Led Zeppelin publican single el día Oficial de las Tiendas de Discos: “Rock n’ Roll”.

El mítico grupo Led Zeppelin tiene previsto publicar un nuevo single en vinilo con motivo de la celebración del día de las tiendas de discos en próximo 21 de Abril. Las canciones escogidas para este redondo son “Rock n’ Roll” y “Friends”. Ninguno de los temas como tales son inéditos, “Rock n’ Roll” es el clásico que apareció en su disco “IV” y “Friends” por su parte vio la luz en el disco “Led Zeppelin III”. El interés para el coleccionista reside en que las versiones en sí están remezcladas: “Rock n’ Roll” es la remezcla de Sunset Sound Mix y “Friends” pertenece a Olympic Studios Mix. De las mezclas Sunset Sound solo habían visto la luz hasta ahora los temas “When the levee breaks” y “Starway to heaven”. Las tomas de este nuevo single no se habían publicado de manera oficial hasta ahora; es ahí donde reside la singularidad de la publicación.

Este hecho se une a las recientes declaraciones de Robert Plant en las que asegura que están estudiando la posibilidad de volverse a juntar con motivo del cincuenta aniversario de la publicación del primer disco del grupo, conocido como “Led Zeppelin” y que data del año 1968. De este modo los miles de seguidores que el grupo tiene diseminados por el globo terráqueo tienen un buen motivo para estar contentos.  Lo cachondo del asunto es que en estos días Jimmy Page también está haciendo unas declaraciones en las que comenta que no cree posible que Led Zeppelin vuelvan a juntarse. Page, un tipo que lleva media vida intentando volver a juntar al grupo y ahora se descuelga con esto. Esto está más que ensayado, pero imagino que forma parte del circo mediático musical.

                          Led Zeppelin reunión: John Paul Jones, Jimmy Page, Robert Plant y Jason Bonham.

Debo reconocer que Led Zeppelin no es especialmente santo de mi devoción. Tienen una discografía sólida, en las estanterías de mi morada conviven todos sus discos oficiales de estudio y algunos directos al lado de otras joyas como las discografías de Uriah Heep, Blue Oyster Cult, Ted Nugent o Judas; sí, reconozco que tengo una manera algo peculiar de ordenar mi discografía y no siempre el criterio alfabético es el adecuado. No llego a la opinión de los detractores que están convencidos de que solo se limitaron a copiar y robar la música de los bluesmen anteriores, es verdad que hay composiciones suyas muy sospechosas que hasta el más fanático reconocerá en la intimidad, pero tampoco me parece que sean la quintaesencia de la música. No obstante para componer “In my time of dying” o “Kashmir” debes tener talento, eso no se discute. El asunto con Led Zeppelin es que entran dentro de la categoría de esos grupos que tienen buena música, grandes canciones y/o discos, pero algunos de sus componentes no son buenos músicos. En el universo Zeppelin debo reconocer que mis preferencias van en dirección de John Paul Jones, un bajista versátil e inspirado, y John Bonham, un batería con una pegada de otra galaxia. En lo que respecta a Jimmy Page entiendo que es un músico con un don especial, creador de canciones que han marcado a generaciones de personas, pero a la hora de tocar la guitarra no tienes más que escuchar cualquier directo: un sonido sucio y una digitación mediocre. Aquí volvemos a un debate recurrente: ¿hay que saber dominar la técnica de tu instrumento o crear un todo artístico que llegue al público? Por mi parte lo tengo muy claro: me pueden llegar grupos con un nivel técnico y compositivo básico, pero cuanto mejor toques más recorrido y posibilidades tendrás para crear algo superior. En cuanto a Robert Plant poco se puede decir, el amigo encarna perfectamente el arquetipo de frontman, pero no ha cantado un carajo en toda su vida. Las grabaciones en directo en las que casi sientes lástima porque ahí no hay voz por ningún lado y no llega a ningún sitio son muchas, muchas. Aunque nuestro amigo Robert ha demostrado ser un músico inteligente, tras la separación de Zeppelin se lanzó a una carrera en solitario de corte intimista, indagando en otro tipo de sonidos y fundiéndolos para crear una música personal y, por momentos, muy inspirada. Sin renunciar nunca a sus gustos e influencias musicales, no se quedó estancado en el rollo ex-Zeppelin y ahora goza de un status ganado a pulso y bien merecido. Todavía recuerdo cuando me desplacé en 2004 hasta la localidad inglesa de Chippenham, un pueblo perdido de Reino Unido, para ver en directo a Little Richard en un festival de Rock n’ Roll oldie que allí se organizaba y entre los asistentes vip estaba Robert Plant mostrándole sus respetos al único e irrepetible Arquitecto del Rock n’ Roll.

