. Su primer sustituto fue el también guitarra Bernie Torme, pero tras un puñado de conciertos la cosa no acabó de cuajar y finalmente Brad Gillis se hizo con el puesto en el grupo de Ozzy para finalizar la gira.
Class of 82: T.Aldridge, R.Hughes, B.Gillis y R.Sarzo.
El tema suena muy bien, es una gran composición y los músicos que le rinden tributo en este single no son mancos ni muchísimo menos. Un buen aperitivo para lo que será el nuevo disco del vocalista. Aunque ya hemos dicho que el asunto suena en condiciones, me resulta imposible no recordar la versión que de esta misma canción realizó el grupo WASP en su disco "The Headless Children" del año 1989. Imposible mejorar esto, una de las versiones más potentes y salvajes que este humilde escriba haya podido escuchar en su vida y de la que ya hablamos por aquí hace unos años. Desde la poderosa voz de Blackie Lawless hasta la batería desgarradora y asesina de Frankie Banali, una de las mejores tomas de batería que jamás hayan entrado por las orejas del que esto escribe. Tommy Aldridge es muy, pero que muy bueno, tiene una técnica y una pegada impresionantes... pero sencillamente es imposible sonar mejor que Banali en la versión de los WASP -ese doble bombo final cual locomotora descarrilando te lleva a otra dimensión- que sirvió también como single de presentación de su disco.
Así que os dejamos con esta joyita para vuestro disfrute. "The real me", otra de esas canciones que definen la quintaesencia de lo que es y lo que representa el puto Rock'n'Roll.
Esta preciosidad de canción que salió de la cabeza, el corazón y el talento del trístemente fallecido Bernie Marsden nos puede servir de perfecta banda sonora a algunos de nosotros durante estos días que suponen el final del verano... para algunos de nosotros.
El que fuera el guitarrista más reconocido de Whitesnake junto a Micky Moody, además de poseer un sutil e inspirado toque a las seis cuerdas, resulta que también fue bendecido con una voz preciosa, delicada y con carácter; vamos, lo que viene a ser un cantante que es capaz de cantar bonito. Algo que solo pueden hacer muy pocos vocalistas, pero esto es marginal.
El tema "September tears" era el que cerraba el único disco en estudio, titulado "Once Bitten", que publicó esta dupla de guitarras bajo el nombre de The Snakes. De este disco ya hemos hablado tangencialmente en otras ocasiones, supongo que va siendo momento de dedicarle una entrada íntegra como bien se merece. Ocurrirá.
Desde su desnudo inicio "September tears" te engancha con su sutileza y fragilidad. Evoca a la perfección esos días de asueto que seguro disfrutaste en los meses estivales... y también esos otros que no fueron tan plenos; cosas de la vida. Y aunque su letra aborda otras cuestiones de poderoso calado, nos puede servir a la perfección para completar ese cuadro de recuerdos que pintaste casi sin querer entre chapuzones, calores y noches nebulosas.
Una sección de “Cortadillo, el
encargado de la Renol”.
Chascarrillos sobre los
tiempos que corren a pie de obra… en la cadena de montaje… en los pensamientos
de una vaca, que al no saber qué hacer… con el rabo mata moscas.
Esta sección de collages responde a visiones,
percepciones y miradas muy personales acerca de lo que la vida expone a través
de sus diferentes canales de expresión.
Sin pretensiones… desde la humildad de quien no sabe y desde la
grandeza de lo que la vida nos ofrece… cada collage representa un
golpe de inspiración de quien se considera tan ciego en estas cosas del arte.
No hay títulos… no hay descripciones ni explicaciones por ese respeto
que siento por la libertad de expresión y por la mirada libre… sin colorantes
ni aditivos… de quienes su curiosidad les ha traído hasta estas imágenes.
Si nos referimos al cantante Stefan Berggren seguro que a muy, muy
poquita gente le sonará de algo; qué coño, casi nadie será siquiera capaz de escribir de manera correcta su
apellido. No hay problema, convivimos con estos avatares desinformativos a
diario y hasta nos resulta familiar. En este loco mundo de la macro información masiva, rápida, saturada, vacía de contenido y casi siempre falsa la figura de
Berggren lo tiene difícil para brillar,
pese a poseer una voz resplandeciente. Así
está el patio.