                          Robert Plant.                       John Paul Jones.                    Jimmy Page.

Hay un aspecto en Led Zeppelin que admiro profundamente y es que ante todo eran un grupo. Cuatro tipos. Falleció John Bonham y se acabó Zeppelin. Tomaron la decisión en su día y cuarenta años después la mantienen. En su caso todo estaba a favor, fallece uno de tus músicos cuyo hijo también toca la batería como una bestia y no tienes más que volver a juntarte unos años más tarde para girar en directo y vivir de las rentas; incluso puedes componer música nueva con tanta calidad o más que la clásica. Hay tantos ejemplos que intentar enumerarlos resulta estéril. Supongo que el mérito de esto es fundamentalmente responsabilidad de Robert Plant y, en menor medida, de John Paul Jones. A Jason Bonham no tienes más que llamarlo y acudirá, él no fue miembro fundador, es un homenaje a su padre y seguro que hay mucha pasta de por medio. La carrera posterior de Jimmy Page ha sido tan exigua como errática y se ha pasado años intentando convencer por activa y por pasiva a Robert Plant de volver a reflotar el zepelín… ¡si en todos estos años ha sacado más reediciones y remezclas de las canciones de Led Zeppelin que discos propios suyos! Sea como fuere su decisión les honra y no ha hecho más que agrandar la leyenda del grupo hasta los altísimos listones en los que se encuentra hoy en día. Solo se han vuelto a juntar para conciertos especiales y ocasiones puntualísimas, contándose con los dedos de una mano estas reuniones y siempre con motivos más que fundados –la última para honrar el fallecimiento de Ahmet Ertegun, el capo de Atlantic que les ofreció el contrato discográfico que les acabó llevando a la gloria-. Si realmente se llega a concretar el evento de este año ni me plantearé intentar comprar una entrada, será misión literalmente imposible y casi prefiero no tener que enfrentarme a una interpretación suya del mítico “Rock n’ Roll” -una de las canciones suyas que más me han marcado- que destroce dicho tema; no hay más que escuchar la toma del “Celebration Day” de esa última reunión de hace unos años para atestiguarlo. Me vale con los buenos recuerdos de la actuación que ofrecieron en Madrid en 1995 cuando actuaron bajo el nombre artístico de Page & Plant; vamos, Led Zeppelin sin Jones ni Bonham.

                                                       Led Zeppelin: "Rock n' Roll".

                                                               John Bonham. D.E.P.

 

Jose Antonio Manzano. Parece que podrían seguir sus problemas de salud.

Nos unimos a la preocupación por el estado de salud del gran cantante Jose Antonio Manzano. Ayer apareció en su cuenta de facebook un preocupante mensaje en el que decía "que poco dura la alegría en casa del pobre". Manzano se ha pasado todo el pasado año 2017 luchando contra ese terrible demonio que responde al nombre de cáncer. Tuvo la valentía de hacerlo público y todos los que le seguimos fuimos de algún modo recorriendo el camino junto a él, hasta disfrutar de la buena noticia de su recuperación hace tan solo unos pocos meses. Con preocupación leemos este mensaje en el que comenta que en unos cuantos días tendrá más noticias al respecto. Solo esperamos que siga adelante con más determinación que nunca para ganarle la batalla a esta terrible enfermedad y que sepa que, aunque muchos no tengamos el placer de conocerle personalmente, estamos apoyándole e intentándole devolver solo un poquito de lo que nos ha dado con su música durante todos estos años.

Vocalista de Tebeo, Banzai, Zero, Manzano, Emergency o Streetgods entre otros proyectos. A finales de año sacó al mercado el nuevo disco de su grupo titulado "4", un trabajo de Hard Rock clásico de ese bien elaborado que sigue la estela del estupendo "Mi Religión" editado en 2015 y que supuso la vuelta a la vida de su grupo Manzano que tan buen sabor de boca nos dejó a algunos de nosotros tras la publicación de sus dos anteriores discos de estudio de finales de los ochenta y principios de los noventa: "Manzano" y "Al Límite De La Pasión". Por el motivo que sea estos discos siempre han resultado especiales para mí. Todavía recuerdo el show que ofreció en la extinta sala madrileña We Rock un caluroso día de principios de verano de 2015. Nunca antes había podido presenciar una actuación del grupo Manzano y aquella noche disfruté como un enano. Se me grabaron especialmente los temas "Red hot" y "Sobreviviré", aunque todo el show fue entrañable.

Ahora estaba esperando que anunciase alguna fecha de presentación en vivo del nuevo disco... y en su lugar, esto. Recemos para que no sea nada grave y pueda seguir ofreciéndonos alegrías y buen Rock n' Roll durante muchos años.

                                              Manzano: "Sí, pero no". Single del último disco "4".

Ian Gillan. “South Africa”. Single 1988

En el año 1988 Ian Gillan publicó un single que llevaba por título “South Africa” y, como os podéis imaginar, abordaba la difícil temática de la situación de esta zona del mundo tan maltratada por todo y por todos. El tema era una composición del guitarrista Bernie Marsden e hicieron coincidir su publicación con el concierto del setenta aniversario de Nelson Mandela que se celebró en el fastuoso estadio de Wembley. Se trataba en un principio del proyecto de ambos, lo que ocurre es que se acabó publicando bajo el nombre de Ian Gillan en solitario; imagino que buscando darle una mayor publicidad al asunto.

                                                    Wembley. Homenaje Nelson Mandela.

El single se completaba con un tema en solitario de Gillan titulado “John”. Ambas canciones más tarde aparecieron en las reediciones de “Magic”, el último disco del grupo de Gillan en solitario de finales de los setenta y principios de los ochenta. Para la grabación, además de los propios Ian Gillan y Bernie Marsden, contaron con el batería Jimmy Copley, que más tarde colaboraría en otros proyectos del ex guitarrista de Whitesnake. Como curiosidad podemos comentar que esta fue la primera vez que ambos músicos de la saga Purple colaboraban en una producción discográfica. El single salió publicado en varios formatos, incluyendo una versión 12” maxi que contenía una versión extendida del propio “South Africa” y que desde luego te quitaba el hipo. Más adelante se publicó en formato cd single conteniendo los tres temas.

                                                        Ian "Garganta de Plata" Gillan.

La verdad es que no es la primera vez que Ian Gillan colabora con algún proyecto humanitario. Un año más tarde participó, junto con otros grandes nombres del Hard Rock, en una nueva versión del “Smoke on the water” que se publicó con la intención de recaudar fondos para la catástrofe del terremoto que asoló Armenia a finales de los años ochenta. Posteriormente se publicó el disco “The Earthquake Album” que contenía temas famosos de los grupos de algunos de los otros músicos colaboradores, además de la susodicha nueva versión de “Smoke on the water”. Se cortaron varias versiones del tema y se rodó un vídeo clip con algunas de las tomas de estudio de los músicos que participaron, todo muy acorde con los macro proyectos humanitarios que los músicos promulgaban por entonces. 

                                 Rock Aid Armenia: "Smoke On The Water" y "The Earthquake Album".

Como curiosidad se puede comentar que en la versión de “Smoke on the wáter” también participó Ritchie Blackmore. Estamos hablando del momento en el que Ian Gillan fue sumarísimamente expulsado de Deep Purple tras la gira de presentación del directo “Nobody’s Perfect” a finales de los ochenta y el morbo por ver si ambos músicos coincidían en el estudio estuvo presente en todo momento, aunque lo cierto fue que asistieron a grabar sus partes en días distintos. Sin embargo queda para la posteridad el momento del vídeo en el que un habitualmente con cara de pocos amigos Blackmore accedía a las dependencias del estudio de grabación portando su habitual semblante de póker. Esto solo es superado por la interpretación del propio Ritchie en el vídeo de “Call of the wild”, en el que aparecía sentado en su sofá, practicando dedos con la guitarra mientras que sonaba el teléfono y una secretaria hacía el ademán de pasárselo para que respondiese. Ni que decir tiene que nuestro hombre ni se inmutó, hizo caso omiso del aparato con el desdén que solo él sabe mostrar mientras seguía practicando como si nada. Un tipo genial.