El que fuera vocalista de Company Of Snakes, grupo de los ex guitarras
de Whitesnake Bernie Marsden y Micky Moody, demostró la calidad, gusto, finura y talento de su voz durante
el año que se pasó recorriendo los escenarios europeos comandando el
combo de las serpientes. Incluso fue reclutado años después para compartir voces junto a Doogie White en el último directo "Rough An' Ready" que publicó este proyecto de Moody/Marsden por entonces denominado M3. Esta formación se caracterizó por abanderar las canciones más populares de la primera etapa de Whitesnake, la que va desde su formación en 1978 hasta 1982, ya que
Moody/Marsden eran los músicos que estaban
detrás del cantante y líder David Coverdale componiendo e interpretando todos
esos clásicos de los primeros seis
discos de estudio de la Serpiente Blanca y que deberían estar en las estanterías, en las cabezas y en los
corazones de todo aquel que sienta algo por el R'n'R. En un momento dado
Coverdale decidió mirar al mercado
Norteamericano y les dio la patada a nuestra querida dupla de guitarristas. No
vamos a ahondar en este asunto, ya que nos hemos referido al mismo varias veces
-la última el mes pasado al hablar
delaffairCoverdale/Moody/Sykes-, el caso es que parece que tanto Moody como
Marsden salieron muy escaldados de su etapa Whitesnake.
The Company Of Snakes: Marsden, Berggren & Moody.
Pero como quieras que fuese, las canciones de Whitesnake eran sus
canciones, por lo que un buen día se decidieron a
aunar fuerzas y en el ya lejano 1992 dieron forma al primer proyecto musical
juntos tras la Serpiente Blanca. Este proyecto, que tuvo numerosas
denominaciones y miembros, lo montaron en el año 1989 y se mantuvo desde el disco de 1992 titulado
"Never Turn Our BackTo The Blues",
toda una declaración de intenciones
frente a su ex vocalista Coverdale, bajo el nombre de The Moody Marsden Band,
hasta el directo de 2007 "Rough An' Ready" que salió bajo la denominación de M3. Una
andadura de unos dieciocho años alternando los
clásicos de Whitesnake junto a
algunas composiciones propias, discos de directo y estudio que te quitan el
hipo y, en definitiva, regalando al personal Hard/Blues del bueno. A la cabeza
está el disco "Once
Bitten", obra maestra que publicaron bajo el apelativo de The Snakes y que
es una joya con mayúsculas; su inicio
con el tema "Labour Of love" puede que sea uno de los mejores
comienzos de un disco que este humilde escriba haya escuchado jamás. Dejaremos la
apasionante historia de este grupo con todas sus distintas denominaciones y
formaciones para otro momento.
El caso es que Stefan Berggen estuvo al frente del micro en el directo
"Here They Go Again" y en el de estudio posterior "Burst The
Bubble". Del directo "Here They Go Again", que recoge las actuaciones que el grupo ofreció en la localidad noruega de Trondheim y en el prestigioso festival de Wacken, podemos comentar como curiosidad que el cantante que realizó esos conciertos fue Robert Hart. Lo que pasa es que para cuando se decidió publicar el disco Hart ya no formaba parte del grupo, por lo que Berggren regrabó en estudio todas las voces. Un día más en la vida de Snakes Moody/Marsden.
Tras dejar el grupo, Stefan ha publicado apenas tres discos en
solitario. Hoy nos acordamos del estupendo "Stranger
In Strangerland", publicado en el año 2016. Un discazo de Hard Rock con base Blues que, entre otros, cuenta con la colaboración a la guitarra de Bernie Marsden en un par de temas: "Long gone down the road" y el que titula este intento de artículo; a cual mejor, claro.
No hay mejor manera de disfrutar de una voz personal, bonita y con mucha clase, en la que se notan las influencias -para nada copias- de grandes como Paul Rodgers o Pete Goalby. Como debe de ser.
Ahora que Glenn Hughes está
de
vuelta en su faceta solista y su impresionante voz nos va a presentar un nuevo
ramillete de canciones, es momento perfecto para recordar su disco "Addiction".
Fue publicado un verano de 1996, por desgracia solo en Japón. En aquellos lejanos años noventa cualquier cosa que oliese mínimamente a Hard Rock clásico era ninguneado
y casi vilipendiado debido ala
irritante moda del Grunge, de hecho solo los grandes grupos consolidados
seguían pudiendo sacar discos y
hacer giras medianamente aceptables. Sin ir más lejos hasta gente como Iron Maiden se encontraban de capa caída y tocando en sitios como Miajadas, en la
Extremadura profunda; todos mis respetos a la preciosa villa de los tomates,
pero los grandes mercados ya no estaban ahí. Tocaba rebajarse
mucho el caché y acudir a zonas en
las que hoy en día ni se les ocurriría actuar. Otros tiempos.
En estas tesituras el bueno de Glenn publicó lo que sería su cuarta obra de
estudio en solitario desde que volviese al mundo de la música tras superar sus adicciones. De hecho, este "Addiction"
aborda ese submundo de demonios por el que estuvo transitando Hughes
durante los finales setenta y la década de los
ochenta. Ya hemos hablado en otros momentos de toda esa etapa, por lo que no
tienes más que dirigirte a su nombre en
el buscador para leer algunas de sus atómicas anécdotas al respecto.