                                                 Deep Purple: "Call of the wild". Vídeo clip.

Volvamos a “South Africa”. El single apareció en una edición normal que contenía el susodicho como cara A y el antes mencionado “John” en la cara B. “John” es una tema de esencia similar al proyecto que montaron Ian Gillan y Roger Glover en ese mismo año 88. Gillan todavía tenía contrato pendiente con Virgin Records y junto a su amigo Glover decidieron tomarse unas vacaciones en las paradisiacas islas tropicales de Monserrat. De esas sesiones salió un pedazo de disco tan ecléctico como inspirado que respondía al cachondo título de “Accidentally On Purpose” (accidentalmente a propósito), versiones de clásicos de los cincuenta, desenfadados ritmos Pop, elementos étnicos, sintetizadores y, por supuesto, buen Rock; las enseñanzas de pioneros como Little Richard –ídolo de Gillan de siempre– supuraban por los surcos del disco. Un disco que rezumaba diversión y ganas de experimentar disfrutando de la música. Por supuesto que los medios de comunicación se cebaron con ellos, incluido alguno de sus propios compañeros de grupo. Pocos meses después Gillan era expulsado de Purple. Este disco y este año en la vida de Deep Purple bien merece ser retomado en otro momento, porque desde luego que tiene su miga. El caso es que la canción “John” tiene ese mismo espíritu y perfectamente podría haberse trabajado durante esas sesiones.

                                                        Gillan y Glover en Monserrat.

“South Africa” también apareció en versión promo para las radios, con un editado especial del tema título; por aquel entonces todavía había variedad en el mundo del dial y emisiones radiofónicas que merecían la pena. Aunque la versión que me noqueó fue la del maxi single, aquí aparecían las dos canciones y una remezcla del propio “South Africa” que duraba más de siete minutos –el edit tenía una duración de 3,56 y el single 4,03–. Recuerdo que cuando escuché el single me gustó mucho, un corte de esos con tintes épicos, pero con el toque melódico tan genuino de Bernie Marsden. La locura llegó cuando escuché la versión extendida. Nada que ver con el editado, que ya era bueno de por sí. La canción pasó a cobrar una nueva dimensión que a día de hoy me sigue llegando con intensidad, dotándola de un dramatismo perfectamente acorde con la letra y el significado del propio tema. Una de esas canciones que se van construyendo poco a poco y que va creciendo en intensidad. Lo más curioso es que consiguieron que cada toma cobrase vida propia, no estamos ante un remix de esos que dejan el tema igual con algún pequeño añadido instrumental, la versión extendida consigue convertirse casi en otro tema distinto, pero semejante. Altamente curioso.

                                                               Bernie Marsden.

Los créditos señalan a Ian Gillan como productor aunque la composición es de Bernie Marsden. Sea como fuere nos encontramos ante una de las mejores grabaciones de Gillan, al menos para este humilde escriba, y una de las menos conocidas. Solo espero que la autobiografía que recientemente ha publicado Bernie Marsden llegue a mi casa de una maldita vez y que en ella haga alguna mención a esta colaboración para poder sumergirme en todos esos pequeños detalles y curiosidades que tanto nos alegran el día a algunos de nosotros. Seguro que el bueno de Bernie tiene unas cuantas historias interesantes que contar.

                                                         Ian Gillan: "South Africa".

                                                Ian Gillan: "South Africa". Extended version.

Pat Torpey: "Yesterday".

Siempre que sale en alguna conversación la famosa canción "Yesterday", composición de los Beatles y más concretamente de Paul McCartney, nunca pienso en la popular banda de Liverpool. Casi como una fijación viene a mi memoria la particular versión que solía incluir el genial Pat Torpey como parte de su solo de batería; seamos realistas, era en ese momento cuando este tema alcanzaba otra dimensión.

Formar parte de un grupo como Mr. Big presupone de entrada una serie de cualidades musicales e interpretativas que no están al alcance de cualquiera. En este grupo sabe tocar bien hasta el que barre el local de ensayo. Desde que se volvieron a juntar a finales de 2008 han visitado los escenarios españoles para presentar sus sucesivos nuevos discos de estudio y demostrarnos lo buenos que son y lo lejos que quedan de la mayoría de los mortales. Hace unos pocos años se hizo pública la enfermedad de Parkinson que padecía Pat. Cualquier otro grupo hubiera despachado el asunto con un sentido comunicado oficial y buscando otro batería. Mr. Big no. Parece que no está todo perdido para la especie humana en el mundo de la música. Ellos se consideraban un grupo y decidieron seguir adelante con su camarada.

Contrataron a un sustituto, pero Torpey siguió grabando y acompañando al grupo en los directos aunque fuese solo para salir a escena testimonialmente asiendo un pequeño kit de percusión y una pandereta. Todavía tengo fresca en mi retina la última actuación de Mr. Big en la madrileña sala de La Riviera el pasado mes de Noviembre, con nuestro querido Torpey comandando la interpretación que su grupo hizo del precioso "Just take my heart". Pero esto es marginal.

Pat Torpey, Descanse en Paz.

REFLEXIONES METÁLICAS.

Una sección de nuestro colaborador "Metálico".

¿La música en soporte físico o virtual?

La forma en la que consumimos música está variando notablemente de un tiempo a esta parte. Cada vez más los soportes físicos son menos utilizados, algunos prácticamente han caído en desuso como las antes populares cassettes, otros se mantienen a duras penas como los vinilos, mientras que el reinado de los CDs y DVDs se ha visto superado por la música virtual, que se escucha on line en plataformas como spotify o similares.

Las ventajas de la música así escuchada son evidentes pues no requieren de ningún lugar físico para almacenarse (atrás quedaron aquellas estanterías repletas de discos). Permiten una gran comodidad, porque con un simple smartphone con conexión a internet y unos cascos se puede escuchar casi cualquier canción. Y ese es otro motivo, seguramente el principal: la posibilidad de acceder a un sinfín de artistas o grupos, a cualquier lp, a esa canción que se quiere escuchar ya con solo un toque de la yema del dedo.

Ante este despliegue, el soporte físico apela a otros tipos de valores a la hora de consumir música, permite un mayor acercamiento al trabajo del grupo: la portada, la contraportada, las fotos interiores o cualquier comentario del autor, posibilita disfrutar del valor añadido de la música que ha querido compartir el autor. Y, claro está, facilita el coleccionismo, algo que en mayor o menor medida ha intentado cualquier amante de la música que ya tenga canas, alguna o muchas.

Además, también hay otro tipo de ‘soportes’, que son los que permiten almacenar la música que se descarga: discos duros y otros dispositivos de memoria que apenas necesitan espacio físico para guardarse.

De todas modos, estas formas de escuchar música no son incompatibles, sino todo lo contrario.

¿A vosotros qué os parece?

Metálico.

UFO: “Hunger in the night”.

Que UFO es una banda capaz de componer grandes canciones es algo que solo unos pocos despistados pueden poner en duda actualmente. Te puede gustar más o menos este grupo, pero el combo de Phil Mogg puede presumir sin ruborizarse de haber entrado en el Olimpo de los grandes del Hard Rock. Cortes como “Rock bottom”, “Shoot shoot”, “Only you can rock me” o el clasicazo “Doctor doctor” se han ganado por derecho propio esta denominación. El indudable tino que esta gente ha tenido desde siempre para la composición y la melodía les ha llevado a dar forma a su propio sello musical. Herederos de la Psicodelia de los sesenta, el Rock clásico de los setenta o incluso las bandas de Heavy de finales de los setenta y primeros ochenta, refinaron hábilmente algunos de sus elementos para crear un sonido propio y diferente. Cualquier canción de UFO es perfectamente reconocible y eso se lo deben a la guitarra de Michael Schenker… y sobre todo a la personalísima voz de Phil Mogg; al menos en mi opinión. Este binomio junto al bajista Pete Way, arquetipo del músico que personaliza el estilo de vida del Rock n’Roll, dieron forma a un sonido que a día de hoy todavía nos maravilla a muchos de nosotros.

                                                                Phil Mogg.