"Addiction" es un disco de Hard Rock. Oscuro, muy oscuro; pero también es melódico, arriesgado, fresco, impactante y muy sincero. A
lo largo de todos sus surcos y con unas letras tiernas, desgarradoras y muy
inspiradas, Glenn nos ofrece una visión artística de sus demonios que seguro fue terapéutico para su propia persona. Incluso en esa época se cortó su larga cabellera tras casi toda la vida llevando el pelo largo.
Glenn Hughes y sus cambios de imagen.
Ya hemos dicho que salió solo en Japón. Era costumbre que algunos discos de artistas que no
estaban en el candelabro -Sofía Mazagatosdixit- solo se publicasen en la Tierra del
Sol Naciente; el triple de caros, claro. Tiempo después salió la versión europea, con un orden distinto de las canciones y a
un precio más asequible. Aquí nos vamos a referir a la versión japonesa. Era verano, si querías el disco había que soltar los billetes y una versión jovencita pero
con curroy pasta en el
bolsillo del que esto escribe tenía muy clara sus
prioridades en la vida: había que hacerse con
lo nuevo de Glenn Hughes sí o si.
El disco se abre con "I'm not your slave", Rock
directo y sin concesiones para comenzar directo entre los ojos de la mano de un
Glenn cantando con rabia, arriba y convicción. Sigue "Cover me", un medio tiempo
de lo mejorcito del disco con baterías potentes creando
tensión y jugando mucho con los
silencios. El encargado de los tambores en este disco es el baterista Joe
Travers. Le toca el turno al tema título del cd, más caña y con un fraseo
final de guitarra de esos que te ponen firmes. Lo mismo podemos decir de “Madeleine”,
la siguiente canción que sigue una línea similar. El guitarrista que secundó a Hughes para la composición y grabación de esta obra fue Marc Bonilla. Su sonido personal y oscuro adorna todo el disco. Realiza un solo
especialmente intenso en "Talk about It", medio tiempo intenso
y profundo que fue sacado en su día como single.
Cierra lo que sería la cara A"Death
of me", uno de los temas más fuertes y pesados
del disco aderezado con más de esas letras
descarnadas, personales y sinceras
Glenn Hughes & Marc Bonilla.
"Talk about it"
Lo que sería la cara B
comienza con “Down”, otro corte pesado y que te va machacando mientras
lo escuchas. Sigue con una de las cosas más delicadas que jamás le haya escuchado cantar a Glenn Hughes. Jamás. Bajo el nombre de "Blue Jade" se
esconde una canción densa, larga,
hipnótica, que te seduce y te
arrastra hasta que te aprisiona fuertemente con sus sutiles garras. Lo mejor de
un disco excelente, sin duda. Compuesta por Hughes y el otro guitarra que toca
en el disco: Joakim Marsh. De hecho este fue el primer disco que Marsh grabó con Hughes, un guitarra que acompañó a nuestro querido cantante/bajista hasta el año 2008. Podemos contar como curiosidad sobre "Blue Jade" que solo la ha
tocado en directo en poquísimas ocasiones -lo
de siempre, el público quiere oír siempre los
mismos cuatro temas famosos y se la suda todo lo demás- y una de ellas fue en los conciertos españoles que ofreció en 2003. Precioso y delicado momento de un Glenn
regalando una voz y una interpretación sobrenaturales
que se grabó a fuego en el alma del que
esto te cuenta para el resto de la vida, pero esto es marginal.
El disco sigue con "Justified man", otro Hard Rock
con un aire más festivo que equilibra la
intensidad anterior y que cuenta con la colaboración a la slide de Ronnie
Montrose, para coger de nuevo fuerza con el tema final. "I don't
want tolive that way
again" es una confesión y toda una
declaración de principios a la vez. Una
canción lenta, triste, dramática, densa y oscura en la que nuestro artista
favorito desgrana con un lirismo y delicadeza insultantes todos los fantasmas
por los que pasó durante su drogadicción. Ocho minutos y medio de magia y tensión contenida.
Por extraño que parezca, lo que debería ser un disco triste de invierno en realidad se
transforma en un producto ideal para ser degustado cualquier tarde de verano de
esas de calor asfixiante; conduciendo tu vehículo hasta llegar a
cualquier antro a orillas de cualquier carretera en medio de ningún lugar, en el que entras para buscar tranquilidad
mientras te tomas un café bien cargado y
revisas la portada a la vez que contemplas desde la ventana esa carretera por
la que pasa la vida tan lenta como veloz.