Los avatares de UFO dan para un buen y abultado libro, sus múltiples cambios de formaciones, sus subidas y bajadas del tren del éxito o sus excesos en todos los terrenos podrían servir sin ningún problema para ilustrar de qué va esto de dedicar tu vida a vivir bajo el fulgor del Rock. Lo que está claro es que, pese a sus múltiples y variadas circunstancias, nunca han bajado el listón en la producción musical que nos ha venido ofreciendo a lo largo de todos estos años; y ya van casi cincuenta años. Cualquiera de sus discos de estudio atesora calidad, buen gusto y grandes canciones, que es de lo que se trata. Hoy nos vamos a detener en una de sus canciones más escondidas, que no por ello exenta de esos estándares de calidad que solo se pueden permitir unos pocos. Esta canción pertenece al disco “Ain’t Misbehavin”, que publicó el grupo a finales de los ochenta.

                                                      Tommy McClendon y Phil Mogg.

“Hunger in the night” apareció dentro del disco “Ain’t Misbehavin”; bueno, disco, maxi, mini Lp, EP o como queramos denominarlo. El asunto era que se trataba de una colección de seis canciones -en una versión posterior en cd se incluía un tema más- que el grupo publicó en el año 1988. La década de los ochenta fue una época tan convulsa como fascinante dentro del grupo del ovni. Se separaron una vez tras la gira de presentación del buenísimo “Making Contact” editando el posterior recopilatorio “Headstone”, uno de los recopilatorios más indescriptibles que haya conocido el mercado musical jamás. Dicho doble disco recopilaba algunos de los temas más famosos del grupo y contenía en su cara D -qué tiempos de los vinilos y las caras A y B- un puñado de canciones grabadas en directo pertenecientes al concierto de despedida que el combo ofreció en el Hammersmith, pero lo más incomprensible del asunto es que entre el material recopilado de estudio también aparecían canciones de otros grupos en los que habían estado algunos de los miembros de UFO. De este modo nos podemos encontrar en este recopilado temas como el “Armed and ready” de MSG, “Criminal tendencies” de Wild Horses, “She said” de Lone Star, “Love drive” de Scorpions o el “Fool for your loving” de Whitesnake... ¿?. Además de lo que tuvo que suponer comprar los derechos de publicación a las distintas discográficas, que me expliquen qué cojones pintan los temas de Whitesnake en un recopilatorio de UFO. Dentro del pequeño submundo gris de las jugadas comerciales deleznables de las compañías de discos para arañar un miserable euro más a nuestros bolsillos, esta debe ocupar uno de los lugares destacados. De todos modos, si obviamos este “pequeño detalle sin importancia”, nos encontramos con un doble recopilatorio que es una pasada y que se corona con esas entrañables tomas del directo. Años después se completó el puzle y publicaron el concierto del Hammersmith en su totalidad, por lo que ahora en mi estantería se encuentra lujosamente ubicado este doble convertido en triple disco gracias al añadido del show completo.

Pero no nos desviemos del tema. Tras esta separación, Phil Mogg volvió a poner en marcha unos nuevos UFO para sacar el también interesante “Misdemeanor”, un álbum orientado al sonido más AOR y de teclados que tanto se llevaba a mitad de los ochenta; UFO y las buenas melodías: siempre una combinación perfecta. De todas formas, pese a todo el disco seguía aportando fuerza y guitarras entre sus surcos. Tras la gira de presentación, que duró hasta bien entrado en año 1986, el grupo se volvió a semi disolver. Phil Mogg y Tommy McClendon -también conocido con el irritante mote de Atomic Tommy- registraron unas cuantas tomas en demos que acabaron publicándose en el año 1988 conformando el disco “Ain’t Misbehavin”. El grupo no dio señales de vida durante prácticamente todo el año 1987, solamente apareció en directo durante una fiesta de Navidad de la revista Kerrang o Metal Hammer. El grupo ofreció una única actuación en la emblemática sala Astoria de Londres que a la postre fue la única vez en la que presentaron en vivo algunos de los temas de este nuevo álbum todavía en ciernes, incluso ya entonces la formación volvió a cambiar llevando como guitarrista a Mike Gray. Con este nuevo disco volvían a sus raíces más rockeras y dejaban de lado el excesivo edulcoramiento de “Misdemeanor”. Tras la publicación del álbum y su escasa repercusión el grupo volvió a hibernar hasta que Phil Mogg, hastiado de intentar el retorno del grupo con otros músicos, contactó de nuevo con Pete Way y volvieron a poner en órbita a la banda con la compañía de Lawrence Archer y Clive Edwards. No seré yo quien defienda al amigo Atomic Tommy, pero reconozco que me hubiera gustado que el grupo se hubiese lanzado a la carretera para promocionar “Ain’t Misbehavin” en directo.

                               UFO Sep 86-Oct 87: Tommy McClendon, Jim Simpson, Paul Gray y Phil Mogg.

                                     UFO Nov-Dic 87: Phil Mogg, Paul Gray, Jim Simpson, Mike Gray.

El disco es una de mis debilidades, lo reconozco. Pasará a la Historia como un lanzamiento irregular y plagado de circunstancias externas e internas de la banda, pero tiene algo que me enganchó desde el primer día y todavía no me ha soltado. A la sempiterna voz de Phil Mogg y la guitarra de McClendon se les suma el bajo de Paul Gray y la batería de Jim Simpson para la grabación de estas canciones. La producción es horrible, los volúmenes están descompensados, el sonido de guitarra resulta indigno para un grupo como UFO de lo sucio y poco tratado que está, los coros prácticamente saturan y, en definitiva, restan enteros al producto final… pero en ese disco hay canciones, eso seguro. Cuentan las malas lenguas que lo que está publicado no es más que las maquetas que en su día se grabaron antes siquiera de saber en qué se iban a acabar usando. No sé hasta qué punto será cierto del todo, pero tiene toda la pinta. Incluso el propio Phil Mogg, en las líneas interiores de la carpeta del álbum, comenta que estas piezas las trabajaron tras acabar la gira de “Misdemeanor” en distintos momentos y bajo diferentes circunstancias, que querían volver al sonido rockero más primario del grupo y que las pusieron en circulación como una especie de regalo para los fans; de este modo cualquier seguidor de la banda podía conocer de primera mano en qué estado compositivo se encontraban durante ese periodo de tiempo. Ni siquiera se adjunta foto alguna de la formación al completo que figura en los créditos de las grabaciones, en su defecto adjuntan un bonito collage de instantáneas de los miembros del grupo tanto en directo como de archivos personales. Si es que hasta la portada mola: el dibujo de una mujer desnuda a la que no se le ve ni su cara ni su vello púbico y que agarra en la mano una pistola de esas de película de vaqueros con pose desafiante. Algo artístico y peligroso, con el buen gusto que siempre ha caracterizado a estos entrañables británicos; por supuesto se censuró y nos colocaron otra cutre-portada con el nombre del grupo en su lugar. En fin. Desde luego en líneas generales suena a que tenían unas demos trabajadas y encontraron a una compañía que se las publicó. Punto.

                                                   "Ain't Misbehavin". Portada original.

                                                  "Ain't Misbehavin". Portada censura.

Si hablamos de la canción en particular que da título al artículo, nos encontramos con todas esas deficiencias en el apartado de la producción. Sin embargo a nivel de composición es una absoluta delicia, es una de esas canciones que penetran directamente en tu cabeza. Comienza suave y desafiante, para estallar de inmediato y llegar con el puente hasta un estribillo imbatible, de los que parece ser que pueblan las neuronas de Phil Mogg. La canción tiene un tempo de esos que te ponen en forma y que va haciendo subir la temperatura a medida que avanza. Las dobles voces en los coros -algo que usa Mogg en casi todas las canciones del disco- le aportan al estribillo un empaque aún mayor y contribuyen a realzar el tema en su totalidad. Ni siquiera la cochambrosa producción puede con una canción que tiene todos los ingredientes necesarios para destacar. En aquellos años de hegemonía de las grandes melodías y comercialidad bien entendida en las listas de éxitos UFO demostraron que, sin apenas medios ni presupuestos millonarios, atesoraban calidad a raudales. Y por si fuera poco, la canción acaba enganchando el estribillo final con un solo de guitarra que cabalga superponiéndose. Como debe de ser.

                                                      UFO: "Hunger in the night".